BIPOLAR

NÚMERO ONCE - SEPTIEMBRE 2006

2006-09-16T12:04:00.000-03:00

NO, NO ENTIENDO

El padre de Sebastián Bordón, la mamá de Ezequiel Demonty y la madre de Mariano Witis dieron una lección. Una lección de una grandeza tan grande que emocionó. Fue en el programa de cable Periodistas, que conducen Tenembaum y Zlotogwiazda en el canal Magazine. Hay un malentendido: muchas veces la palabra de alguien que sufrió un dolor inmenso tiene más validez que la de un especialista, que empeñó su vida preparándose para analizar qué hacer frente a un problema. Estos tres padres manifestaron, prudentes, frases con la supuesta idoneidad que confiere el dolor, pero del otro lado del escritorio, del lado de los excluidos, con discursos racionales y lúcidos. Dijeron que, a realidades complejas, las soluciones fáciles son en verdad engaños, que teñirán de sangre el porvenir. Recordaron a la Mejor Policía del Mundo. Al “metan bala” de Ruckauf. Destacaron el desorden de valores del petitorio Blumberg. Luis Bordón cerró con una reflexión, que no por escuchada deja de ser ciertísima: Si para nosotros la vida de un chico que cartonea es lo mismo que nada, no podemos exigirle a ese chico que considere a nuestra vida con más valor que eso: nada.

Mex Urtizberea, la columna mejor edificada de La Nación, nos hace un repaso de su expresividad multifacética en el Bonustrack: músico, escritor, periodista y fumador compulsivo de habanos. Los Modernos, en el Vermouth, o la dupla teatral que se pasea con éxito por tierras ibéricas y está deleitando a los porteños con su Breve desconcierto breve, en el Maipo. Los Cafres, el grupo de reggae que día a día se consolida cada vez más, en la Entrevista, nos prestan a su líder, Guillermo Bonetto, para que nos cuente cómo es tomarle prestada la música al Dios Selassie I para recrearla frente al Obelisco. El Bipolar del mes es Tití Fernández, el periodista deportivo que es la sana envidia de los entrenadores: se pasó más de tres décadas cerca del banco de suplentes, siempre con humor. La Tragedia de este mes es un tema libre. Peones de taxi enfadados por la suba de la bajada de banderita versus patrones felices con el ajuste de los precios, cara a cara: jaque mate. La Súper Sopa, el alimento que habría de erradicar la pobreza, está viva; hicimos una Investigación al respecto, y te contamos las novedades de este programa nutricional que a pesar del silencio está mejor encaminado que nunca. El Ejército de salvación se llevó a Billy Cafaro, el autor de Pity Pity, que vendió un millón de simples de aquel recordado hit sesentoso, considerado la prehistoria del rock en español, en la Argentina y en España. Hicimos el tour que recorre y señala los fantasmas de la vieja Buenos Aires misteriosa; como el cuco no nos extorsionó, contamos de qué se trata en Bicolor. El Héroe anónimo es Tachi Schamun, el artista detrás de La Renga y Los Gardelitos, la mano que ideó los personajes mitológicos que ostentan las mochilas y remeras de los chicos que quieren rock.
Número 11, falta poco para cumplir un año. A veces más fácil, a veces más complicado; Bipolar siempre en la calle. No es poca cosa mantener una revista gratuita autogestionada sin tener casi ningún apoyo económico. Pero ponemos mucho de nosotros para que así sea.

LOS CAFRES

2006-09-16T11:59:00.000-03:00

Por Gabriel Pérez

Luego de demostrar que hay vida para una banda de reggae más allá del ‘bo-io-ió’, Guillermo Bonetto, voz de Los Cafres, habla sobre el presente exitoso del grupo, se queja del falso misticismo y revela que tiene ganas de editar un disco solista.

Es un domingo soleado –the sun is shining / the weather is sweet- y Guillermo Bonetto juega mansamente con su perra. Su casa conurbana está despojada de toda parafernalia rastafari. La música sincopada que sale de su equipo es lo único que da algún indicio de que el anfitrión es el líder de una banda que hace casi 20 años que toca reggae roots. Su discurso no se pierde en laberintos canábicos: en el tiempo que transcurre la charla, no hará alabanzas a ningún Dios. No predicará a favor del vegetarianismo. No hablará de Babilonia. Y sólo hará una mención elíptica a la musa inspiradora.
En un rincón descansan una computadora, un tecladito y una guitarra. En ese estudio casero Bonetto graba constantemente. “Arranco con la guitarra acústica. Escribo todo el día, pero no sólo letras, sino descargues personales, como una especie de diario íntimo. Quizás me fumo uno y empiezo a grabar. Y cuando estoy por entrar al estudio con Los Cafres, me pongo a escuchar todo lo que registro acá, porque me olvido. Grabar es lo mejor, porque uno es público también, entonces cuando escuchás el demo podés darte cuenta si quedó bien. Pueden ser balbuceos, y si me gusta y vale la pena, me pongo a trabajar sobre esa idea. Las canciones son como unas plantitas, de repente una puede crecer de golpe y ya está, o hay que regarlas todos los días y esperar el momento indicado.”
Los Cafres acaban de editar una edición limitada de lujo, Luna Park, de un devedé más un cedé, con la actuación en ese estadio. El combo es un repaso por la historia del grupo. La diferencia con su anterior álbum en directo, Vivo a lo Cafre,15 años de reggae roots en Argentina, de 2003, es que justamente incluye las canciones del disco que los llevó a jugar en las primeras ligas del rock, ¿Quién da más?
Con temas como Si el amor se cae, de constante rotación en las radios, Bonetto descubrió que a veces el público quiere más de lo que él está dispuesto a dar. “La gente se cree que sos un disco, que te puede tener en su casa a su disposición y que siempre tenés tiempo libre. Se olvida de que sos una persona. El otro día en un show grande en una discoteca estaba firmando autógrafos y llegó un momento en el que tuve que decir basta, porque me tenía que ir a mi casa, a hacer mi vida. Y hubo mucha gente que lo entendió, y el que no lo supo comprender que se vaya a la mierda, porque si no le importa lo que le estoy explicando, no me importa que se enoje. Yo fui a tocar y di todo, siempre lo hago. No me guardo nada. Sé lo que doy. Si no doy más es porque no tengo más”, dice sin divismos. No es que le moleste el éxito, de hecho está orgulloso de que Los Cafres hayan abierto un camino para que hoy bandas como Nonpalidece puedan recorrer.
Lo que sí le fastidia es cuando el componente místico del reggae se convierte en una línea divisoria entre lo verdadero y lo falso. “En la religión rastafari pasa lo mismo que en otros cultos, como el católico. Hay gente que realmente cree, por ejemplo, que hay que ser célibe y lo es, y otros hipócritas que por las noches deben hacer de las suyas. Los rastas siguen el Antiguo Testamento, un libro lleno de anécdotas que ya está en desuso. Pero bueno, hay que entender el contexto: esto surge ante la necesidad de creer en algo digno, no nos olvidemos de que toda esa gente es descendiente de esclavos. Lo mires por donde lo mires, ellos quieren volver. En Jamaica la clase dominante es la blanca y son menos del 20 por ciento. Eso explica por qué el reggae es popular en toda Latinoamérica, porque la esclavitud nos une a todos. Pero yo lo tomo como una necesidad de redimirse espiritualmente ante la adversidad. Porque imaginate: son pobres, siguen siendo esclavos, están en una isla. De hecho, en Canadá, en donde viví unos años a fines de los ochentas, la mayoría de los criminales eran jamaiquinos, un poco porque los tildaban, otro porque era verdad. Es por eso que son radicales, yo los entiendo, pero que no me vengan a joder. Si están en la Argentina, que aprendan de mí. Cuando viene un jamaiquino y me empieza a pelotudear con sus costumbres, me dice ‘usteden se besan’. Sí, nos besamos en la mejilla los hombres, ¿qué problema hay? ¿De qué tenés miedo?”

ARTE POPULAR
Los Cafres, como la gran mayoría de las bandas de rock de la Argentina, trabajan para la productora PopArt, el gigante corporativo dueño de muchos de los pocos lugares habilitados para recitales, y organizador de grandes eventos, como los festivales de fin de año. Muchas bandas y solistas independientes rechazan el poderío de PopArt y por lo bajo la asocian a cierto periodista-empresario nefasto. Bonetto, en cambio, lo toma como algo natural, propio de las reglas de juego actuales. “A mi me beneficia porque estoy con ellos. Quizás si estuviera afuera estaría puteando. Aunque de hecho estuve afuera como 20 años (risas). Nosotros firmamos con DBN y ellos se asociaron. Y funciona bien porque DBN tiene un departamento de marketing inexistente, y nosotros somos un desastre en cuanto a la organización de la difusión del grupo. Entonces, lo que es débil en DBN, es fuerte en PopArt. A la vez DBN es la mayor distribuidora de discos del país. Es un equipo. Y nosotros somos un grupo muy rebelde, imaginate que teníamos que sacar un disco este año y ni lo grabamos. Entonces se juntan tres fuerzas que tiran cada una para su lado y generan un movimiento positivo. Nosotros, la música. No me vengan a romper las bolas con ese tema. No transamos nada. DBN siempre nos pedía hits, y nosotros hacíamos lo que creíamos que eran hits. Todos los años nos puteaban, hasta que este año nos dieron la razón. ‘¡No me escuchaban, loco!’, les dije a los de la compañía. Hacemos reggae. ‘Marquetinizanos como un grupo de reggae, no me pidan bo-io-ió’. ‘Dale, cantante un bo-io-ió’, me decían ellos. ‘¡No entendés, la gente nos sigue porque no hacemos eso!’ (risas). Es la eterna lucha. En un punto es hegemónica la forma en que PopArt encara el mercado, pero a la vez es muy flexible.”
El próximo disco de estudio de la banda, con fecha probable de edición en marzo de 2007, tendrá un sonido más simple, adelanta Bonetto. “Venimos -concluye- demeando desde noviembre del año pasado. Hay de todo, roots, ragga. Estamos tratando de sacar notas que estén de más. Y se nos hace difícil, porque somos muchos músicos y nos cuesta. Cuando uno recién empieza a tocar estás en una etapa barroca, orquestás todo, pero después te das cuenta de que la canción grabada es sólo una versión. Además siempre está la posibilidad de que el tema se arruine. Pero después de tantos años tenemos la experiencia para saber cuándo decir basta. El arte está en cómo combinar los instrumentos, no hay recetas. En el estudio generalmente tenemos un par de temas que quedan afuera, pero tratamos que no porque es una pérdida de tiempo, y se le resta lugar a otras canciones. Lo mejor es ir con una selección. Los compositores de la banda elegimos los mejores temas, y la verdad es que muchos están muy buenos, honestamente.”

*****

EL DISCO SOLISTA
“Hasta ahora nunca lo llevé a cabo, pero sé que lo voy a hacer. No porque se vayan a separar Los Cafres. Es una necesidad que tengo, e inclusive me gustaría hacer otra clase de música, como boleros, bossa nova. Seguramente lo grabaría con algunos de los chicos de la banda. Por estar en un grupo y ser un compositor prolífico, hay muchas canciones que no se graban porque no van con el concepto de la banda, o porque no podés poner tantos temas propios en un disco. Entonces te dan ganas, para no joder a nadie ni consultar mucho. En un grupo tenés que congeniar y respetar los gustos de todos. Lo bueno en Los Cafres es que somos varios los compositores. Pero bueno, como en todo proyecto colectivo hay diferencias. Yo por ser uno de los fundadores de la banda, por ser el más visible, también por personalidad, hago valer mi voz. Pero soy un líder natural, porque sé escuchar y aprovechar las ideas de los demás. Y no es que no tenga canciones: algunas son muy buenas. Me gusta colaborar, mi exposición es muy grande como para querer llevármela toda (risas). También me gusta ver brillar a mis amigos.”

*****

MARLEY + 10
Los Cafres se diferencian de la mayoría de las bandas de reggae argentinas actuales porque no rinden un excesivo culto hacia la figura que llevó el sonido hacia un lugar visible. Si bien grabaron una versión de Waiting in vain en el disco doble Vivo a lo Cafre, 15 años de reggae rotos en Argentina, Guillermo Bonetto rescata –y recomienda escuchar- otros artistas del género. “Cuando se pone el foco en Bob Marley son muchos los artistas que no son valorados. Marley tiene una carrera muy importante, muy prolífica, de muy buena calidad. Y obviamente está su escena, su valor, el hecho de que sea un poco blanco, por qué no. Toda esa situación generó una figura muy importante. Pero digamos, también hay que reconocer a los Skatalites, a Toots & the Maytals, de quienes se dice que fueron los creadores de la palabra reggae. Otros que son muy importantes son los Paragons, un trío con unos temas muy raros, o los Headstones. Me interesa mucho la historia del reggae, además esta música está en constante movimiento, se retroalimenta, incluso hace unos años volvió el roots, y se llama new roots. Por eso digo que hay todo un movimiento más allá de Bob Marley, y que lamentablemente mucha gente se lo pierde.”

*****

PEQUEÑO WIKIPEDIA ILUSTRADO
Se llama roots reggae (reggae de raíces) a una variedad de reggae propiamente rastafari. Es un tipo de música espiritual, en cuyas letras predomina la alabanza del Dios o Jah. Otros temas recurrentes en las letras son la pobreza y la resistencia a la opresión del gobierno.

*****

MEX URTIZBEREA

2006-09-16T11:56:00.000-03:00

Por Ariel Jonte

Es músico, conductor de radio y televisión; escribió un libro y, además, realiza columnas para importantes medios gráficos. Mex, el artista que hace todo y dice no saber hacer nada, salvo humor.

La primera pregunta ya había sido formulada. La cinta en el grabador corría incorporando un silencioso sonido, acompañado por una leve exhalación de humo: “Para quienes alguna vez escuchen esta grabación deben saber que si no hablé es porque estoy encendiendo un cigarro ¡Qué estúpido!”.
Primordialmente músico, naturalmente cómico y casualmente actor, Ignacio Mex Urtizberea es integrante del grupo que desatiende al refrán: El que mucho abarca, poco aprieta; y durante la última década se hizo un tiempo para todo. Televisión, radio, dos películas -Un mundo menos peor y Valentín, ambas escritas y dirigidas por Alejandro Agresti-, y la edición de su libro Crónicas masculinas son algunas de las cosas que mutaron desde su alma musical.

- Artísticamente hiciste de todo, ¿te llevás bien con cualquier rubro?
- A mí me gusta eso. Yo no sé hacer nada porque no profundicé en nada. Tampoco sé que soy. O más o menos, porque soy humorista. Tengo como sello la improvisación. Sé cómo hablar y decir las cosas, jugar con las palabras. Hay mucha gente que lo hace, como Alfredo Caseros, y eso tiene que ver con lo artístico, cuando te interesa el arte. El intérprete toca un instrumento y le da sólo a eso, pero el que toca muchos es porque quiere presentar otra cosa, pone más en juego a la imaginación.

PRIMORDIALMENTE
A fines de los cincuentas John Lennon, Paul McCartney, Ringo Starr y George Harrison dieron comienzo al fenómeno musical que rápidamente trascendió las fronteras de Liverpool y obtuvo un alcance mundial insuperable.
El Río de la Plata no estuvo exento a ese movimiento y a mediados de los sesentas desembarcaron en la Argentina los uruguayos Los Shakers, que conmocionaron a los adolescentes con covers de Los Beatles y temas propios, de símil melodía.
Para entonces, la edad de Mex no llegaba a los dos dígitos y, a raíz de las fiestas que realizaban sus hermanas mayores en su casa, sus ojos pudieron advertir algo que marcaría el camino de su vida. “Era común que vinieran conjuntos del barrio de música beat. Yo siempre me quedaba al lado del baterista, mirándolo. Casi estupefacto. De un grupo no me interesaba otra cosa, porque era el que más trabajaba. Es la independencia: cada mano y cada pierna hacen cosas diferentes, siempre respetando un tempo. Así empecé a golpear latas de pintura y a dibujar baterías por todos lados.”
Durante su adolescencia conformó bandas barriales con las que dio sus primeros pasos en la música. Alumno de batería de Lito Vitale, quien le enseñó a tocar los bombos y platillos con tan sólo 13 años, Mex se fue adentrando en el grupo Músicos Independientes Asociados (MIA). Allí tocaba el padre de su profesor, que terminó siendo su maestro de vida: “Es un juego que hay que hacerlo lo más lúdico posible porque estamos de paso y hay que divertirse”, le enseñó.

- De admirador de MIA pasaste a tocar con ellos; así fue tu primera vez en un escenario...
- Yo los iba a ver hasta cuando ensayaban, y un día me invitaron a hacer una gira por el interior. En Mendoza me preguntaron si quería hacer coros y tocar el saxo porque el saxofonista no estaba. Me quería morir. Tocamos frente a las bodegas Arizú. Cuando terminó el show me fui a tomar vino directamente de los toneles de la alegría que tenía por haber tocado con los que siempre había admirado.

Luego vinieron otras bandas. Ya no era la música beat, ni el rock sinfónico de MIA. Experimentar, de eso se trata su carrera; y con el jazz y un viaje a Francia durante la gestación de la debacle alfonsinista (Ver No tan...) volvió para tocar candombes con La sonora del Plata en el Parakultural, adonde conoció a Alfredo Caseros, y con quien inesperadamente, se introdujo en el mundo televisivo.

CASUALMENTE
La mirada fija en un punto específico como un bailarín malabarista jugando en el zamba se asocia a su voz leve y pausada, de entonación misteriosa, que hace un nuevo racconto de su infancia. La escena se repite una y otra vez en la casa que lo vio crecer. El periodista vuelve a enfermarse gravemente debido a los nervios causados por la convivencia sagaz que debía soportar en los medios, y su hijo, atormentado por el cuadro de la situación, le jura no inmiscuirse en ese mundo.
“Entrábamos a grabar a las seis de la mañana. Todos los cámaras estaban dormidos y lo peor que hay para un humorista es ver que no te dan bola”, recuerda como anécdota de su paso por el programa De la cabeza, que realizó junto a Caseros, y al cual, en un principio, entró sólo para tocar el piano.
En una sala contigua tres Martín Fierro reposan en una repisa fruto de lo que quizá fue su máxima representación en la pantalla. Antes de Medios locos, programa que compartió junto al recordado Adolfo Castelo, y de La kermex, su última invención llevada al aire, Mex no tuvo mejor idea que seleccionar a un grupo de purretes y conformar el equipo de Magazine For Fai, emitido por tres canales distintos durante el lapso de cuatro años.

- ¿Qué fue lo que provocó el final?
- El último ciclo se realizó en América y el canal tuvo un nuevo gerente de programación que, además de achicarnos el presupuesto, nos pedía un determinado número de rating para que el programa sirviera. Y como esa no era la idea del For Fai, le dije que no servía.

- ¿El rating condiciona a los programas?
- Los fenómenos existen porque los bancan, pero los productores van a lo seguro. Quizás Telefé se atreva un poco más emitiendo cortos y alguna que otra ficción. Además lo demuestra con Los Simpson.

NATURALMENTE
Si hay algo que se repite en cada uno de los laburos que realizó es la cuota de humor que despliega. Contrariamente al fanfarrón nacional que se reparte entre comediantes y pícaros integrantes de cámaras cómplices, Mex prefiere la cara opuesta, la del absurdo: “Algunos pueden creer que sos un pelotudo, pero el tipo que te entiende valora mucho más eso que al que se hace el vivo tirando a alguien al agua para que todos se rían”.

- ¿Dentro de tu estilo está todo permitido?
- No, uno se autocensura cuando siente que lo que dice le puede doler a otro. Yo no haría chistes con los desaparecidos. Tampoco con los judíos, los árabes o el Vaticano. Me puedo burlar de Saddam Hussein o Bin Laden, pero nunca de las creencias de la gente y sus cultos.

- Y si es otro el que lo hace, ¿te causa gracia?
- La revista Barcelona me parece buenísima. Tiene un humor negro siniestro. Supera lo absurdo de lo negra que es. Tiene un lugar que uno busca y lo compra, pero yo no haría eso porque no sé hacerlo y me parece muy duro.

- ¿Hay algún paralelo entre la música y el humor con el que trabajás?
- El jazz tiene relación con lo que hago. Es espontáneo. Tiene una melodía fija, después se improvisa, y luego termina y sabemos cómo cierra. Yo siempre hago las cosas así. A los pibes del For Fai los hacía improvisar. Es difícil hacerlo, potenciarlo, pero es lo que me gusta. Hay que crear, pensar y no aburguesarse.

Aquella frase que el padre de Lito Vitale le enseñó de chico se repite una y otra vez en su cabeza. La vida es un juego en el que se está de paso y hay que divertirse. Quizás en el disco que le siga a Que la bese, su última producción. Quizás en un próximo programa en la televisión o en un conjunto de situaciones volcadas en un libro. Quizás en los próximos minutos cuando se junte con Raúl Urtizberea, su padre, para otra emisión radial de Lo que el viento se llevó, justo a la hora en la que el calendario comienza a cambiar de fecha.

*****

NO TAN DISTINTOS
A mediados de los ochentas, en la Argentina, las cosas no estaban como Mex pretendía. Entonces, con el sueño de consagrarse como músico de jazz, viajó a Francia. La ilusión se desmoronó al encontrarse con la realidad que sufren los latinoamericanos sin papeles en Europa. Apenas sobrevivía pegando afiches para una empresa de turismo cuando la necesidad lo envolvió en una campaña política: “Pegué afiches para (Jean Marie) Le Pen. Tenía un cagazo bárbaro porque los franceses de descendencia marroquí y argelina se me venían encima y yo no sabía cómo explicarles que era argentino”. Tiempo después se enteró que aquella exaltación era producto de una brutal decisión para forzarlos a emigrar a los países de donde eran descendientes. Tiempo después el estallido social le explotó a Jacques Chirac.

*****

Prefiere mostrarse como un antihéroe. De ahí su preferencia por la sutileza del humor francés, las películas de Woody Allen, y hasta por el Chavo del Ocho.

*****

TITÍ FERNÁNDEZ

2006-09-16T11:52:00.000-03:00

Por Federico Amigo

Sana envidia de cualquier DT, hace 32 años que trabaja al costado de la línea de cal y es uno de los periodistas inamovibles del campo juego. Además fue el centro de las cargadas de su amigo Marcelo Araujo y hoy, junto a su ladero Marcelo Benedetto, conduce ‘Chau Domingo’, el cómico repaso de cada fecha futbolera.

1) ¿Cuándo supiste que ibas a conducir Chau Domingo?
- Estaba en Mar del Plata de vacaciones y recibí un llamado del productor ejecutivo de Fútbol de Primera. Me dijo: Mirá, acabo de salir de una reunión con (Adrián) Suar. Aprobaron un programa bárbaro en donde va a haber fútbol y humor. Me lo contó con un entusiasmo bárbaro. Escucháme, ¿por qué me contás todo esto?, le dije. Y me contestó: Porque lo vas a conducir vos. Las oportunidades no le llegan a los tipos que pasaron los 50. La verdad que me emocioné como un boludo y me puse a llorar, porque soy un tipo muy emotivo.

2) ¿Dónde nace la idea?
- Estábamos haciendo la Copa América por Fox, entrevistaba a (Javier) Saviola y un policía me corrió. Yo lo corrí a él y él a mí. En un momento le dije: No me empujes más. Niembro me dijo: No te enojes que te van a meter preso. Y le contesté: Está bien, pero no me gusta que me empujen. Al día siguiente estos turros armaron una joda. Arreglaron con la policía, sin que yo supiera, que cuando estuviera haciendo un informe ellos llegarían en una camioneta y preguntarían: ¿Quién es Miguel Fernández? Así que vos empujás policías. Salió bárbaro. Ahí empezaron a armar más jodas.

3) ¿Nunca te cansaste del periodismo deportivo?
- Me gusta lo que hago y tengo que trabajar. No soy un tipo que hizo una fortuna. Algunos piensan que el que trabaja en la tele está lleno de guita. ¡Mentira! Hay sólo 6 o 7 que se salvan. Yo gano un poquito más de lo que percibe la media. No me puedo quejar de nada, lo mío es un milagro. Siempre digo que algo bien debo hacer porque soy el antitodo: gordo, viejo, tengo una voz de mierda, pelo blanco, no tengo ojos azules.

4) ¿Por qué siempre campo de juego?
- Cuando volví del Mundial 90 trabajaba con Víctor Hugo (Morales). Le dije que no quería hacer más vestuario y me dijo que estaba bien, que iba a comentar el tercer partido. Pero de hacer River-Boca, Independiente–Racing pase a, con el respeto que se merecen los demás equipos, Platense–Banfield.

5) ¿Te acordás del debut?
- Sí, en televisión fue en 1983, en un Independiente–Estudiantes cuando el Pincha salió campeón. Fue un día frío. Relataba Marcelo Araujo y comentaba Adrián Paenza. Le iba a hacer una nota a Eduardo Manera, técnico de Estudiantes. Entonces, cuando quise preguntarle, una turba de gente se metió a la cancha, me arrancaron el micrófono, auriculares, todo. Me quedé con mi ropa y sin elementos para trabajar.

6) ¿Te imaginás separado de Marcelo Benedetto?
- A veces hacemos distintos partidos, pero como dupla funcionamos muy bien. Jugamos de memoria sin vernos.

7) Siempre tratan de meterle una cuota de humor a la transmisión.
- Tenemos la suerte de formar equipos en los que trabajamos personajes: Marcelo Araujo era el malo y yo el bueno. Por la calle, la gente me decía: ¿Cuándo lo vas a mandar al carajo? No había manera de explicarles que era mi amigo, que nos íbamos de vacaciones juntos. Él era el villano de la película. Querían que yo lo cagara a trompadas. De hecho, hoy, a dos años de su partida, me dicen: Qué suerte que se fue ese hijo de puta. Pobre Marcelo.

8) ¿Cuál fue el lugar más atípico al que te tocó viajar?
- Japón por lo pintoresco, por la cultura. Es un país extraordinario. Estuve dos veces: en 1986 y en 2003. Te sorprende la forma de ser de los tipos, el respeto por los demás. Por ejemplo en Tokio, para andar en auto por una calle, a veces, necesitás 20 minutos, pero no escuchás ni una sola bocina.

9) ¿Cuántos mundiales cubriste?
- Siete, pero los veo desde otra óptica. En la Argentina lo ven mejor que yo, porque mientras se juegan los partidos estoy generando otras notas. Yo fui un boludo porque nunca anoté cosas. Tengo historias como para haber escrito un par de libros.

10) ¿Sobre qué tratarían?
- Vestuarios, dirigentes, viajes.

11) ¿Qué contarías?
- Ves a los dirigentes que te dicen que van al club por amor y después te das cuenta de que entraron pobres y se van llenos de guita.

12) Por ejemplo...
- Cuando River jugó la Libertadores en el 86, un tipo que hoy es millonario le pedía cigarrillos a mi mujer porque no tenía para fumar.

13) ¿Y qué sentís?
- Indignación, no me enamoro nunca más de ningún dirigente.

14) ¿Por qué los periodistas deportivos no confiesan el club por el cual simpatizan?
- Era de un club, pero fui perdiendo la pasión. De pibe odiaba a River. En el 80 empecé a cubrirlo. En el 86 vino el Tapón Gordillo y me dijo: Che, Tití si ganamos este partido de la Libertadores le puedo comprar el juego de dormitorio a mi vieja. Entonces, a la noche hice fuerza para que ganara River así Gordillo le compraba los muebles a la vieja.

15) ¿Sos un jugador frustrado?
- Sí, me hubiese encantado jugar en Primera. Mis amigos sostienen que era muy bueno. Llegué a jugar en la Tercera de San Telmo, pero quería seguir estudiando y además había que ayudar en casa.

16) ¿Qué otras cosas hiciste?
- De todo menos afanar. Fui un tipo atrevido, que nunca tuvo miedo ni vergüenza de nada. Hace 45 años que laburo. El primero fue en una farmacia, como repartidor de remedios.

17) ¿En una época vendiste ceniceros?
- Tuve con mi hermano una pequeña empresa: compramos un par de pulidoras, fuimos a una fundición a buscar ceniceros, apliques de bronce. Después los pulíamos y vendíamos. Vivimos unos cuantos años con eso. También tuve una fábrica de cuadros.

18) Además incursionaste en el cine...
- Sí, con El niño que quiso engañar a Dios. Tenía 11, tocaba la guitarra y cantaba. Una señora del edificio tenía un sobrino productor de cine. Entonces, una vez vinieron a comer a casa y él me dijo: Un día vas a actuar en una película. Yo pensé: Este me está jodiendo.

19) En los medios, ¿empezaste en el ascenso?
- Sí, me acuerdo que íbamos a la cancha de Colegiales en Munro. En el palco no había teléfono, entonces hacíamos posta con el de Crónica. Teníamos que ir a dos cuadras a una fiambrería para pasar la información por teléfono.

20) Hoy es impensado...
- Son las cosas lindas que tiene el laburo. A veces se creen que uno nació frente a una cámara de televisión con una corbata puesta. ¡Sabés que mentira es esa!

21) ¿Qué le agradecés al fútbol?
- Todo. A mi actual esposa, soy divorciado, la conocí en una cancha.

22) ¿Cómo fue eso?
- En junio del 83 fui a cubrir un partido al Monumental. Mi mujer era socia de River, me saludó y me dijo: Te vi el otro día. Todo muy agradable. Fuimos a tomar un café y terminé enamorándome.

BILLY CAFARO

2006-09-16T11:48:00.000-03:00

Por Gabriel Pérez

Vendió un millón de discos. Fue el ‘ídolo de las juventudes de América’. En un ranchito y luego en un barco, escribió relatos oscuros. Su actual pareja lo rescató de esos años depresivos. Hoy está de vuelta con un álbum homenaje a Virgilio y Homero Expósito, sus primos.

Aníbal Troilo llega al club de barrio. Hay tres cuadras de cola. Pichuco ríe. La alegría dura poco. “Vienen a ver a Billy Cafaro”, le susurra alguien. La histeria se repite en radio El Mundo. Colegialas en la puerta, griteríos, desmayos. Todo por un flaquito de barbita candado que roba suspiros púberes cantando Pity Pity. Un millón de copias vendidas. Clink, caja. Luego Personalidad, otro éxito. Canciones casi infantiles, si no se las sitúa en época. Pity Pity dime que sí / regálame tu sonrisa / no me trates así. Era 1957, la prehistoria. Dos años después edita Kriminal Tango. Y se pudre todo: los tangueros van a sus recitales a pelearse con sus seguidores. “Kriminal Tango era un tango alemán, nada más. Pero la gente creyó que yo estaba asesinando al tango. En Defensores de Santos Lugares, por ejemplo, juntaban a Julio Sosa y a mí en el mismo lugar. Y los tangueros rompían los vasos contra las mesas y me los tiraban. Yo me tapaba con los platos de la batería. Entraba al club y no sabía si salía.”
El éxito lo llevó de gira por Latinoamérica. En fotos con olor a ayer se lo ve en un estudio televisivo de Venezuela, cantando en un auto, rodeado de chicas. En otra instantánea está teatralizando la letra de vaya a saber qué canción frente a una cámara de televisión con forma de caja de manzana. “Esto fue en España”, señala. Allá también está considerado como uno de los precursores del rock en español. Cuando volvió a Buenos Aires, la escena musical se había dado vuelta como un cubilete. “Soy de familia pobre y pensé que nunca se iba a terminar el dinero. Cuando volví, vendí todo y me fui a Europa. Regresé cuando me la gasté toda.” Es en ese instante cuando Billy Cafaro pasa de ser un ídolo de las juventudes de América, a ser un personaje salido de una novela de Eduardo Perrone.

BLACKBIRD
“Fui a enterrarme a Lima, una ciudad que queda pasando Zárate. Esto fue hace 12 años. Me quise dejar estar, suicidarme. Estaba en un ranchito, sin dinero, no tenía para comer hasta que un vecino que tenía una huerta me empezó a dar comida. Ahí me di cuenta de que no estaba todo perdido. Y empecé a escribir.” Cafaro, maduro y derrotado, no compuso canciones ligeras para niñas inocentes en su exilio comercial. Sus escritos –“tengo más de 150”- son desgarradores, oscuros, hablan de una realidad no apta para la tele de la tarde. Que venga a buscarme ese ejército de imbéciles. Van a encontrar un campo minado. Brazos, cabezas, todo va a volar. El millón de discos era un recuerdo amargo, compañero de las noches de insomnio. Era un Quijote en bicicleta que recorría los barrios filtrando lo cotidiano con un lente agridulce. Tomando mate cocido en latita de conservas, que el sistema, en su último eslabón, desecha. Nadie se acordaba de él: “El éxito es un conglomerado de estupideces. Yo quisiera haber sido un cantante oscuro de boleros y trabajar en los bolichitos. El Pity Pity me elevó a un nivel tan grande que los productores me decían ‘quedate tranquilo, que después del cuarto long play vas a hacer lo que quieras’. Pasaron 40 años para que pueda grabar un disco de boleros”. Y llegó Pochi.

FAN, EL DÍA QUE TE CONOCÍ
¿Vos te creés que ese tipo te va a dar bola con la fama que tiene? Nena cuando aterrices vas a dejar un agujero en el piso. Los consejos maternales no la apichonaban. Tenía 13 años. Y para ir a radio El Mundo tenía que llorar toda una semana. Cuando lo escuchaba se estremecía por dentro. Aún hoy lo hace. Su mantra era: Me voy a casar con Billy Cafaro. Incluso tuvo la oportunidad de abrazarlo a la salida de la radio. Pero se negó a ser una más del enjambre. “Le escribía poemas, hasta que el director de la radio me llamó y me pidió que no lo hiciera más, que el Señor Cafaro estaba muy ocupado, que siguiera con mi vida. Hasta los 13 me dejaban porque pensaban que eran cosas de nenas. Pero a los 14, 15, ya me decían ‘nena, ¿cuándo te vas a sacar a ese tipo de la cabeza?’. Me tiraron la carpeta con fotos de Billy Cafaro. Regalaron un loro que cantaba sus canciones, que luego murió de tristeza. Cuando conocí a quien fue después mi marido yo no quería saber nada. Estoy enamorada de Billy Cafaro, le decía. Lo estoy esperando a él. ‘Bueno, podemos esperarlo juntos, cuando él aparezca me voy’, me respondió. Salimos dos años, uno sin besarnos porque el primer beso tenía que ser para Cafaro. Después tuvimos ocho hijos (risas). ¡Es que tardó 45 años en llegar!”, recuerda Pochi.
Cuando salió el ansiado disco de boleros, Dos almas, su mamá la llamó y le avisó que Cafaro estaba en la televisión. Pochi llamó a todos lados hasta que dio con el número del celular indicado. ¿Toda la vida esperando y ahora no te animás a llamarlo?, le preguntó su marido. “Estoy enamorada de vos”, fue lo primero que le dijo Pochi a un desconcertado Billy. Estuvieron hablando por teléfono un año. Billy había dejado su ranchito de Lima, pero no la bohemia, que lo llevó a pasar los días en un barco en el Tigre. “Cuando me puse en pareja con Pochi cambia todo. Salgo de la depresión y empiezo a demostrar que no estoy muerto. Me acuerdo que fui a Ushuaia, donde vivía ella, y le pedí la mano a su padre. ‘Ella siempre te quiso, cuidala’, me dijo. Ahora estamos escribiendo un libro con nuestra historia.” Entre otros planes que tienen está el de filmar un documental sobre la vida de Cafaro. Ya se están registrando algunas escenas, pero aún no hay fecha cierta de edición.
“Soy el principio del rock nacional. Nadie cantaba así en Latinoamérica. En el Club del Clan tuvieron que juntarse 18 tipos para tener un éxito. Se formó para hacerme pelota a mí. Por aquellos días un productor me llamó y me ofreció un millón de pesos para que me cambiara de sello discográfico, y se hacía cargo del juicio con CBS Columbia, la compañía a la que pertenecía. ¿Sabés lo que era en esa época un millón de pesos? Podría haber sido Palito Ortega.” Pero dijo que no, y aunque a veces se lo reproche, sabe que fue la decisión correcta. Un alma sensible como la de Billy no encaja en ciertos trajes estatales ni despilfarra lágrimas de cocodrilo.

*****

CIRCA 1957
“Vender discos nunca fue el negocio del artista. Te servía para hacerte un nombre y salir a tocar por los clubes. Cuando vendí 950.000 copias de Pity Pity, hacía seis, siete funciones por día todos los fines de semana. Me acompañaban 15 músicos en el escenario, entre los que se encontraban los hermanos Expósito y el Gato Barbieri. Mi show era único, tenía luces negras, era muy avanzado para la época. A veces eran las cinco de la mañana y había dos mil personas esperando. Tocábamos con equipos valvulares, que después de media hora de show calentaban una barbaridad. Recuerdo que salíamos de gira con seis estancieras y mi auto. No tenía tiempo para aburrirme de la fama. Me creía Dios, no podía caminar por la avenida Corrientes. A todos los lugares adonde iba la gente se ponía loca.”

*****

CIRCA 2006
“Es un tributo a Homero y Virgilio Expósito. Pasé toda mi adolescencia con ellos. Siempre les quise hacer un homenaje y nunca se daba. Porque yo era el Pity Pity, el Personalidad, el Marcianita y el Bésame Petita.” Billy Cafaro se refiere a su nuevo disco, Con un tango en el bolsillo, recientemente editado. En él hace un repaso por las canciones más reconocidas de los Expósito, como Naranjo en flor, Maquillaje y Calle Corrientes. El sonido del álbum, sencillo y sin grandes orquestaciones, permite que en primer plano se luzca la impecable voz de Cafaro, más grave que en sus años dorados. “Tardé tres años en grabarlo, hice todo a pulmón junto con Pochi, me costó mucho, como todo lo sensible. Ahora estoy buscando un lugar donde presentarlo, pero está difícil”, reconoce.

*****

CIRCUITO "BUENOS AIRES MISTERIOSA"

2006-09-16T11:44:00.000-03:00

Por Milena Marcovecchio

Cuando la noche cae, fantasmas y espíritus recorren la ciudad; mientras, un grupo de personas con curiosidad por los mitos y leyendas como única arma, se suben a un colectivo y salen a su encuentro. Turismo para pocos a pasitos del obelisco.

Viernes 21 horas. Un micro con 42 pasajeros sale desde la avenida Belgrano al 1700 con rumbo macabro.
Adentro, la música siniestra será la primera compañía; luego una mujer con blusa, pollera y guantes negros les dará la bienvenida. Las luces se apagan, el colectivo inicia su marcha y ella, parada en el pasillo frente a todos, toma un micrófono y con voz susurrante dice: “La Ciudad de Buenos Aires tiene un corazón oscuro, algunas partes de esta ciudad están regadas con la sangre de crímenes horrendos, esta ciudad que ustedes transitan día a día tiene historias de fantasmas, de seres malditos por oscuras palabras dichas tiempo atrás. En algunos sectores, Buenos Aires, se tiñe con historias negras. Hay recuerdos de hombres y mujeres apasionados, hay campanarios que suenan solos y miles de cosas por descubrir...”. De esta manera Alejandra Parets comienza la narración de historias de terror, miedo, fantasmas, crímenes reales y de ficción que integran el circuito turístico, Buenos Aires misteriosa.

TURISMO MORBOSO
Algunas personas se recuestan sobre los asientos y cerrando los ojos escuchan cada uno de los hechos que durante dos horas y media se cuentan en esta salida nocturna, que se hace todos los viernes y sábados.
La primera parada se produce en la calle México 1177, los pasajeros se reincorporan en sus asientos e invitados por la narradora miran hacia el lado derecho en donde se encuentra la casa de María de las Mercedes Bernardina Boya Aponte de Murano, más conocida como Yiya Murano, la envenenadora de Monserrat. Mientras afuera la temperatura acusa unos cálidos 19 grados, adentro el clima se hace eco del momento, y entre el sarcasmo, la tenebrosidad y la oscuridad, el aire acondicionado ayuda al temblequeo.
Monserrat, Parque Patricios, San Cristóbal, Recoleta, Retiro, San Nicolás, Barracas, son algunos de los barrios porteños que ocultan tras las bambalinas de la noche: asesinatos horrendos, crímenes pasionales, muertes por poder, ataúdes corridos de lugar y fantasmas que no se resignan a quedar en el olvido. Pero, ¿qué lleva a que personas de diferentes edades se fascinen por escuchar, en algunos casos hasta dos veces, esta clase de cuentos? “Yo ya conocía bastante las historias, vine a acompañar a unos amigos, está bueno. Me gusta todo este tipo de cuentos, historias y leyendas. Si son verdad o no, no sé, pero me gustan. Después cuando vuelvo a casa recuerdo las historias”, dice Rosanna, pasajera del tour.

ENTRE MITOS, LEYENDAS Y HECHOS REALES
Las historias se encadenan una tras otra porque, según explica Parets, “es necesario para que no haya baches entre ellas, por más que algo sea una leyenda urbana, no se puede contar cualquier cosa”.
Mientras tanto, el micro continúa su marcha dejando atrás algunos casos como: las masas dulces con cianuro de Yiya Murano; la esquina de Pasco y Garay en donde antiguamente se encontraba el restaurante Yamil -hoy un lavadero de autos- en donde Emilia Basil hizo de su amante relleno para empanadas y otras recetas gourmet; el playón de maniobras del ferrocarril Belgrano Sur, en Parque Patricios, lugar que a pesar de los años transcurridos desde las andanzas de Cayetano Santos Godino, alias: El petiso orejudo, no pierde su aspecto siniestro y desolador; la iglesia de Santa Felicita, en honor a Felicita Guerrero de Alzaga que murió asesinada a los 24 años por un enamorado no correspondido, único lugar en donde los pasajeros pueden descender para hacer caso a la leyenda que cuenta que toda persona que busque un amor o quiera mantener el que tiene debe tocar los barrotes que se encuentran rodeando la iglesia. Así, hombres y mujeres, intentando disimular, pasan sus manos tímidamente, no vaya a ser cosa que por no hacerlo vistan santos para toda la vida.
Nuevamente instalados en sus asientos continúa el recorrido, la noche comienza a hacerse más profunda y los relatos más intensos, algunos se lamentan no haber traído cámaras fotográficas, quizá para regodearse en sus casas con imágenes oscuras de lugares lúgubres.
Doce son en total los relatos, entre los que se encuentran también: Jorge Burgos, el descuartizador de Barracas, vecino y amigo de la infancia de Yiya Murano, dato siniestro si lo hay. Juan Osorio, el primer fantasma oficial. El fantasma excitado de San Telmo, un cuento escrito por Eduardo Gudiño Kieffer, que rompe un poco el clima de terror y cuenta la historia de un hombre maldecido que fue sentenciado a vagar por la ciudad con el pene erecto. Por un instante las risas y cuchicheos se apoderan del micro. “Si alguien lo ve deambulando por la noche de San Telmo en ese estado tan penoso, avise, no es fácil encontrar un fantasma tan bien dispuesto y para toda la eternidad”, anuncia en tono sensual la narradora.

DESTINO FINAL
Luego de recibir unas bombas rellenas de crema pastelera, al mejor estilo Yiya Murano, que algunos dudaron por momentos en aceptar, el viaje llega a su fin.
Para Alejandro Garay y su novia María, la experiencia estuvo buena: “Es la primera vez que venimos, siempre nos gustaron este tipo de cosas de fantasmas y cuentos, el detalle de que Yiya con el del Serrucho eran vecinos de chicos me llamó la atención y medio que me hizo ruido en la nunca. Esa coincidencia, que dos asesinos vivieran en la misma cuadra, es muy loca”, dice Alejandro.
El colectivo toma la avenida Pueyrredón luego de pasar por el cementerio de la Recoleta donde está enterrada Rufina Cambaceres, la joven que murió dos veces, y comienza el retorno al punto de partida. Algunos pasajeros, invitados por la coordinadora del tour, optan por bajarse antes. Descienden, como si lo hicieran de un colectivo fantasma; afuera nadie repara en ellos, se pierden entre la gente, llevando consigo muertes misteriosas y asesinatos a sangre fría.

*****

Juan de Osorio, un lugarteniente de Pedro de Mendoza, fue el primer fantasma oficial. Según cuenta la leyenda, todavía transita por la noche porteña.

*****

LOS MODERNOS

2006-09-16T11:40:00.000-03:00

Por Graciana Castelli

El dúo teatral llegó a Buenos Aires luego de una exitosa recorrida por España, y por estos días presenta, en el Maipo, su ‘Breve desconcierto breve’ ante el público porteño. Dos actores que se suben a las tablas y, con refinado humor, le declaran la guerra a la palabra.

Coquetos. Dos hombres vestidos -de actores- con faldas y suecos Gucci, brillantes anillos y sacos retro se paran sobre el escenario. Serios, y junto a un atril como único compañero, miran al público. Un minuto de silencio y el hielo se rompe. Aparece el verbo, la palabra, que se presenta y se desarma. Lo nominal como punto de partida, lo absurdo como generador de sentido. Humor, ironía, síntesis. El público se ríe. ¿De qué se ríe? ¿De la infidelidad?, ¿del amor?, ¿de Dios?
Pedro Paiva, uruguayo, y Alejandro Orlando, argentino oriundo de Córdoba, son Los Modernos. Desde junio de este año presentan su Breve desconcierto breve en el teatro Maipo, luego de una larga y exitosa estadía en España. “El Breve desconcierto original se estrena en un bar de Córdoba en abril de 2002, y nosotros tuvimos un camino inverso al teatral porque había caído el Gobierno de De la Rúa, y existía una profunda crisis socioeconómica –recuerda Alejandro-. Entonces empezamos a laburar en los bares, pubs y restaurantes, algo que Pedro ya venía haciendo con su monólogo. O sea, conocíamos un poco eso de que se podía, por lo pronto, mostrar el trabajo. Y por eso hablo de un recorrido inverso, porque empezamos pasando la gorra por 10 meses hasta que después nos fuimos a hacer temporada a Carlos Paz.”
El espectáculo fue muy bien recibido por la crítica en Córdoba –hoy son un suceso y cada vez que se presentan agotan las funciones-, y casi un año después al dúo le llegó la oportunidad de presentarse en España. La propuesta era por 3 meses, pero se quedaron 3 años (Ver Cruzando...). “Para Córdoba fue un impacto como hecho estético novedoso, y lo fue también para España”, destaca Pedro.

SER MODERNO ES ESTAR PASADO DE MODA
Verborrágicos al extremo, Los Modernos funcionan con una simultaneidad intachable. Pero es difícil definir de qué hablan, porque la sorpresa de sus textos pasa por la forma más que por el contenido: “El texto tiene una lectura nueva de los hechos, de la realidad. Los temas no se inventan, son universales, lo que sí recreamos es la lectura que hacemos de esos temas. El nombre nuestro es una anécdota que sugiere Alejandro, habíamos pensado mil quinientos, pero este entraba en el contexto de lo que queríamos; porque en tiempos posmodernos, ser modernos era estar pasados de moda”, explica Pedro, y le pasa la posta a su compañero: “Te cuento la imagen de esto porque pinta de alguna manera lo de ser moderno es estar pasado de moda. Íbamos caminando y vimos una lavandería industrial que está muy cerca de mi casa, que se llamaba La Moderna. El nombre estaba pintado en una pared muy vieja, rota y ajada en donde tenías que imaginarte lo que decía… pero esa lavandería en algún momento fue moderna, el tiempo le había pasado y seguía siendo La Moderna”.
Lo que parece anecdótico, de repente, en el Breve desconcierto... toma sentido. Se podría resumir así: La Modernidad nace como un discurso crítico de las viejas representaciones del mundo. Entonces el hombre tironea del cordón umbilical que lo ata a Dios y aparece esa razón ilustrada que todo lo atraviesa. El motor moderno será la crítica, y así quedará planteada: como perpetua crítica a la crítica y al conocimiento dado, cuya fortaleza será la imposibilidad de considerarla finalizada, porque toda crítica que la cuestione será Modernidad por excelencia. El dúo no es ajeno a esta dinámica, y así aborda su espectáculo: sus textos tratan temas universales, pero a través de un ejercicio crítico-semántico redefinen lo dicho.

HUMOR IRÓNICO
Ahora bien, ¿cómo ser moderno y no morir en tiempos posmodernos? En una entrevista reciente a Umberto Eco, le consultaron sobre el uso que hacía del término posmoderno en las apostillas de su novela El nombre de la rosa. Para sintetizar, el escritor sugirió acercarse a la Segunda Intempestiva en donde Nietzsche sostiene que estamos tan cargados de historia que moriríamos a menos que la releamos irónicamente.
Y por ahí pasa la cuestión, lo novedoso de este dúo es el código –propio- con el que se comunican con el público: luego de una presentación enciclopédica del tema, la palabra entra en escena para cuestionarse a sí misma hasta convertirse en una paradoja. Rimas, piruetas sintácticas, sufijos que quieren ser prefijos, vocales que desaparecen, significantes que alteran significados –puestos en escena con una sincronicidad y capacidad de síntesis admirable-, terminan por desmitificar una lectura original, que hasta el momento parecía incuestionable. La palabra –“la pala que labra”- altera el orden establecido, genera sentido y contrasentido, se sube a un tren de ironía que la lleva hasta lo absurdo, en cuyo sinsentido queda al descubierto el nuevo sentido. Así son Los Modernos, no cuentan nuevas historias, las recrean. Y lo humorístico predispone: “A nosotros nos permite decir cosas que, de no hacerlo a través del humor, serían académicas y cursis –explica Pedro-. Hablar de Dios para nosotros resultaría tedioso sino fuera a través de un humor que implica mucha ironía”. Pero el verbo, inevitablemente, se hace carne: “Lo que también hay es un trabajo súper delicado del actor en donde todo lo que no está dicho se insinúa desde la interpretación. Hay cosas jodidas, por ejemplo nosotros hacíamos un texto que se llama La era pos cristiana, muy complicado, pero que desde la interpretación le buscamos unos yeites muy interesantes, y la gente se reía un montón. Vos preguntame de qué, todavía no lo sabemos… son resortes que se mueven para que eso funcione de esa manera. Y pasa con un montón de textos que como actores forzamos para que entren con más liviandad”, completa Alejandro.
Humor irónico, que forma y deforma sonrisas en un público, que se descubre pasando mucho más que un buen rato ante un escenario con dos masculinos vestidos de falda y un atril –“sentimos que realmente la escenografía era tener un espacio despojado”, dice Pedro-.
Hubo un hombre que vivió el ocaso del ajetreado siglo XIX –algunos lo llamaban loco, su hobby era derribar ídolos con pies de barro- que dijo: La boca puede mentir, pero la mueca que se hace en ese momento revela, sin embargo, la verdad. A veces románticos, otras tantas ilustrados, Los Modernos develan así los misterios semánticos del lenguaje.

CRUZANDO EL CHARCO
Luego de un año de presentaciones en Barcelona, España, el Instituto Catalán de Cooperación Iberoamericano convocó a Los Modernos para dar una conferencia. El motivo de la invitación: fueron el único elenco latinoamericano en haber estado un año en cartel. Pero la sorpresa no acabó ahí: finalmente se quedaron por 3 años. Recorrieron toda España: “Inclusive las Islas Canarias –explica Pedro-. También hicimos cosas extrañas para nuestro propósito como ir a Suecia y a Francia”. Y si bien a nivel local han recorrido algunas provincias en el marco del Festival del Mercosur, la idea es establecerse un tiempo en Capital para abrir otras puertas: “Ahora queremos instalarnos en Buenos Aires para darnos a conocer por toda la Argentina –agrega Pedro-. Si bien somos muy conocidos en Córdoba, prácticamente somos desconocidos en el resto del país. Tampoco hemos ido a otros lugares de América del Sur; un próximo paso sería Uruguay y Chile”.

*****

Los Modernos recibieron en España el premio a la mejor obra 2004, y fueron elegidos como revelación teatral de la temporada en Barcelona. También fueron premiados en el X Festival Internacional de Humor de Madrid.

*****

Desde mediados de septiembre, Los Modernos se presentarán en la Sala Mayor del Teatro Maipo, en horario central.

*****

TACHI SCHAMUN

2006-09-16T11:36:00.000-03:00

Por Malena Higashi

Hace más de 10 años que se dedica a hacer las telas que acompañan la escenografía de La Renga, además de haber realizado varios dibujos para el arte de tapa e interior de la banda de la que fue primero fan y después colaborador.

Fue un poco de todo: suerte, convicción y algo que siempre ayuda que es estar en el lugar indicado en el momento justo. Maximiliano Tachi Schamun era un fanático más de La Renga y tenía ganas de colaborar con la banda dibujando. Era su época adolescente, en la que seguía a sus bandas preferidas. Entre tema y tema se cruzó con Víctor Polero, el chico que protagonizaba los videos de la banda oriunda de Mataderos, y le dejó su teléfono pensando que no lo iban a llamar. “En el momento en que me acerqué la banda se empezaba a consolidar. Ya había hecho su primer Obras, que para una banda es un montón. Para mí era imposible que me dieran bola”, reconoce Tachi. Hoy tiene 28 años y hace más de una década que trabaja con los Detonadores de sueños.

EL DISCO DE LA REMERA L
El trabajo de Tachi quedó inmortalizado en la tapa de un cedé del 2000, La esquina del infinito. Una tapa oscura con una daga que tiene un león y un fondo de constelaciones. También hizo para ese cedé dibujos para canciones como El cielo del desengaño y En el baldío, que muestran un desolador ángel llorando con los brazos y las alas caídas. Toda una imagen para una canción que habla sobre un ángel moribundo y toda la soledad que puede llegar a evocar semejante episodio.
Escaleras interminables, mandalas con ojos, una ciudad en ruinas y estrellas son algunos de los elementos que conforman el universo gráfico de La Renga. Una estética en la que predominan la noche y la oscuridad. Es la imagen que fue creando Tachi junto con otros compañeros de trabajo. Él explica que no es un estilo, simplemente hacen lo que les gusta dibujar. La estética se fue encaminando sin querer, es decir, sin una intención marcada, por los gustos personales de los integrantes del grupo. “Es muy difícil que enganches la onda de la banda y sepas lo que ellos quieren si no te gustan. La tapa de un disco te entra por los ojos y si dibujás algo que les juega en contra, los discos no los compra nadie.” De todos modos también lo llaman de bandas que ni conocía, por ejemplo, Jóvenes Pordioseros. También trabajó con los escenógrafos de Callejeros y de Los Piojos, y actualmente hace las telas de los shows de Gardelitos. Una tela puede medir desde 3 metros por 6, pero hasta llegan a hacer dibujos sobre telas de 22 por 12. Son de 3 a 4 días de trabajo en grupo; se parte de un dibujo pequeño y se traslada a la tela con una cuadrícula.
Tachi tiene el taller en su barrio, Mataderos. Es un viejo club en banca rota y casi abandonado en donde él usa una cancha de paddle para desplegar las telas blancas que terminan siendo la escenografía de recitales multitudinarios. “No laburamos más con pincel, lo dejamos hace años. Usamos compresores, sopletes, aerógrafos”, comenta sobre los materiales.
La Renga actualmente está grabando un disco. Todavía no se conoce la fecha de salida, pero Tachi ya sabe que va a colaborar con la parte gráfica: “A veces voy a la sala y escucho temas, a veces ellos me dicen qué les gustaría que haya. Una banda grande tiene estética que mantener y después de tantos años yo ya sé qué dibujar y qué no. Dentro de cada banda hay un código”.

EL OTRO COSTADO DEL ROCK
Este trabajo no lo hace millonario pero aún así Tachi tiene libertad para trabajar y la aprovecha. Probablemente no sería millonario pero hay un tema que lo perjudica, que es la venta de productos registrados. Sus dibujos están registrados, pero él no cobra nada de la enorme cantidad de remeras y mochilas que se hacen a partir de ellos. “Si se sube un pibe al colectivo y lleva una remera con un dibujo tuyo te pone contento, pero si ves 2 mil pibes con remeras tuyas y no ves un mango, y estás peleando el peso todos los días, decís: ‘Acá alguien se esta llevando plata a costa mía’, y eso te da bronca. Más allá del dibujo, el arte, lo que sea, hay alguien que esta lucrando conmigo y con miles de bandas. Es injusto, no cobré un mango y me la pasé laburando”, reniega.
Se trata más que nada de monopolios como el de Locuras, uno de los principales locales de venta de merchandising: “Ellos se manejan de una manera pirata. Yo prefiero no pensar para no amargarme. Siempre existieron locales de barrio que hacían merchandising, me parecía que estaba bueno generar laburo para un local chico, el tema es cuando se trata de un monopolio de un tipo que tiene 40 locales en todo el país, que mueve millones de prendas y de guita; ahí ya no te cae bien”.
A pesar de todo él sigue dibujando no porque tenga un beneficio económico sino por la satisfacción de hacerlo. “La primera vez que ves un dibujo tuyo te choca, es fuerte porque no lo podés creer. Llegás al estadio, lo ves colgado y se te pone la piel de gallina. Después te vas acostumbrando y no le das bola. Lo mismo pasa con los dibujos de los discos, te fijás cómo quedó el dibujo, la impresión, y te olvidas de la importancia de que tu propio trabajo está en un disco y lo puede tener cualquiera en la casa; y que eso es la esencia de todo.”

*****

A la hora de hacer un dibujo para un tema, ‘Tachi’ primero lee la letra y ve qué le sugiere.

*****

SUPERSOPA

2006-09-16T11:35:00.000-03:00

Por Matías Castañeda

Quién no recuerda este alimento que habría de exiliar al hambre allá por la crisis de 2001. Bipolar se preguntó qué era de la vida de la Súper Sopa, que tanto espacio ocupó en los medios. Y trajo buenas noticias: la planta de esta casa académica de Bernal produce 3,5 millones de raciones anuales y alimenta, en 179 comedores, a unas 13.500 personas por día. Además diversificó su producción con novedades como el guiso y el locro a precios irrisorios.

Es vergonzoso que un país como la Argentina, que produce alimentos para 330 millones de personas, tenga un 30 por ciento de sus ciudadanos con necesidades alimenticias insatisfechas. Esa frase en diciembre de 2001 pasó, de ser esgrimida por un par de analistas lúcidos, con habilidad para cruzar guarismos macro, a ser repetida con tono engolado por la señora que barría en la esquina. Quién no recuerda las asambleas, la amistad clase media-piqueteros, los programas periodísticos en la televisión abierta. Barbarita, con sus llantos de mucha hambre, se convirtió en la personificación de la tragedia de la desnutrición: el significante mortal de una crisis de representatividad y desesperanza.
También en esos días nació una superhéroe gastronómica creada por un grupo de ingenieros en alimentos de la Universidad Nacional de Quilmes (UNQ): la Súper Sopa. Este alimento revolucionario, decían, ayudaría a combatir la desnutrición. Era sano, sin conservantes, de composición balanceada y con un costo bajísimo. Pero, pasado un lustro, ¿qué es de la vida de la Súper Sopa?

RETURNS
No sólo el proyecto alimenticio sigue en pie en la UNQ a pesar de la casi nula difusión: además han fortalecido y diversificado su producción en otros alimentos, siempre bajo la consigna de productos nutritivos y de costos irrisorios. Las nuevas vedettes son la sopa de zapallo, la de vegetales, el guiso y el autóctono locro, cuyas raciones fluctúan entre los 17 y los 25 centavos. Actualmente, la planta que la casa de estudios tiene en Bernal produce cerca de 3.500.000 raciones de alimento, que se distribuyen -a partir de padrinazgos- en 179 comedores de todo el país. La producción mensual de latas oscila entre las 2.500 y las 3.000.
Nelson Lauman es representante del Programa Nutricional Súper Sopa, tal su nombre académico, y cuenta que “la función de la planta es netamente académica, y en cuanto a lo que se produce, asistencial”. Más allá de lo que se brinda en materia de ayuda revela: “El 100 por ciento de los pasantes de Ingeniería en Alimentos que trabajaron en la planta están desempeñándose en empresas. En cuanto leen en los currículums que trabajaron la cadena de producción del programa, automáticamente toman a los alumnos”.
Para quienes quieran ejercer el padrinazgo de un comedor comprando latas de los productos está en funcionamiento un aceitado sistema bancario para facilitar la ayuda. Es posible tanto abonar en efectivo, como mediante cheque o depósito bancario. En el pago se afronta tanto el producto como el flete, en el programa se encargan de despachar el móvil hasta el lugar designado. El negocio da cero, no hay negocio, las mínimas ganancias de cada lata son invertidas en la producción de una nueva. “Se compra por intermedio de un padrino –agrega Lauman-, nosotros anotamos, según nos dicen, adónde estará destinada cada lata, para tener un control sobre los comedores, no porque nos interese qué se hace con el producto. Eso es cuestión de cada persona.” Puede ser una persona física, un colegio, una empresa, una ong; no hay que estar registrado impositivamente. “Actualmente tenemos alrededor de 50 padrinos. De las grandes empresas que figuran en la página –está desactualizada- sólo nos quedan 10. ¿Por qué? Pienso que al principio se acercaron por el auge, la novedad, cuando todo el mundo se entusiasmó con el programa.” Después decayó el interés mediático y, por ende, se abandonaron 1 de cada 5 padrinazgos empresariales.

HACEN SOPA
Respecto al rol del Gobierno Lauman dice que ahora no les interesa que participen, que jamás hubo un interés real por este proyecto. “Quizás sea –reflexiona- que haya quedado ligado a la gestión de Chiche Duhalde, ella fue una de las primeras en interesarse en la idea, después se desvinculó, pero de alguna manera, a lo mejor, quedamos ligados.” De todas maneras, en los datos fríos, resulta enigmática la falta de interés estatal en prosperar en esta idea. Poner una planta como la de Bernal en funcionamiento, con el recurso humano incluido, sale 1.050.000 pesos. El programa además pone a disposición de quien quiera toda su experiencia, ofrecen los costos y su cartera de clientes para que otros Bernales surjan en nuestro país (y en el extranjero). Con el 0,001 del presupuesto nacional se puede edificar una planta que produciría un plato diario para 13.500 personas. En resumen, con sólo el 1 por ciento del presupuesto se pueden fabricar las 867 plantas necesarias para darle un plato diario de Súper Sopa (o sus derivados) al 30 por ciento de la población. Y la inversión queda, es decir que el próximo ejercicio sólo se contaría con los costos operativos y de materia prima.

VALOR CALÓRICO
“A pesar de todo nuestra producción está en aumento, tenemos una mayor cantidad de comedores, gracias a los padrinazgos de la gente que asiste. Incluso estamos empezando a exportar a países como Angola y Mozambique, a partir de una red de iglesias católicas”, se enorgullece Lauman. El saldo es positivo en términos académicos y de asistencia alimenticia. Consultado sobre qué le gustaría agregar, dice que más allá de la ayuda económica “es importante tomar conciencia de que no sólo existen necesidades alimenticias. Recorriendo los comedores uno se da cuenta que hay necesidades de chapas, de aberturas, hasta de escombros, a pesar de lo extraño que suene. Existe una mentalidad de ya hice, ya colaboré, lo que no está mal, pero muchas veces es insuficiente”.

*****

La planta no sólo puede producir variedades de sopa, sino también cualquier variedad de alimento enlatado.

*****

Para depósito bancario, existe la cuenta 009-5589/5 en el Banco Río, cuyo CBU es 07200090-20000000558954. Para informes, consultar al 011-43657100 (166).

*****

AUMENTO EN LA TARIFA DE TAXIS

2006-09-16T09:52:00.000-03:00

Por Liliana Arguiz

Ilustración: Natanael

Después de varios reclamos y un paro, los taxistas aceptaron el aumento propuesto por el Gobierno Porteño. Los pro y contra de un incremento postergado, y los intereses que giran alrededor de la bajada de bandera.

NORBERTO SAMPIETRO, PEÓN DE TAXI

“EL PEDIDO DE AUMENTO SÓLO BENEFICIA A LA PATRONAL”

“El aumento de tarifas nos perjudica. Nosotros no ganamos nada, al contrario, la gente que toma taxi es mayoritariamente gente trabajadora, que no puede afrontar todos los aumentos porque los sueldos no suben, entonces opta por dejan de tomar taxis por un tiempo. Al subir la tarifa, nosotros tenemos que trabajar el doble para poder pagar el alquiler que sube proporcionalmente.
Esto viene del lado del sindicalismo, es un tema puramente sindical. La mayoría de los peones no está de acuerdo porque esto sólo beneficia a la patronal y a todos los que vienen enganchados con ellos, como es el caso de los relojeros. Todo es política y negocio. El sindicato no nos representa, son 600 personas las que deciden por los 55 mil peones de taxis.
El sindicato de choferes está más para la patronal, va adonde está el negocio, el dinero. Hace 32 años que soy taxista y se muy bien cuánta plata entra en un taxi, cuánta plata se gasta y cuánto hace falta para tener un auto en condiciones, y estoy seguro de que con la tarifa actual se podía seguir trabajando. Pero a los titulares de los taxis no les interesa brindar un mejor servicio, sólo piensan en ganar más plata e invertir menos.
El tema central son las licencias, si se otorgaran más licencias desde el Gobierno se terminaría con la especulación y el excesivo precio de la reventa. Con esto habría una disminución importante en la inversión, podrían mantenerse las tarifas y el parque automotor se renovaría más seguido. Pero hay grandes grupos que manejan el negocio y no les interesa que se les termine.
Los que no pierden nada son los radiotaxis, al contrario, ganan, porque además de los clientes de la calle tienen los de la radio. Acá el único perjudicado es el peón que no tiene radio.
La gente no sabe muchas cosas, desconoce el tema, cree en las noticias que dicen que el acatamiento al paro fue casi total, pero no fue así porque de noche sólo trabaja el 30 por ciento de los taxis, porque los nocheros salen sólo de domingo a sábado, o sea, que el lunes que fue el día del paro estaban de franco. La patronal dijo que el acatamiento al paro fue del 90 por ciento, pero es una cifra mentirosa y en muchos casos los peones adhirieron porque los dueños los obligaron. En mi caso nadie me obligó a parar, yo fui porque quise, porque me convenía, porque si no paras te rompen el taxi y después al otro día con qué laburás.
Pedimos que esto no sea sólo un negocio para la patronal, pero como dijo Viviani, el titular del sindicato de choferes de taxis, nosotros somos el jamón del sándwich.”

*****

Sampietro asegura que con la tarifa actual se podía seguir trabajando, y que el incremento sólo beneficia a los dueños que buscan ganar más plata, en lugar de brindar un mejor servicio.

*****

RICARDO CICUTTINI, DUEÑO DE UNA FLOTA DE TAXIS

“SIN EL ALZA LOS NUMEROS NO CIERRAN”

“Venimos con un atraso tarifario del 46 por ciento. Se había previsto un incremento para febrero, pero no se produjo por los cambios institucionales que hubo en el Gobierno de la Ciudad. Reclamamos una línea de créditos blandos que apuntan a la renovación del parque automotor, que consta de 37.800 unidades, y la rebaja impositiva para la compra de unidades cero kilómetro, porque actualmente hay autos con una antigüedad que llega a los 12 años y lo que se pretende es renovar de 5 a 7 mil unidades por año.
Sin el alza del 9 por ciento que nos acaba de dar el Gobierno sería imposible seguir trabajando. Un retraso tarifario de casi el 50 por ciento es mucho, y el valor del servicio debería haber aumentado a principios del año pasado. El último aumento que nos dieron fue del 12,5 por ciento, en noviembre, y en esos términos es imposible brindar un buen servicio. La Argentina tiene una flota de taxis muy antigua y con el presupuesto actual se hace imposible mantener los taxis en condiciones. Antes de la emergencia económica, el parque automotor se renovaba cada 3 años, hoy estamos en 6 años y medio. Además las unidades se deterioran muy rápido, ya que un auto recién sacado de la concesionaria al año ya tiene entre 180 y 200 mil kilómetros. Si bien los reclamos existían con anterioridad, el 80 por ciento de las unidades se vieron perjudicadas con el granizo del 26 de julio. Esto aceleró los tiempos del reclamo y trajo aparejado gastos extras, con el agravante de que el 20 por ciento de los autos quedó fuera de servicio.
La mayoría de los que hoy están trabajando son propietarios, y si hubiésemos tenido una buena tarifa hubiéramos podido hacer frente al temporal, y estaríamos pagando una póliza contra todo riesgo sin franquicia.
No le pedimos al Gobierno una recuperación tarifaria del 50 por ciento, entendemos que es imposible. Tampoco queremos un subsidio, pero pedimos una línea de créditos blandos tendiente a renovar el parque de taxímetros, o una situación impositiva diferente para la compra de autos cero kilómetro.
Hay una política muy diferenciada del Gobierno Porteño porque cuando los trenes o los colectiveros, ambos con subsidios del Estado, piden aumento se lo dan; en cambio a nosotros que somos el único medio de transporte público sin subsidio alguno los aumentos nos son dados con cuentagotas.
El aumento tarifario del 9 por ciento otorgado en estos días estaba previsto para febrero. El reclamo generalizado de este incremento quedó demostrado en la adhesión de los peones al paro convocado por la patronal, porque el salario que percibe un chofer está directamente relacionado con la tarifa.”

*****

Para Cicuttini hay una política muy diferenciada del Gobierno Porteño, porque los taxis no tienen subsidios como los trenes y los colectivos que siempre consiguen aumentos.

*****

BIPOLARIDADES

2006-09-16T09:47:00.000-03:00

11 DE OCTUBRE

VÍSPERAS DE LA CONQUISTA

La historia de Billiken cuenta que el 12 de octubre de 1492 el marinero Rodrigo de Triana vislumbró la Isla Guanahaní (conocida como San Salvador) y Cristobal Cólón, en su afán por llegar a la India, descubrió América. Así se produjo la comunión entre dos culturas: la europea y la americana. En cambio, la historia de los vencidos preconiza que el 11 de octubre fue el último día de libertad de los pueblos originarios que habitaban el continente. Sus ideas, su estilo de vida, sus dioses y costumbres fueron canjeadas por los adelantos y los avances propios de la visión europeísta. La marca roja en el almanaque consagra el comienzo de una lenta, pero efectiva desaparición.
Hoy, según un informe del Indec, en la Argentina los pueblos que lideran la población indígena son los Mapuches (Patagonía), Kollas (Jujuy y Salta) y Tobas (Chaco y Formosa). En total, 286.500 personas se reconocen pertenecientes o descendientes en primera generación de indios, negros o mestizos.
Así las cosas, como una suerte de contrafestejo, se desarrollará, en octubre, la II Cumbre de Pueblos Indígenas de las Américas, en aras de que la historia deje de ser la de los conquistadores, en pos de reconocer y defender los derechos olvidados de los habitantes originarios.

PET SOUNDS

Y EL MUNDO HIZO "POP"

En cualquier ranking internacional serio de la historia del rock, en el podio figura Pet Sounds, el álbum de los Beach Boys que colocó al genio de Brian Wilson como una figura destacada de la mejor generación de músicos que dio el pop.
Capitol, que no supo entender el cambio radical del grupo en su momento, volvió a reeditar esta obra dorada. Esta vez el argumento fue el 40 aniversario.
Si bien las mezclas en mono y en estéreo ya habían salido a la venta en cedé, ahora se agregó un devedé que incluye dos mezclas más, en alta resolución de 24 bits, y en dolby digital 5.1 surround. Pero lo más atractivo son los videos promocionales de aquellos años, un documental que narra cómo se hizo este disco, y a George Martin –productor de Los Beatles- junto a Wilson frente a una consola de estudio, descubriendo las sutilezas sonoras. ¡Hiciste una mezcla mejor que la mía, George!, le grita Wilson a un risueño Martin.
Tal es el impacto que causó Pet Sounds en 1966, que Andrew Loog Oldham, mánager de los Rolling Stones, lo promocionó en Inglaterra en avisos a doble página, sin tener ninguna relación comercial con los Beach Boys.
Rezábamos por un álbum que pudiera igualar a Rubber Soul. Era una plegaria, pero también había algo de ego en ello, y funcionó. Poco después hicimos Pet Sounds, dijo Brian Wilson ¡recostado en una cama matrimonial!, en un documental sobre sus mejores años al frente de la Beach Boys.

Pet Sounds, 40 aniversario.
The Beach Boys.
Capitol Records.
Cedé + devedé: 38 pesos.

SARAH KANE

LA TORTURA DE VIVIR

Dos piezas teatrales de la dramaturga inglesa Sarah Kane se presentan simultáneamente en Buenos Aires. Se trata de Crave¸ que bajo la dirección de Cristian Drut se presenta en El Lavapiés; y 4.48 Psicosis, que se sube al escenario de El Kafka, magistralmente interpretada por Leonor Manso.
Kane, quien le puso fin a su vida ahorcándose a los 28 años después de una aguda depresión y varios intentos de suicidio con barbitúricos, con sólo cinco obras escritas, pasó a ser considerada por los británicos como una autora de culto, por su tipo de escritura y una existencia atestada de angustia y locura.
Justamente 4.48 Psicosis, su obra póstuma, hace referencia a la hora de la madrugada en la que se producen más suicidios, según estudios realizados en Gran Bretaña. La gente suele acabar con su vida en esa hora debido a que se va el efecto de los psicofármacos ingeridos a la noche y comienza la angustia.
Por su parte, Crave, traducida al español como Ansia, y firmada por la autora con el seudónimo de Marie Kelvedon, con la clara intención de ocultar su identidad, es la autobiografía irónica que muestra el alter ego de su intrincada personalidad.

4.48 Psicosis
El Kafka, Lambaré 866.
Viernes y sábados a las 21.
Entradas: de 12 a 20 pesos.

Crave
El Lavapiés, San José 546/48.
Jueves y sábados, 23 horas.
Domingo, 22 horas.
Entradas: de 8 a 15 pesos

SILVIO RODRÍGUEZ

PALABRAS
A GRANEL

Hasta los más grandes artistas miran con recelo sus obras tempranas. Las iniciáticas, las viscerales, las torpes, las urgentes. Silvio Rodríguez y su Érase que se era, su nuevo disco con canciones viejas, como en otras de sus aristas, es una excepción. De todas maneras no es una novedad que Silvio edite canciones de su época esplendorosa, los oídos entrenados descubren canciones huérfanas de disco y contemporáneas entre sí (1967/1972) a lo largo de toda su discografía. La novedad de este disco doble –editado en un pack de cuidada factura y precio accesible- es que todas las canciones son de aquella belle époque.
Época en la que un muchacho y una guitarra se treparon a una barca de pescadores llamada Playa Girón, allá por 1969, caminito de ultramar, a despejar su mente y desenvainar poesía. El producto de aquella travesura está legado en Canciones del mar, un libro en el que a manera de notas de viaje, día por día, el segundo cubano más famoso, ¡a sus 23 años!, detalla su notable producción cancioneril -122 días, 67 canciones; casi una día por medio, casi la mitad ya editada, entre otras, Ojalá, Playa Girón, Historia de las sillas, Resumen de noticias, Me veo claramente, Y mucho más que veremos viendo-.
Resumiendo, grandes canciones injustamente olvidadas, por, quizás, el mayor compositor de habla castellana; qué más decir. Que levante la mano la guitarra.

Silvio Rodríguez.
Érase que se era.
Disco doble (26 canciones, 1 videoclip).
Sony BMG / Ojalá.
36,99 pesos.

CARLOS AGUIRRE GRUPO

MÚSICA Y POESÍA

Nunca es tarde para algunas cosas. Descubrir los discos de Carlos Aguirre Grupo es una de ellas. Escucharlos es como emprender un viaje a pie por tierra Argentina, donde en muchas melodías hasta se tiene la ilusión de poder sentir el viento y el olor de la tierra que se levanta. Zambas, chacareras, vidalas y otros ritmos folklóricos con arreglos clásicos resultan sublimes.
El músico entrerriano -en voz, piano, guitarra, acordeón y percusión-, acompañado por Silvina López y Jorge Marti -en guitarras- y Fernando Silva -en bajo-, formó el grupo a principios de 1999 en Paraná, y hasta el momento editó dos discos a través del sello discográfico paranaense Shagrada Medra, uno de ellos del 2000 (Amarillo) y otro del 2005 (Rojo).
Este último cuenta con un repertorio propio, con canciones -que más que canciones son poesías que encontraron su melodía perfecta- como La música y la palabra, Estampa de río crecido, y Sueño de arena; y hermosas versiones de Confesión del viento, de Roberto Yacomuzzi y Juan Falú, y Zamba por vos, de Alfredo Zitarrosa.

Carlos Aguirre Grupo.
Rojo.
Shagrada Medra.
28 pesos.

TEATRO NEGRO DE PRAGA

MUNDO DE FANTASÍA

Ropas tendidas en una cuerda toman vida y se enfrentan, a pesar de la voluntad de la lavandera; una cámara de fotos se vuelve un actor más en escena; un violín se transforma constantemente; los sueños surrealistas de un taxista; un caballo inesperado…
En el Teatro Negro de Praga, la magia, la ilusión y la fantasía son fundamentales como medios para lograr dramáticas metáforas de este mundo, donde a veces quisiéramos que los objetos fuesen realizadores de nuestro inconciente.
En este caso, son actores vestidos de negro, que no se ven sobre el fondo negro del escenario, los que dan movimiento a las cosas. Se trata del truco llamado gabinete negro o caja negra que incorporó el creador del conjunto, Jirí Srnec, desde sus inicios, en 1961.
Por la fascinante calidad técnica que tiene el grupo, se podría decir que las acciones principales permanecen ocultas, pero las actuaciones que son visibles sobre el escenario ofrecen múltiples elementos para decodificar la tragedia.
En su gira por Sudamérica, el Teatro Negro de Praga se presentó el 18, 19 y 20 de agosto en la Argentina, con su espectáculo Lo mejor del Teatro Negro de Praga; y los tres días llenó la sala del Teatro Coliseo. Fue magia para los niños y muchas cosas más para el resto de los espectadores.

RECREO LITERARIO - ELOISA CARTONERA

2006-09-16T09:28:00.000-03:00

GRASAS Y CARETAS

2006-09-16T09:25:00.000-03:00

PATIO

2006-09-16T09:22:00.000-03:00

Número DIEZ - agosto 2006

2006-08-19T18:23:00.000-03:00

¡Great balls of ice!

Un espectáculo inusual tomó por asalto a la Ciudad de Buenos Aires el 26 de julio por la tarde: grandes bolas de hielo. En rigor de verdad, cayó pedrisco, porque a lo que eventualmente se le llamó granizó superó los 5 milímetros, mutando de nombre y, por ende, de experiencia climatológica. Las capas de hielo, al ser opacas, estuvieron formados por pequeños cristales y burbujas de aire. Según cuentan los entendidos en la materia, las corrientes de aire ascendentes y descendentes en el interior de las nubes hicieron que los trozos de pedrisco subieran y bajaran varias veces. Tardando en caer los cristales, congelaron el entonces granizo y dieron lugar a esas rocas enemigas de los autos, casi tan enemigas como sus dueños del sentido común: colas durante toda la madrugada en Warnes y conductores enojados por la (¡obvia muchachos!) falta de stock de lunetas en las casas de repuestos. En Buenos Aires, la mañana del 27 pedriscó sinsentidos. Envalentonados con los condicionantes obstáculos meteorológicos, nos acomodamos el cuello del piloto frente al espejo de manera elegante y salimos a buscar el número 10.

Le preguntamos a Lisandro Aristimuño, el rionegrino que sigue sorprendiendo con sus melodías imposibles a la escena nacional, Bonustrack mediante, cuál es el secreto para no perder la sutileza a manos del frío. Con ese background emocional, para fortalecer nuestras defensas físicas, nos dejamos pinchar por expertos en acupuntura, esa disciplina milenaria que congrega en la Argentina férreos adeptos, en la Investigación. Y mientras Fidel se dirime –por enésima vez- entre la vida y la muerte, un vecino de Caballito lleva adelante una guardia permanente para un futuro museo del Che Guevara, rodeado de iconografía revolucionaria, en Bicolor. Claudia Puyó, el coro femenino del rock nacional por antonomasia, tiene muchas anécdotas para contar de su paso como segunda voz de Los Redonditos de Ricota y Fito Páez, entre otros, y se atreve a las 22 preguntas del Bipolar del mes. La batidora académica, Alan Pauls, nuestra Entrevista, nos revela qué imagina que será la versión fílmica de su novela El pasado y deja embebernos de su visión del mundo. El Ejército de salvación se trasmuta en persona, Mariano Cabrera, mitad actor y mitad coleccionista retro de las décadas del 60, 70 y 80, nos cuenta, talking with Petete, sobre los comienzos de Paolo El Rockero y más de una anécdota de cuando fue mánager de Los Twist. Una de los exponentes más promisorios de nuestra literatura, Samanta Schweblin, se toma un Vermouth con Bipolar y repasa sus fugaces pero destacados 28 años, haciendo un parate en su libro de cuentos El núcleo del disturbio. Madres indignadas versus madres contenidas: las voces de La Tragedia de este mes, a favor y en contra de que les enseñen a sus hijos educación sexual de manera obligatoria en las aulas. El Héroe anónimo es Héctor Toscazo, o el artista que pone el cuerpo dos veces: es portador de HIV y sublima la realidad de los miles de seropositivos con su arte.

¡Abrigate nene! ¿Llevás paraguas? ¿Comiste algo? ¡Anudate bien la bufanda! ¿Te mojaste? ¡Cuidado con el pedrisco! ¡Atendeme! ¿Llevás Bipolar?

Alan Pauls

2006-08-19T18:06:00.000-03:00

Por Federico Amigo

Después de algunos años encontró su medicina literaria: escribir y retratar singularidades, buscarle otro costado al lugar común de los amores. Tras el alivio de finalizar ‘El pasado’, el teórico y ensayista, crítico y narrador, ideólogo y guionista, sacó en julio, ‘La vida descalzo’, donde camina por la playa por sus reminiscencias infantiles y sus replanteos adultos.

“En un punto tenía la impresión de que el libro era virtualmente interminable. Podía no terminarlo nunca. Incluso podía no terminarlo nunca y ser muy feliz no terminándolo nunca. Entonces terminar ese libro en particular, que habla sobre cómo se termina una historia de amor, si es que se termina, era complicado. Si los finales de los libros siempre son complicados, el final de un libro que habla sobre el final de las cosas era doblemente complicado.” La novela de la que habla es su novela, El pasado, que retrata un amor irresoluto entre Rímini y Sofía. Y quien juega con palabras y repeticiones es su autor, Alan Pauls, que pasó cinco dulces años regocijándose entre sus pausas y su cansino ritmo interno.
“Me puse lento. O por ahí durante esos 10 años descubrí la lentitud. O sea, la paso bien en el sentido de que me gusta mucho macerarme a mí mismo en lo que estoy escribiendo, cosa que no sucedería si escribiera muy rápido”, cuenta a propósito de la década que se fue entre Wasabi y la consecución de El pasado. Los años, “por suerte”, aclara, también le hicieron encontrar su nicho literario. Desde su ópera prima, El pudor del pornógrafo, hasta La vida descalzo, su último ensayo acerca de “la playa como un objeto genial para escribir”, y para hacer un recorrido autobiográfico, siente que adoptó una postura que hoy le permite abordar la escritura con una perspectiva diferente. “Básicamente dejé de defender una posición, más bien paranoica, según la cual para escribir ficción era fundamental cortar con todo lo que no fuera la literatura. Los escritores son muy instrumentales: usan lo que les sirve, independientemente de si es verdadero o no. Ese fue un poco el desplazamiento. Seguí escribiendo una literatura muy literaria, pero atravesada todo el tiempo por fuerzas, por materiales, por experiencias que tal vez antes hubiese dejado afuera, casi por principio. Es posible que sea menos dogmático. Al mismo tiempo me cuesta mucho más escribir ahora que hace 20 años.”

EL PASADO
A mediados de los ochentas, Pauls publicó su primera novela y se congratuló en letras en la Universidad de Buenos Aires. A partir de allí su actividad económica y profesional se debatió entre la combinación del periodismo, la crítica y el guión de cine. Aún después de El pasado, que le valió el Premio Herralde y la definitiva aceptación de lectores y críticos, comenta que su vida no se costea con la literatura. “No soy un escritor profesional en el sentido de que no vivo de los libros que hago. En general no están en una relación directa con la demanda del mercado. Pero al mismo tiempo me doy cuenta de que la única imagen de mí mismo que reconozco como verdadera, como descriptiva, es la de un tipo sentado en el teclado escribiendo. Tengo la impresión de que cada vez soy más un escritor”, confiesa.
La prolífica novela y el juego amoroso entre Rímini y Sofía, los protagonistas, arrancan en la década del 70. Sin embargo, Pauls deja de lado cualquier contextualización alusiva al proceso de desorganización nacional. “No me interesa la política –explica- como mundo referencial para la literatura. No me interesa fechar la historia con acontecimientos políticos: ‘Mientras Rímini y Sofía viajaban a Europa los militares hacían desaparecer a 30 mil personas; mientras Rímini y Sofía se iban a vivir juntos Alfonsín…’. Odio ese tipo de literatura que pretende empatar la ficción y la política. Mucha de la lógica que parece regir a esos dos amantes, a lo largo de 25 años, podría describir las experiencias históricas que buena parte de los argentinos vivimos. La sensación, por ejemplo, de que las cosas no terminan de pasar, de que las cosas nunca son superadas por otras sino que son siempre las mismas, sólo que ligeramente cambiadas.”
Entre tanto buen recibimiento por parte del público, El pasado engendró en Héctor Babenco la idea de hacer su adaptación en la pantalla grande. El cineasta, que ya había realizado El beso de la mujer araña, de Manuel Puig, llamó a Pauls buscando el guiño cómplice que le sirviera para avanzar en el proyecto. “Fue muy inesperado y obedece sólo al entusiasmo y al encaprichamiento terrible de Babenco por la novela. No creo que sea una apuesta sin riesgos”, opina. Desde el 17 de julio el director y su troupe –que incluye al mexicano Gael García Bernal, como actor protagónico- trabajan en el rodaje del largometraje, que se repartirá entre Buenos Aires y algunas escenas extras en Europa y Brasil.
A pesar de su empatía por el director y por sus obras, Pauls se niega a pensar en un diálogo entre libro y película, entre imaginación e imagen. “Cuando yo escribo no veo, incluso diría que escribo para no ver. Entonces, el salto entre la frase y el plano es casi insoportable. La frase, por más preciso y literal que sea uno, siempre tiene como un componente de indeterminación. Y el cine por más vago y abstracto que quiera ser siempre fija las cosas de una manera inapelable. Ves una cara en el cine y ya está, el personaje tiene esa cara, ese cuerpo, se mueve de ese modo.”

LA INFANCIA DE LA PLAYA
En La vida descalzo, Pauls ubica a la playa como el lugar de lo desnudo, y a lo largo del ensayo va vistiendo a ese escenario con un arsenal de ideas y disparadores: su halo libertino, el turismo, la experiencia constante. “Es algo que uno puede adornar, plegar, cambiar. Creo que por eso es un espacio que me gusta mucho en términos intelectuales y de experiencia”, sostiene. En contraposición al escapismo, Alan cuenta con una suerte de formulado teórico sobre la excepción: “La diferencia es que de un escape volvés no trayéndote nada. En cambio, de una excepción siempre te traés algo que te puede servir para pensar la norma. La experiencia cívica de la playa puede ser muy útil para pensar formas de convivencia humana un poco más atractivas, más placenteras, más inteligentes, más deseantes que las formas de convivencia en las que vivimos”.
Descubrir el Cabo Polonio, un remoto pueblito de pescadores de la costa del Uruguay, que se erige como bastión infranqueable para la luz eléctrica y el agua corriente, fue el disparador para recordar aquellos veranos de principios de los sesentas enquistados en Villa Gesell. Esos recuerdos se convirtieron en palabras para luego reinventarse en historias y memorias. “En cierto sentido –dice- debo haber proyectado sobre la pantalla en blanco de Polonio las viejas imágenes de mi vida en la playa de Villa Gesell. Hay como una especie de conexión rara entre la playa contemporánea y la de mi infancia, que de algún modo, aunque no era tan salvaje, primitiva y exigente como la del Cabo, era bastante virgen.”

EL FACTOR MEMORIAL
Hace algunos años descubrió una manera distinta de adentrarse en la medicina. La homeopatía le ganó la batalla a la alopatía, y Pauls se encomendó a la tarea de encontrar su propia medicación. Pero ese pleito ficticio no se dio sólo en el campo de la salud, sino también en el plano de las ideas. Desde lo artístico, según él, los ensayos tienen puntos de contacto con esta práctica. “La homeopatía, hasta que no llega a tu singularidad, no opina sobre lo que te pasa. Si vas con un resfrío, un alópata te dice: ‘Tomá no sé qué’. No sabe qué clase de resfrío hacés vos que no hace él. Seguramente tus mocos no son iguales a los de él, no te pasa en el mismo momento. Todas esas cosas tienen que ver con la práctica de un escritor. La angina para un homeópata no significa nada. Para un escritor tampoco.”
Tras redactar la última hoja de El pasado, que se había llevado cinco años, Pauls sintió una grata sensación de alivio. Sin embargo, una vez consumada esa etapa se reabrió otra con un ambiente imaginado y repetido: la pantalla en blanco, el teclado y las palabras. “Tengo la impresión de que no tengo ninguna vida personal, de que no tengo recuerdos hasta el momento en que me pongo a escribir. Si me hubieran dicho antes de escribir La vida descalzo, ‘¿qué recuerdos tenés sobre la playa?’, no hubiera podido decir nada. Ahora, cuando me puse a escribir el libro apareció Villa Gesell, el autocine, todos los nombres de las pancherías, las hamburgueserías. Pero sino tuviese la escritura es como que no hubiera vivido todo eso. Es mucho más que un instrumento, es casi el momento en el que se inventa una memoria personal.”

******************************

HERMANOS

En total son seis hermanos, entre ellos los actores Gastón y Nicolás, pero cuatro son de matrimonios diferentes. Nunca vivieron bajo el mismo techo y los separan edades abismales. Eso, para Alan, fue lo que generó que durante un tiempo coexistieran en mundos paralelos. “Desde hace 10 años empecé a descubrirlos como hermanos e imagino que también ellos a mí. Encontré la manera de entenderlos, quererlos e interesarme por ellos.”
No sólo aprendió a adorarlos, sino también a defenderlos. A Gastón se le endilgó haberse apropiado de un formato que había creado el periodista Fabián Polosecki. “Que alguien hable de algo que está en la tele, y le critique falta de originalidad, es como ridículo. De hecho, su máxima originalidad es la tele. Es el lugar donde se roba impunemente todo el tiempo. Me parece una crítica imbécil”, opina.

***

Pauls trabaja en el guión de ‘Buenos Aires no existe’, que retratará los nueve meses que Marcel Duchamp vivió en la Argentina.

***

Dice que la playa es un lugar genial, pero sólo para veranear. Le gusta la ciudad por su anonimato y por la posibilidad de desaparecer.

***

Lisandro Aristimuño

2006-08-19T18:04:00.000-03:00

Por Malena Higashi

Días agitados para el cantante sureño que sorprendió hace ya dos años con su primer trabajo, ‘Azules turquesas’; ya está trabajando en su tercer disco, se va de gira –de nuevo- por España y se presenta en La Trastienda. Y aclara que aunque todos lo vean como un tipo frágil y triste, él tiene carácter.

Una mezcla entre cuento de hadas y el sueño del pibe. Lisandro Aristimuño dejó su Viedma natal detrás de un amor. Tenía entonces 22 años y un destino aún incierto. Lo deseaba, pero nunca se imaginó que iba a editar un disco -Azules Turquesas- tan rápido. Era la época de la crisis y Aristimuño llegó de Río Negro para instalarse en una Buenos Aires que ardía en cacerolazos. Empezó a estudiar para ser maestro jardinero y al mismo tiempo repartía Azules Turquesas. “Era ir en bondi a todos lados a que me tiraran el sobre a un rincón. Todos me miraban y me decían: ‘¿Querés editar un disco? Vos estás en... ¡No edita un disco Diego Torres y vos querés sacar un disco!’ Fue cosa de insistir. Igual fue bastante rápido, lo grabé y a los tres meses ya estaba editado”, recuerda.

LOS TRABAJOS Y LOS DÍAS
Antes de Buenos Aires, antes de los discos, antes de hacerse conocido en el ambiente, Lisandro Aristimuño hacía covers en casinos de toda la Patagonia. La primera vez que se subió a un escenario tenía 13 años. Aprendió tocando canciones de otros, esa fue su escuela. Pero su acercamiento a la música data de mucho antes, cuando era casi bebé y agarraba la guitarra de su papá y, como cuenta, se la llenaba de baba.
Hoy por hoy, la vida diaria del artista consiste en hacer canciones. Aunque aclara que no lo hace con el único propósito de grabar un disco sino por puro placer. Además le sirve como ejercicio para sacarse cosas de encima, una especie de terapia. “Me levanto al mediodía y agarro la viola. Parto de la guitarra y le voy metiendo cosas.” Cosas son los agregados de música electrónica que fusiona a la perfección con música autóctona. “Una vez que voy escuchando las canciones sumo los demás instrumentos y la producción”, explica. Por una cuestión de autosuficiencia, pero también por el hecho de no haber formado una banda, Aristimuño se largó a hacer un disco solo. “Armar una banda es muy difícil, es como encontrar novio”, aclara. La suya es bastante familiera ya que lo acompañan un primo, Carli Aristide, en la guitarra, y su hermana Rocío, en percusión y coros. Detrás de escena hay otros proyectos en familia: “Tengo la idea de grabar un disco con mi hermana, ella tiene muchas ideas y quiero ayudarla un poco con eso, y el guitarrista está haciendo cosas y también quiero ayudarlo. Me gusta no ser yo, yo y yo… poder meterme en otro papel, a veces”.
Escribir, o “poner en palabras una atmósfera” es lo más difícil para él. Quizás hasta graba la melodía en un idioma inteligible, es decir, un canto ligado a la fonética y no a una letra concreta, y después escribe la letra que encaja con esa melodía previa.
Después de sacar dos discos con los que le fue bien -Azules turquesas (2004) y Ese asunto de la ventana (2005)-, ya no siente presiones con el tercer trabajo, que recién se va a grabar en diciembre, y tiene 20 canciones bajo el brazo. “Este proyecto lo empecé a carburar hace un año y medio. Me gusta darle tiempo a las canciones y a los discos”, comenta.

LO BELLO Y LO SIMPLE
Atmósfera es una palabra recurrente en Aristimuño. Dentro de su música ese aspecto es fundamental porque para él no es necesaria una buena letra, simplemente la música puede transmitir un estado de tristeza sin nombrarla. Nadie mejor que un anónimo visitante del blog del cantante para disparar una idea de qué se trata todo: Increíblemente simple, desaforadamente bella… tu música acompaña, reza uno de los mensajes posteados. Hay aquí una trampa: detrás de esa aparente simpleza hay algo más, “mi idea es que en el primer acercamiento la música suene simple, y una vez que pasan los días le empieces a escuchar más cosas”. A él no le cuesta mucho encontrar ese equilibrio porque, según explica, se enamora de las cosas simples y no se complica la vida. “El otro día hablé con mi hermana por teléfono y me dijo que estaba dibujando. Mi hermana tiene 25 años y estaba dibujando… y digo ¡wow! Esas cosas me enamoran, la gente por ahí va mas allá y no se da cuenta.”
En cierto punto él también acude a lo lúdico. Las canciones son para Aristimuño un juego porque con ellas puede jugar a ser todo, incluso cosas no reales: “Hay un tema nuevo que se llama Pluma, y yo soy como una pluma. Me encanta hacer canciones y me parece divertido, además, jugar con eso, con no ser un humano”. Y no sólo con eso. También hay un juego interno con sus discos; él los graba y a partir de la atmósfera que transmiten decide en qué estación del año van a salir. No por nada en Ese asunto de la ventana posa con un paraguas.

LO QUE ES, LO QUE PARECE
Nada de tristeza ni de melancolía. Puro idealismo, una imagen equivocada de Lisandro. La gente que lo sigue piensa que él es así. Quizás por sus letras, o la fragilidad de sus melodías. Sin ir más lejos hace poco una fan, que luego devino en amiga, le dijo a Aristimuño que no podía creer lo que era él como persona, y lo que decía en sus canciones. “Todos imaginan que soy un tipo frágil, triste. Y en realidad soy un tipo muy laburador, muy luchador y tengo mi carácter. Cuando terminan los shows y me pongo a hablar con la gente me dicen: ‘¡No, vos no me podés decir esto!’ Me parece que la gente al escuchar las canciones se imagina algo de mí.” A él lo que le importa es que la gente pase un buen momento, que se vaya flotando de sus recitales.
Con la prensa no hubo una idealización pero sí una especie de adoración. Se habló del “fenómeno Aristimuño”, la Rolling Stone seleccionó Azules turquesas como uno de los 50 mejores discos del 2004, y junto con Inrockuptibles lo nombraron “artista revelación” de ese mismo año. Él no siente presiones, simplemente se alegra del buen momento que está pasando: “Que los discos se estén vendiendo, que se estén escuchando, es el sueño del pibe, lo que yo quería. No me lo imaginaba pero tenía muchas ganas, estuve haciendo mucho tiempo covers y quería hacer algo mío”. Si bien el éxito lo tomó por sorpresa, la única certeza que tenía era que se iba a dedicar a la música.
No tiene horarios ni muchas exigencias de la discográfica -Los años luz-, hace lo que más le gusta y le va bien. Se lo ve contento a Lisandro Aristimuño, y él no lo niega: “Lo que pasa es que soy un tipo feliz, me armo la vida que yo quiero. Elijo lo que soy, no me gusta algo y no lo hago porque soy muy frágil y hay cosas que me pegan mucho, entonces voy buscando caminos en donde me siento bien”. Y allá va Lisandro, transitando esos caminos que, por la distancia y por el tiempo, ya quedan bastante lejos de la Patagonia de sus canciones.

***************

UN RECITAL EN BUENOS AIRES, UNA GIRA POR ESPAÑA

No pasaron cinco meses de esa primera gira por España, que Lisandro Aristimuño estará volviendo, en octubre, a esa tierra para editar dos discos. “Fue hermosa la idea de estar en otro lugar y tocar canciones que hablan un poco sobre la naturaleza de la Patagonia, y estar por ejemplo en Madrid cantando eso. Había mucha gente argentina que estaba viviendo allá, mucha gente de la Patagonia, incluso, y fue algo así como: ‘¡Qué bueno, me trajiste dulce de leche!’”, rescata Aristimuño, que cuenta que lo saludaban como si lo conocieran de toda la vida. Pero antes de partir a Europa tiene un recital en La Trastienda, el 26 de agosto, y anuncia cambios en la banda y en el show. “Se incorporó una chelista, Leila, y estamos viendo la forma de reemplazar el bajo y la batería. Por ejemplo, Leila le pega al chelo para la percusión, tratamos de buscarle otra vuelta. Estamos haciendo nuestros temas adaptados a nuevas sonoridades”, adelanta Aristimuño.

Claudia Puyó

2006-08-19T18:00:00.000-03:00

Por Milena Marcovecchio

El ‘underground’ de los ochentas la tuvo presente entre sus filas. Mujer rockera en épocas difíciles. No se calló ni transó con nada, renunciando aún, a una producción discográfica más abundante. Claudia Puyó, fuerte y frágil a la vez.

1) Fuiste parte de las mujeres del rock nacional, ¿cómo viviste todo ese furor?
- No fue un furor, yo lo tomo como una especie de mentira. Cuando nosotros empezamos a hacer música era muy difícil el momento. Tocábamos con unas astillas viejas, ni guitarras eran. Pero cuando seguís tantos años haciendo música es porque la amas.

2) ¿Tu relación con la música empezó de muy chica?
- Sí, mi viejo era melómano, escuchaba música clásica y me hacía distinguir a los compositores: Chopin, Mozart, Beethoven. Me llevaba al Colón a ver óperas. A los ocho años aparecieron Los Beatles en mi vida y ahí ya se complicó (risas). Escuchaba Creedence, a los 10 ya tenía un disco de Frank Zappa.

3) Entonces tuviste tu vocación bastante definida...
- Me encantaba cantar pero pensaba que iba a ser veterinaria o médica, algo que tuviera que ver con curar. Pero cantar, lo hacía todo el tiempo, me acompañaba en los pensamientos que me agobiaban. Cuando canto mi cabeza no camina, tengo una cabeza muy insoportable.

4) Pero sin embargo tu primer grupo lo armaste a los 12.
- Mi primer grupo se dio con Aníbal Forcada, que ahora es bajista de León Gieco. Lo conocí en la casa de unas pibas que eran vecinas. Empezamos como dúo, Ana Gris nos llamábamos. El primer concierto que dimos fue en el colegio San Cayetano, en Liniers, tenía 15 años. En el 76 empecé a tocar con un grupo eléctrico: Trigémino, ya estaba en quinto año. Después volvimos con Ana Gris, incorporando más gente como: Guillermo Arron, Claudio Tripputi, Pablo Rodríguez, hasta Marcelo Torres tocó con nosotros.

5) ¿Por qué Ana Gris?
- Se lo puso Aníbal, por mi hermana Ana, ella estaba triste en ese momento y Aníbal decía que estaba gris y así quedó el nombre.

6) ¿Cómo llegaste a grabar el primer disco?
- En el 81 siempre iba a zapar los domingos a Jazz & Pop, ahí toqué con gente alucinante, hasta con El ciego Larrumbe, uno de los mejores organista que tuvo la Argentina. Un día me vio Rodolfo García, baterista de Almendra, y le dijo a un productor que se llamaba Oscar López que había escuchado una mina que cantaba muy bien. López me llamó a mi casa y me dijo que me quería conocer y grabar un disco, yo ni pensaba en eso.

7) ¿Tuviste otros trabajos?
- Laburé en varios bancos, en fábricas, de cocinera en una pizzería, en una compañía de seguros, hice de todo en mi vida, ¡joder sí! Ojalá no hubiese tenido que trabajar.

8) Tocaste con Los Redondos, ¿cómo fue esa experiencia?
- Muy linda, existía el romanticismo, fue cuando todavía Los Redondos no habían ni grabado Gulp, no se armaba quilombo, ni nada. Era en el Parakultural, ellos generaban todo un movimiento de gente. Eran cosas que no pasaban en ningún concierto. Para mí las mejores letras de bandas de rock son las de Solari, toda una data que no se conocía. Musicalmente era, muy grosso, no con individualidades. A veces rifaban también una piba (risas), pero eso no lo pongas...

9) ¡Cómo no poner algo así!, ¿cómo era eso de la rifa?
- Cuando daban las entradas también repartían un número a cada uno y la rifaban a Olga (risas interminables). Era tremendo, le sacaban el número de la concha y el que tenía el número se la ganaba. Era una amiga de los chicos bastante cachivache, lo peor era que nadie se la quería llevar, así que imagínate lo que era (risas).

10) También le hiciste coros a Fito Páez en El amor después del amor, ¿adónde lo conociste?
- Por Fabi (Cantilo), nosotras somos amigas desde principio de los ochentas, después ella se puso de novia con Fito. No sé cómo fue que yo aparecí una vez en un ensayo en La Mar cuando él estaba haciendo Ciudad de pobres corazones.

11) Estuviste viviendo un par de años en España, ¿a qué te fuiste?
- A tocar, a escuchar otras músicas, a conocer otras idiosincrasias. Allá toqué con mucha gente increíble, hice una gira de 23 conciertos por toda Europa con Kevin Ayers, él tocaba en Soft Machine.

12) ¿Y a Egipto cómo llegaste?
- Eso fue en el 96. Una amiga me dijo que existía un festival internacional de la canción en El Cairo. Mandé todo lo que pedían y mi mamá me prestó los 100 dólares para inscribirme. Yo pensé que ni en pedo me iban a aceptar, y me mandaron un pasaje de ida y vuelta. Fueron ocho días en El Cairo con todo pago, menos la bebida (risas), eso fue una buena plata que tuve que pagar aparte. Canté con una orquesta egipcia una cosa increíble, no tenía un mango, me filmaron cantando y no tengo el vídeo. ¿Podés creerlo? No me lo pude comprar (risas).

13) ¿Estás de novia?
- Sí. Yo no hablo mucho de eso, tengo muchas muertes en mi vida y eso te deja algo raro adentro (respira profundo), algo roto difícil de cicatrizar. Mi corazón creo que es fuerte porque puedo seguir estando acá después de todo lo que me pasó. En la vida cotidiana uno lleva la carga, entonces nunca me juego a decir que es el amor de mi vida porque tengo miedo de que se muera (risas), pero me río por no llorar.

14) ¿No tenés hijos por elección o porque no se dio?
- Por un lado por elección, y después con el suicidio de mi segundo novio tuve una menorrea, eso le sucede a veces a las mujeres con shocks emocionales. Ahí tuve una menopausia precoz a los 38. Por eso envejecí tanto.

15) El rock irremediablemente esta ligado con el exceso, ¿cómo lo manejás?
- Soy una persona excesiva generalmente, pero bueno, es obvio que los excesos de los 15 no los puedo cometer a los 47, no te aguanta el muñeco. Todos hemos sido bastante excesivos, pero no pasa solamente por el rock, también pasa por el tango, por los políticos. Hay un mito también con eso, el reviente realmente empezó con el tango.

16) Se te van a venir los tangueros encima con lo que estás diciendo...
- Los tangueros fueron los primeros reventados de la música, los primeros que empezaron a tomar cocaína, morfina y a hacer desastre. A mí que no me lo vengan a contar, sino preguntáselo a Goyeneche. Pero la gente no iba a juzgar eso, porque el tango siempre fue muy respetado. Esto no le va a gustar a nadie, pero pasó siempre.

17) Muchos artistas están incorporando al tango a su discografía. ¿Vos no lo tenés en mente?
- Yo canto tango, cantaba con mi mamá cuando era chiquita, ahora canté con las Abuelas de Plaza de Mayo, en Tango por la Identidad, un tema de Discépolo. Me encanta el tango pero no lo haría por especular. Me faltan hacer demasiados discos antes, uno de soul en inglés, otro de blues.

18) Es cierto, tenés sólo tres discos, ¿por qué tan poca producción en tantos años?
- Por esta cuestión de que yo no cuadraba con el negoció del rock. Yo con una gran carrera, como dice todo el mundo, me sentiría un caballo (risas). Prefiero tratar de ser una mejor persona, de crear siempre desde un lugar bueno, de generar laburo para la gente que tengo alrededor, si puedo.

19) ¿A qué le llamas exactamente ‘el negocio’?
- A que tengas un productor que elija los temas que vas a cantar, que te diga lo que te tenés que poner, que te dirija el vídeo, que vos no puedas decidir ni cómo te llamas. Necesito sentirme bien con la gente con la que estoy, que fluya una cosa emocional.

20) Sin embargo tocaste con muchas bandas que tenían una compañía discográfica detrás.
- Yo sólo trabajé para Fito Páez, después cantaba, por ejemplo con Los Redondos, porque tenía ganas, no cobraba. Con todas las personas que canté fue de onda. Ni por mucho dinero canto si no me gusta lo que hacen.

21) Ahora estás con presentaciones en Buenos Aires, ¿no?
- Sí, fue un ofrecimiento de la Secretaría de La Nación, se llama Gira Mínima, y se hace en centros culturales. Además estoy grabando tres discos a la vez, en realidad estoy grabando el cuarto disco mío, otro de soul en inglés, y un disco de bandas que me gustan.

22) De poeta ya sabemos que tenés bastante, ¿pero de loca cuánto hay?
- Mucho, soy Dr. Yekill y Mr Hyde, geminiana, además. Mis amigas me dicen cuando llego: ‘Ahí viene Linda’, por Linda Blair de El exorcista (risas). Soy re loca, muy ciclotímica.

Mariano Cabrera, coleccionista retro

2006-08-19T17:53:00.000-03:00

Por Matías Castañeda

Es el coleccionista de memorabilia retro más célebre de la Argentina. Atesora la más valiosa colección de objetos de las décadas del 60, 70 y 80. Encabezó ‘Operación Fideos con Manteca’, las míticas fiestas en las que se celebraba la niñez. Además es actor -está haciendo presentaciones de ‘stand up’-, se fue de gira con Paolo El Rockero y tuvo legendarias participaciones en las bizarras investigaciones de Pipo Cipolatti en ‘La TV Ataca’. Fue manager de Los Twist, condujo programas de radio y de televisión. Un todo terreno, con ustedes las mil vidas del niño eterno.

“Tengo como dos vidas, como buen geminiano, soy medio multimedia, un poco bipolar, re Pipo Bipolatti.” Ni bien se ingresa en la página web de Mariano Cabrera (www.marianocabrera.com.ar) está todo claro. Se puede clickear entre su costado coleccionista o elegir incursionar en su currículum de actor. Es considerado el mayor coleccionista de memorabilia retro de los sesentas, setentas y ochentas de la Argentina. En el portal se puede ver de todo: juguetes, golosinas, artículos de tocador de marcas olvidadas o una lista con su completo archivo de televisión de aquellos años. “Generacionalmente, hasta fines de los ochentas, consumí todo. En el 89, para mí, se murieron estilos de hacer televisión, de fabricar juguetes, de filmar publicidades. Con el menemismo, la sociedad cambió un montón, y creo que para peor”, reflexiona Cabrera, y sentencia, “en los ochentas, clavé”.
Su afán coleccionista empezó de niño, sin darse cuenta, cuando su papá le daba todos los gustos, le cumplía el sueño de cualquier pibe: “Trabajaba en una distribuidora de juguetes y golosinas. Uno veía la publicidad a la tarde y él me lo traía a la noche”. Para fines de los setentas apareció en su universo la videocasetera: empezó a grabarlo todo. “Me veía hasta las novelas, Amo y señor, La viuda blanca, Amor gitano, ya para fines de los ochentas había una que se llamaba Amándote, en la que Arnaldo André era comisario de a bordo, alto, todo fachero, bizarrísimo”, relata Mariano, que desde chico tuvo la habilidad para recordar detalles de eventos televisivos vernáculos con pasmosa facilidad. De ahí que Pipo Cipolatti, su amigo, lo haya apodado El Félix Luna del retro.
“Siempre nos apasionó a los dos este tema –se confiesa-, estoy con Pipo desde los 15 años. Iba a ver a Los Twist como fan y con el tiempo termine siendo el mánager de los shows, de la cosa operativa artística. Compartimos el amor por Titanes en el ring, sí, él viene hace mil años con el tema de hacer el disco homenaje. Yo escuché algunos temas; Cerebrus, por ejemplo, está buenísimo. Muy pocos saben que El estudiante era en principio una canción para un luchador. La misma melodía, en clave cumbiamba, pero al final la letra no fue la misma.” Sobre esa canción recuerda una anécdota: “El video se hizo en el Bernasconi, el colegio donde estudió Pipo. Habíamos puesto en un anunció que necesitábamos chicos y vinieron como 150 pibes. Los citamos a las 11, a todos les pusimos guardapolvos, había catering. Pasó que los pibes se cansaron de esperar, porque se filmaba a las dos de la tarde, y comían y se iban a la mierda, muchos, incluso, con el guardapolvo puesto. Al final el video se hizo con 6 o 7 pibes nada más. Si te fijás en slow, se nota.” Dos niños eternos. “El año pasado vino a mi cumpleaños y, aunque estaban todos mis invitados, nos fuimos a un cuarto a ver videos viejos.”

ACTOR
Mariano es actor, tiene 37 años y actualmente está haciendo presentaciones en la modalidad stand up. Tuvo intervenciones fugaces en programas tan disímiles como Naranja y media y Verdad consecuencia. Estar con Pipo en aquella época además le permitió experimentar el humor absurdo desde el canal de la palomita. “En el 93 ayudaba a Pipo con las investigaciones de La TV Ataca, que eran todo un delirio. Cada uno de Los Twist tenía un personaje diferente, el Coronel Canosa, La Larva –enumera-. Rolo Rossini, el baterista de la banda, hacía de los tres hermanos Monseñor: Patricio, Ozzy y un Rabino. Ozzy, el mayor, era el heavy (‘hola vieja’), que era el mayor bebedor de cervezas del mundo y tenía que tener un contrincante. Pipo me dice: ‘Te animás a hacer de heavy’, ‘sí’, le digo y me indica: ‘Bueno, ponete un nombre’. Pensé en Ian Bulon; Ian por Gillan, Bulon, por lo pesado, que era el mayor bebedor de vino en tetra. La competencia fue en el Samobar de Rasputín de La Boca. La Larva hizo de Didier, un francés que era el mayor tomador de anís. En esa época Pipo tuvo un problemita con Pettinato porque hicieron un payaso que se llamaba Roberto Pepinazo, que era malo y le pegaba a los chicos.”
Pero Cabrera ya era actor antes de eso, tuvo su debut triunfal junto a Jorge Montesco, más conocido como Paolo El Rockero, con quien hizo una gira por todo el país. Las anécdotas le sulfuran: “Fue en Badía y compañía, yo acompañaba a Los Twist, ahí lo conocí. Él salió de un concurso de ese programa, del que surgió también McPhantom. Empezamos a charlar y nos cagamos de risa. Le imité a Fito Paéz y me dijo: ‘Lo tenemos que hacer’. Justo había salido el disco La la la. Él hacía de Spinetta y yo de Fito. Cantábamos Aro de diamante, mezclado con Yo vengo a ofrecer mi corazón, en la versión de Favaloro. Un día cayó Spinetta y le dijo a Paolo, ‘Loco –imita la voz del Flaco- no me hagas, que me hacés para la mierda’. Al que le encantaba como Paolo lo imitaba era Litto Nebbia. Una vez hicimos él de Jazzy Mel y yo de Verónica, la mina que bailaba, se llamaba Casi Mel. Jorge era artesano de verdad, tenía dos Harley-Davidson. Siempre estaba con una campera de cuero cruzada y hacía unos llaveros de camperitas de cuero perfectos.

COLECCIONISTA
En 1995 empezó a hacer los homenajes a la niñez de los 60, 70 y 80: las fiestas Operación Fideos Con Manteca. Gracias a eso también incrementó su colección de objetos, que les hacían llegar los asistentes de manera generosa y gratuita. En Fideos, exponía su colección de juguetes y, en las pantallas gigantes, su valioso archivo de televisión. “El primer día cerramos la puerta y al rato dijimos: ‘Vamos a ver si vino alguien’. La cola daba vuelta a la esquina. Fue un homenaje a Titanes. Ahí empezamos a invitar artistas, pero no para que subieran al escenario. A Julieta Magaña, al Profesor Gabinete, a uno de los Titanes. Y la gente se empezó a volver tan loca que Julieta se subió y empezó a cantar. Venían de todas las edades.” En esa época tenía una sección retro en el programa Atorrantes en Canal 26 junto al Pato Galván. “Estaban los de 20, que veían por el programa, y los de 30, 40 que habían vivido esa época. La gente no usaba las sillas, se sentaban en el piso como si fueran pibes del jardín; veías sentado a un tipo de traje, al lado un pibe con cresta punk, y al lado, un stone, todos cagándose de risa con Piluso o Pepe Biondi.” Antes de fin de año, anticipa, seguramente volverá Fideos.
Cuando se le pide una explicación desde su lugar privilegiado de anfitrión sobre el porqué de tanta efusividad, esgrime una teoría: “Siempre digo que más allá de la clase social, todos tuvimos un Tiki-taka, un yo-yo Russell, vivimos las mismas cosas. Creo que con Fideos ayudamos a matar la vergüenza, que no deberíamos sentir, porque es recordar la etapa más feliz de nuestras vidas: la niñez. Más que vergüenza nos debería dar orgullo”.

***************

RADIO

Tuvo un programa en Radio Del Plata con Nora Briozzo los sábados a la tarde sobre la temática retro. Antes había estado en RadioShow, a la mañana, con Alejandro Fantino, y a la noche con Mariano Álvarez, en un programa que se llamaba Costumbre de radio, todo de los ochentas. Hizo de Duilio Salvatierra, periodista del crimen, tanto en El León de la Metro, conducido por el Bebe Sanzo, como en Tiempos violentos, con Alejandro Nagui, en Rock & Pop. “Era un viejo –recuerda- que narraba casos policiales inventados, una especie de Enrique Sdrech, explicaba casos como el del violador de la pasta frola y otros delirios cipollatescos.”

***************

PIPO´S BLUES

“Los Twist tenían varias bandas paralelas: Silver Combo hacía temas de programas viejos de televisión, como Cipol-Hawaii 5-0; Agrupación Parisi, ‘la alegría de hacer jazz’, o Los Parroquia, que hicieron el tema Vamos juntos, vamos ya, por el camino de Dios, que está en el disco Con el 5 en la espalda. Después hacían cosas en vivo en joda, en donde la gente se moría de risa y que nunca editaron, como la versión gay de Muchacha, que decía: Muchacho ojos de papel, siéntate aquí, cerca de mi barriga. / Y no hables más muchacho, bésame la pija.

***************

ACTORES CLASE B
Los laburantes de los medios
(No me atrevo a ponerlos en
orden porque son todos grossos)
Por Mariano Cabrera

- Rolo Puente.
- Gino Renni.
- Rodolfo Machado.
- Horacio O´connor.
- Alfonso Pícaro.
- Délfor Medina
- Pepe Díaz Lastra.
- Mario Fortuna (h).
- Jorge Barreiro.
- Carlos Vanoni.

***

El triunvirato de homenaje permanente de Operación Fideos con Manteca es, a saber: Cornelio Saavedra, Martín Karadagian; Mariano Moreno, Carlitos Balá; y Juan José Paso, Pipo Pescador.

***

Museo del Che

2006-08-19T17:50:00.000-03:00

Por Ariel Jonte

Inaugurada en 1996, la muestra sobre Ernesto Guevara cerró seis años después por falta de fondos. Quien la ideó cuenta como surgió la iniciativa y porqué recibe, en la actualidad, a miles de turistas en su comercio de bagatelas.

Este local está custodiado por la señora que vende bombachas enfrente. El cartel está a la entrada del negocio de la calle Rojas 129, en pleno barrio de Caballito, advirtiendo a todo aquel cliente de una supuesta acción inoportuna. El interior del comercio posee un mundo de objetos que alguien alguna vez vendió o cedió y que otros acuden a su búsqueda: antiguas lámparas de cristal, destornilladores, afiches de Ernesto Guevara, encendedores, libros de la revolución cubana, juguetes, una estatuilla y fotos del Che, viejos inodoros en un rincón, pequeños guevaritas de plástico, vajillas y varias bagatelas.
Una chica brasileña y un muchacho mexicano se acercan al dueño del local. Tímidamente preguntan: “Perdón, ¿esto es el museo del Che?”.

UN POCO DE HISTORIA
El matrimonio conformado por Eladio Toto González e Irene Perpiñal viajó de vacaciones a Cuba en el verano de 1992. La estadía les produjo una breve sorpresa: la amabilidad con la que fueron recibidos. “Imaginaba encontrarme con una multitud de gente vestida de gris, con moñitos maoístas. Toda una cosa rígida. Pero noté un conjunto de personas que comparte ciertos valores y no miles de autómatas sin vida”, comenta González, entrecortadamente, mientras la clientela le permite un tiempo para la charla.
Entre las sucesivas caminatas que realizaron por la isla, Toto recibió un disparó emocional. Cuatro guardias de frontera fueron baleados durante un ataque -se lo recuerda como La Masacre de Tarará-. Sólo uno quedó con vida.
El turista mexicano deja de observar algunas fotos del Che, que Irene le había acercado, y pone atención en el relato de González: “Fui a donar sangre. No la querían porque había de sobra. Se reían amablemente mientras yo explicaba que mi sangre era valiosa: RH negativo. La jefa de hemoterapia, que era una mulata simpática, de tanto insistir me hizo una prueba para comprobar mi grupo sanguineo pero no me sacó sangre. Estaba caliente: quería mezclarme con ellos”. Finalmente logró acercarse. Una carta dirigida al policía internado fue respondida por más de cuatro mil cubanos. Tras 14 años de haber transcurrido la masacre, no pasa un día sin que Toto reciba una nueva correspondencia.

LA REVOLUCIÓN
El ida y vuelta generado con los cubanos a través de las misivas apuntaló en Toto la necesidad de ayudar con donativos a la población de la isla. La iniciativa contagió a un sin fin de personas con las que conformaron la entidad Chau Bloqueo.
Es imperiosa la necesidad que tiene González por contarle a los turistas cómo se desencadenaron los hechos desde un principio. Por un instante lo que estaba tomando forma se interrumpe para preguntarle a un joven que se le acerca qué está buscando. “Soy noruego, ¿aquí es el museo del Che?” Toto le pide que lo escuche. El relato comienza nuevamente desde el verano del ´92. Siente que cada visitante que acude al lugar “lo hace porque lleva un Guevara en su interior, un sentimiento que necesita sacar a flote”.

HASTA LA VICTORIA SIEMPRE
En 1996 el material recolectado para ser enviado a Cuba tomó demasiada magnitud. Fue necesario alquilar un local para depositarlo hasta su envío. “Cuando entré al galpón de Nicasio Oroño 458 me preguntaron si me gustaba: yo dije que sí, que era el museo del Che Guevara.”
La inauguración fue increíble. No tenían nada. “Si abrís algo la gente viene y trae”, confiesa el fundador y le aclara al terceto internacional, que no deja de observar las 300 fotos inéditas del Che, que lamentablemente no todo lo que consiguió puede ser apreciado en la actualidad. Esculturas, numismáticas, filatelias, documentos personales, una condecoración, una cantimplora, monedas y estampillas cubanas con su cara, maquetas alusivas a las batallas, su lata de tabaco, ropa utilizada por la guerrilla, son sólo algunas de las pertenencias que no pueden ser vistas en “la guardia permanente” que se mantiene sobre la calle Rojas.
El museo debió cerrar seis años después de haberse puesto en marcha por falta de fondos para pagar el alquiler. “Yo no pido que el Gobierno me dé un subsidio, sólo pretendo que me den un lugar para llevarlo a cabo. Año tras año me dicen que no lo tienen.”

EL BLOQUEO
Los visitantes cruzan las miradas. Agradecen y se retiran sin antes sacarse unas fotos con la estatuilla del Che.“Diariamente me da mucha vergüenza: vienen acá porque el museo figura en la secretaria de Turismo y creen que van a encontrarse con algo lindo”, lamenta González que tras haber guardado las fotografías le enseña a una clienta unos patines viejos por los que había preguntado. Se siente herido. La cara no lo deja mentir.
Un cartero entra al local y sin decir una palabra apoya un sobre en el escritorio. Toto lo agarra y sus facciones cambian al leer el remitente: Apartado 6240. La Habana. Cuba. Siente lo mismo que un soldado herido al que se le aplica una dosis de morfina. El dolor se escabulle. Ve en un futuro no muy lejano como reabre sus puertas el primer museo latinoamericano Ernesto Che Guevara.

Samanta Schweblin

2006-08-19T17:37:00.000-03:00

Por Lucía Turco

Editó su primer libro a los 24 años y siempre la acompaña la crítica. Asegura que la base de sus historias son imágenes que la obsesionan. El núcleo del disturbio reúne cuentos oscuros que oscilan entre lo fantástico y lo onírico, aunque quien la ve no lo creería.

Mujeres abandonadas al costado del camino, hombres atrapados en un pueblo donde el tren no se detiene, la muerte como obra de arte en la valija de un asesino, perros callejeros como metáforas de la errancia humana.
Mundos fantásticos, oníricos, oscuros, donde por momentos uno querría habitar, porque en ellos, en el medio del disturbio, parece posible encontrar una salida a la mediocridad: un lugar imaginario en el que vivir, un espacio entre lo metafísico y lo filosófico. Así son los cuentos de Samanta Schweblin.
Ella es argentina, tiene 28 años y un libro editado: El núcleo del disturbio (2002), que ganó la Antología de Cuentos del Fondo Nacional de las Artes en 2001, el mismo año que obtuvo el Primer Premio del Concurso de Cuentos Haroldo Conti.

IMÁGENES EN LA CABEZA
Contar historias es algo que la acompaña desde pequeña, incluso antes de aprender a escribir. El medio para hacerlo “podría haber sido el cine o el teatro”, piensa, pero claro que “por razones muy fuertes fue la literatura”. Al principio, cuando tenía 4 o 5 años, su madre anotaba lo que ella le dictaba en un cuadernito. De esa época recuerda el que considera su mejor cuento: la historia de un zapallo que vive en un cajón, en la punta de una montaña, donde está la verdulería del pueblo. “El cuento es esa sensación del zapallo de que en cualquier momento se podía caer y empezar a rodar sin poder hacer nada, porque no tenía manos, ni pies, ni podía gritar, no podía hacer absolutamente nada más que caer y caer”, rememora.
Desde imágenes observadas en cualquier lugar hasta restos de sueños, recuerdos más o menos primitivos o equivocaciones propias, son los disparadores de sus historias. Hace poco, de paso por la estación de trenes de Pinamar, descubrió que el lugar era igual al de su cuento Hacia la alegre civilización de la Capital -la historia de un grupo de hombres que no pueden volver a la ciudad porque el tren que los lleva nunca se detiene en el pueblo donde se encuentran-. “Cuando vi la estación dije: no es parecida, es esa, y mi mamá me contó que cuando era muy chica habíamos estado varados ahí como dos o tres horas, y esa es la base de mi cuento, una imagen de la infancia que sin saber describí con absoluta exactitud, porque no es que era parecida, era esa la estación de mi historia.”
Sus cuentos siempre parten de una imagen muy precisa, pero sólo se sienta a escribir cuando descubre qué es lo que verdaderamente le llama la atención. “Cuando me siento es porque ya está todo en mi cabeza.”
Como bien explica, sus cuentos son “situaciones muy puntuales, con un final irreversible”, por lo cual no imagina que alguno de ellos pudiera transformarse en una novela, aunque le seduce la idea de escribir una, ya que desde España, luego de leer sus cuentos, le preguntaron si tenía una novela. “Creo que el tipo de historias que escribo pide a gritos que sean cuentos.”
Al terminar el secundario, empezó a hacer taller literario con Diego Paszkowski, en el Centro Cultural San Martín. “Había una mezcolanza muy rica de gente, éramos todos adolescentes, y más allá de la calidad del taller, era un intercambio de ideas fuertísimo”, recuerda de esos 4 años en los que asistió. Paralelamente hacía la carrera de imagen y sonido en la UBA (de la que ya egresó). En esos tiempos escribió la mayoría de los cuentos que están en su libro. “Después estuve varios años en paz, sin nadie que me diga qué está bien y qué está mal, tratando de razonar lo que había aprendido.” Luego hizo taller con Liliana Heker, “un antes y un después en la literatura”, resume ella. “Pensar absolutamente todo, cada coma, es agotador, pero hay un nivel de análisis muy minucioso que me ayudó muchísimo.”

FANTÁSTICA ABSURDA
Si tiene que hablar de influencias literarias, puede mencionar muchos autores como referentes de su propia literatura: Juan Rulfo, Antonio Di Benedetto, Adolfo Bioy Casares, Franz Kafka, William Faulkner, entre muchos otros.
Pero, por sobre obras y autores puntuales, le interesa una literatura en especial que identifica como fantástica-absurda: “Son situaciones que lindan con lo filosófico, y las encuentro en determinadas obras, como la de (Dino) Buzzati, y no en autores en general”, explica. También lee mucha literatura norteamericana -Carver, Salinger- pero con ésta tiene una relación “más de placer que de influencia” a pesar de que reconoce que a estos dos autores los relee constantemente. Y confiesa: “Cuando estoy trabada con el tono, abro dos páginas de Bioy (Casares) para saber cómo continuar”.

PERSPECTIVAS
Algunos de los cuentos de Schweblin además forman parte de distintas antologías: Cuentos argentinos (2004), La joven guardia (2005) y Una terraza propia (2006).
Del primero -una compilación española que, entre otros, reúne cuentos de Roberto Fontanarrosa, Paola Kaufman, Rodrigo Fresán y Liliana Heker- tiene una anécdota para contar que “simplifica en pocas palabras el estado del escritor latinoamericano”. Por esa antología, le pagaron 50 dólares, de los cuales 25 se los quedó su editorial, Planeta, mientras que con los otros 25, que tardaron meses en llegar, había pensado en comprarse el libro, ya que no le cedían ningún ejemplar. Pero esto no es nada. Cuando cambió ese dinero y fue a comprar la antología, no le alcanzó. “Tuve que esperar a que me lo manden de España mis amigos”, recuerda.
En cuanto a la intención de difundir una “literatura femenina” -que subyace a la antología Una terraza propia, donde se compilan cuentos de narradoras argentinas- Schweblin aclara: “Yo hago literatura, no hago literatura femenina”. Y en sus cuentos, donde la mayoría de los narradores son hombres, queda claro que la autora trasciende ampliamente cualquier mirada femenina que pueda condicionar su visión sobre el mundo. “Puede decirse que hay una hegemonía masculina porque el hombre lleva más tiempo haciendo literatura, pero en este momento en la Argentina creo que puedo citar más escritoras que escritores. La mujer está escribiendo mucho y lo está haciendo bien.”
Schweblin está planeando otra antología de cuentos. Tiene entre 10 y 12 historias terminadas, pero piensa hacer un libro con seis de ellos, que “tienen una temática muy particular y muy fuerte”, en los que justamente empieza a tocar algunos tópicos más específicamente femeninos, “desde una perspectiva bastante horripilante, escabrosa”, comenta.
Aunque sus cuentos no lo demuestren, Schweblin dice que aún no encontró su lugar ideal para escribir, aunque puede imaginarlo: sería un sitio parecido al subsuelo de la biblioteca donde Ray Bradbury escribió Fahrenheit 451. Allí, él alquilaba una máquina de escribir por dos centavos la hora y estaba dos horas por día escribiendo cuando no había mucha gente. “Como trabajo desde mi casa, cortar radicalmente con el laburo y ponerme a escribir es un problema, entonces todo el tiempo estoy tratando de salir a escribir. Busco un ciber, una biblioteca o un café, pero todos tienen sus pro y sus contra, y siempre estoy pensando en ese lugar de Bradbury como el lugar físico ideal, porque no hay absolutamente nada, sólo la máquina y la página en blanco.”

***************

Diez cuentos que me impactaron (no me animo a ponerlos en orden), por Schweblin

- Algo había sucedido y El perro que vio a Dios, de Dino Buzzati.
- Teniente Bravo, de Juan Marsé
- El lado de la sombra, Adolfo Bioy Casares
- Un día perfecto para el pez banana, de J. D. Salinger
- El gigante ahogado, de J. G. Ballard
- Llámame si me necesitas, de Raymond Carver
- En el mismo lugar, a la misma hora, de Mervyn Peake
- Los asesinos, de Ernest Hemingway
- Un marido rural, de John Cheever

***************

Vicente Battista, escritor argentino

"Fui uno de los primeros lectores de Samanta. En el 2001 era jurado en el Concurso de Cuentos del Fondo Nacional de las Artes. No bien leí los originales de El núcleo del disturbio supe que estaba ante una narradora excepcional: me deslumbraron sus historias, desde la manera en que las contaba hasta el modo de ubicar naturalmente lo antinatural. Hubo total coincidencia con el resto del jurado y Samanta obtuvo, por unanimidad, el primer premio. Samanta tiene mucho de (Dino) Buzzati. Se lo comenté cuando la conocí. Ella no lo había leído, entonces le pasé unos libros de él, los leyó y quedó fascinada."

Arte HIV

2006-08-19T17:22:00.000-03:00

Por Graciana Castelli

Tiene 32 años y hace 12 que es portador del virus del sida. Desde lo artístico siempre trabajó temáticas relacionadas con la enfermedad, primero como una forma de sacarla de su cuerpo y curarse, pero finalmente terminó humanizando los datos frívolos que revelan las estadísticas.

Héctor Toscano es –entre muchas otras cosas- artista plástico, fotógrafo y portador. Al menos así él firma los textos que presentan sus obras. Lleva 12 años conviviendo con el virus del hiv, y no hace mucho tiempo Clarín le publicó una carta de lectores en la que decía: Siento que no hay una campaña cotidiana y constante que informe y haga un llamado de atención al contagio del sida, y también a la aceptación de las personas seropositivas sanas y enfermas... Solamente los días previos al 1 de diciembre (Día de la Lucha contra el Sida), el tema se instala en los medios, pero después de esa fecha ya se vuelve a olvidar a los seropositivos, y a los que corren el riesgo de serlo.
"Me enteré a los 20 años –hoy tiene 32-. Yo sabía las cosas que había hecho, era conciente, entonces fui a un urólogo en el Hospital de Clínicas y le pedí para hacerme un análisis. Cuando voy a buscarlo resulta que no me lo quieren dar y me dicen que me lo tiene que entregar mi médico. Pero ese urólogo no era mi médico, lo había visto una sola vez en la vida. Tuve que rastrear al tipo en un hospital público hasta que lo encontré y me dijo, 'después te veo', y me dejó ahí esperando. Lo que pasaba era que no se animaba a decírmelo. Y entonces trajo a otro médico, recorrimos pasillos y subimos escaleras buscando un lugar vacío para hablar, para decirlo. Finalmente entramos a un consultorio caído abajo, con humedad, para que me dijeran de pie: 'Mirá, salió positivo'."

ARTE SANADOR
Desde chico Héctor se interesó por el dibujo y la pintura. Más tarde, cuando empezó a trabajar se compró una cámara de fotos y tomó el primer curso en la Facultad de Arquitectura: "Al poco tiempo me enteré de lo mío y decidí que tenía que buscarle la vuelta al tema de la fotografía y el arte pero relacionarlo con el virus, sentía que era una forma de sacarlo y de curarme. Por aquella época había intentado el tema de la medicación, pero eran como 35 pastillas diarias y la atención era pésima. Yo había ido al Hospital de Clínicas y ahí me atendía una doctora que a veces sale en los medios -ahora no tanto- que se llama Graciela Reboredo, y que me atendió como si fuera un conejito de la India, muy mal."
Las obras de Héctor vivencian su enfermedad, la transitan, la desafían. Le gusta jugar con cajas de luz que potencian colores verdes, azules, turquesas, amarillos y rojos, que todo el tiempo aluden a la sangre. Autorretratos de su cuerpo desnudo, sentado, con la espalda encorvada y el rostro de perfil oculto bajo un barbijo, y en cuyo fondo se ve una mancha de humedad, quizá resabio freudiano de aquel cuarto testigo en donde se confirmó su sospecha. La imagen de un Jesús crucificado rodeado de su propia cara. O la foto de aquel análisis positivo que al pie deja ver una imagen de él, niño, y que Fernando Peña -a quien tuvo oportunidad de conocer-, la bautizó como a su propia obra de teatro: El niño muerto.
Vía crucis hiv, Cuerpos positivos, son algunos de los títulos de las muestras que ya realizó. Y en una de ellas, incluso, trabaja con una serie de fotos de dibujos hechos por chicos de entre cinco y siete años, también portadores, en las que abundan colores pesados como el marrón, el rojo, y el negro: una casa sin terminar, un árbol partido al medio, un auto estancado, globos de la vida y de la muerte. "Ellos eran concientes del virus. El padre, la madre o a ambos estaban muertos. Usaban el verde, '¿qué es la esperanza?', preguntaban. Se pasaban la pintura por la piel, era un tema de protección y de cuidado", explica.
Llama la atención que en cada uno de los textos de presentación de sus trabajos Héctor aclara, debajo de su firma, que es seropositivo: "Hubo gente que me criticó eso. Yo lo pongo para que el que lo vea sepa que yo hablo con autoridad del tema, y no porque se me ocurrió hacerlo porque era el 1 de diciembre. Me ha pasado que a veces se piensan que no soy portador y me preguntan porqué trabajo este tema, y yo prefiero que lo sepan”.

NÚMEROS POSITIVOS
Son muchas las muestras que logró realizar a lo largo de estos 12 años. Quizá tantas como las que tiene en su cabeza, aún por hacer. En ellas no hoy cintitas rojas, ni alusiones sobre la importancia del uso del preservativo, ni recomendaciones médico-preventivas. Su intención es otra, y tiene que ver con la humanización de aquel conejito de la India que hace tiempo, quizás, una médica confundió con un hombre en un consultorio: "Lo que yo quiero mostrar en mis trabajos es la sensibilidad de la persona que es portadora. Si bien nunca nadie va a sentir lo que uno siente, por lo menos acercarlos un poco, que sepan que uno a veces se siente solo, que no va a poder lograr hacer las cosas, que siente que no va a conocer el amor, son millones de cosas... pero igual siempre trato de que el mensaje final sea positivo".
Cientos. Miles. Millones. Las cifras preocupan, asustan, impresionan, es cierto. La ciencia avanza, pero no llega, y la epidemia hoy gana la carrera. Las estadísticas, silenciosamente, crecen sin dar tregua. Pero esos números anónimos y positivos son mujeres y hombres; niños, adolescentes, jóvenes, adultos, viejos. Vidas como la de Héctor, que es artista plástico, fotógrafo, y también seropositivo.
Sus obras son, casi en su totalidad, monotemáticas por elección. Pero eso no le importa. Y lejos de estancarse en la tragedia y el dolor, cada imagen supera la instancia de lo irremediable para decirle al público: acercate, mirame, conoceme, sentime, humanizame, aceptame... Héctor cuenta que la gente, al terminar de ver sus muestras, se le acerca para agradecerle.

***

En www.hectortoscano-hiv.blogspot.com Héctor comenzó a escribir su ‘Diario de hiv vida’.

***

Acupuntura

2006-08-19T17:13:00.000-03:00

Por Lucía Turco

Sin necesidad de grandes recursos, la acupuntura busca equilibrar la energía en el cuerpo del hombre para lograr un bienestar integral de la salud, tanto mental, como físico, anímico y espiritual. Su mayor integración a la medicina alopática en la Argentina podría ser uno de los grandes avances de la ciencia.

Para la medicina tradicional china, el cuerpo del hombre es el resultado de la concentración y circulación de energía. De esto hay que partir para hablar de la acupuntura, terapia que es parte de la medicina oriental, y que nace en China en el 580 a.c., momento en el que se tiene el primer registro de su existencia.
“Existen 12 flujos de energía en el cuerpo que se llaman meridianos, es como si fuesen carriles de la Panamericana: cuando el tránsito es normal, fluye y eso es comparable a una persona sana, pero si hay un accidente, se comprometen todos los carriles. Si lográs solucionarlo, el tránsito se va normalizando”, explica An Yoon Hwa, médico acupunturista que atiende en la Argentina. “La medicina oriental consiste en eso: en equilibrar energías para que el cuerpo pueda fluir libremente.”

PULSOS DE DIAGNÓSTICO
“Hay cosas que no se pueden ver ni detectar con los cinco sentidos - dice An – como el concepto de qi, que significa: energía.” Para aproximarse lo más posible a lo que sería una explicación, él habla de la sensación que tiene cuando le coloca la aguja a un paciente: “Ves cómo se te va la energía del cuerpo hacia la otra parte”.
El equilibrio energético se da entre la corriente Yin y la corriente Yang. A la primera pertenece lo interno, la tierra, lo que desciende, lo oscuro, lo que retrocede; a la segunda, lo luminoso, el cielo, lo claro, lo expansivo, lo que sube, lo que brilla. Cuando el Yin y el Yang están en armonía, el qi fluye libre en el cuerpo y el hombre está sano.
El método de diagnóstico es a través del pulso. Con los dedos índice, medio y anular de la mano derecha, el médico agarra la muñeca izquierda del paciente y a partir de los pulsos siente cómo están los meridianos, cuáles están afectados, y entonces sabe dónde aplicar las agujas. “Cuando están bien colocadas, el pulso cambia completamente.”
En la primera visita, antes de hacer el diagnóstico, An siempre mantiene una charla con el paciente y también le hace un examen médico. “Hay algo más allá de lo que es físico que se transmite en los pacientes, y llega un momento en el que te acostumbrás a ver esas cosas. Cuando alguien entra al consultorio ya te das cuenta cómo está por los ojos, y cuando terminás de atenderlo ves cómo le cambia la mirada. Es un conjunto de cosas que no se pueden tomar aisladas.”
Está claro que el lugar del médico es mucho más sensible que en la medicina alopática, que es la que impera en Occidente. No hay nada parecido a registros cuantificables que puedan transmitirse de un médico a otro. El acupunturista tiene una memoria de cada caso que es difícil de entender desde la ciencia moderna.
Para An, “los occidentales que ejercen acupuntura tienen un concepto bastante diferente de su funcionamiento: diagnostican a través de síntomas, pero para poder practicarla correctamente, deben diagnosticar a través del pulso”. Así lo entienden las distintas ramas dentro de la acupuntura que, a grandes rasgos, se dividen en estilo japonés, coreano y chino, y a su vez cada uno de estos tiene sus variantes.

MÁS QUE AGUJAS
En la medicina oriental se cree que la entrada de la enfermedad se produce a partir del mal hábito. Su persistencia lleva a que se desequilibre la energía. “Si ese desequilibrio no es tan grave y el paciente lo corrige, el cuerpo se normaliza; pero si es muy fuerte y no puede recuperarse por sí solo, entonces la acupuntura lo que hace es ayudarlo, como un auto que se queda sin batería y se lo empuja. Pero también se tiene que modificar ese hábito que generó el desequilibrio, porque sino la recuperación es momentánea.” An le da gran importancia al hábito, por lo cual no es partidario de dar muchas sesiones a un mismo paciente y recomienda hacer actividad física, la que cada persona sea capaz de disfrutar. “A veces la gente quiere milagros y yo milagros no hago”, explica.
La energía que circula en el cuerpo del hombre también tiene mucho que ver con el cosmos, es decir, está muy influida por las estaciones climáticas y los espacios naturales. Por ejemplo, en verano es más fuerte la corriente Yang, por lo cual, si un paciente tiene muy alta la Ying, esto se manifiesta de alguna manera y es necesario tratarlo.
Por otro lado, An sostiene que generalmente los pacientes que reciben psicofármacos son “bastante resistentes” a la acupuntura. “Mucha gente está recibiendo hipno-sedantes y yo trato de sacarlos, porque quienes los dejan, mejoran muchísimo.”
En los casos en que es conveniente no aplicar agujas, se puede practicar lo que se conoce bajo el nombre de moxibustión. Consiste en aplicar una moxa: un pequeño tubito que parece de cartón, que se pega con autoadhesivo al cuerpo, y del otro lado se enciende. En sus orígenes era un yuyo o un granito de arroz. Esto se va quemando y a medida que se va acercando al cuerpo transmite más calor. “En un momento te quema y se expande hacia adentro, es como si fuese una puñalada de calor que te penetra.”

COMPLEMENTARIAS
An nació en Corea del Sur y se recibió de médico en la Universidad de Buenos Aires. Lejos de abogar por la supremacía de uno u otro tipo de medicina, cree que ambas se complementan: “Hay cosas en las que te puede guiar o servir la oriental y en otras, la alopática”. Sin embargo, no están muy complementadas en la Argentina. “Muchas veces hay prejuicios de un lado o de otro”, asegura. Mientras que en China y en Corea están totalmente integradas: en un hospital se pueden encontrar ambos servicios.
Reconoce que es muy difícil desarrollar la capacidad para ejercer correctamente la acupuntura. “Yo aprendí de mi maestro, que era un amigo de la familia, no fui a la academia ni hice cursos. Entré como discípulo, fui viendo de a poco y luego me fue enseñando porque él se quería jubilar y estaba buscando alguien que lo reemplazara.”
Claro que “al comienzo, cuando agarrás el pulso no distinguís nada, te parece todo igual, pero después te vas acostumbrando a tomarlo”, explica, y recuerda que su maestro hasta pronosticaba el embarazo a través del pulso, antes de que un Evatest.
“Hay que tener mucha voluntad y concentración en tratar de encontrar esa diferencia, pero cuando hacés ese clic, ahí empieza el verdadero trabajo.”
La acupuntura se fue desarrollando a través de la experiencia: práctica y error. Entre los beneficios que tiene frente a la medicina alopática, puede señalarse la utilización de menos recursos: sólo se necesitan agujas, alcohol y algodón. Por otra parte, “hay estudios que demuestran que los pacientes toleran más el tratamiento de la acupuntura. Tuve pacientes que realizaban quimioterapia y me dijeron que la soportaron mucho mejor con la acupuntura”.

UNA EXPERIENCIA
Al ser tomada como algo invasivo en la Argentina, no se puede ejercer legalmente la acupuntura sin el título de médico. Y An señala que su experiencia le dice que es necesario estudiar medicina, o alguna carrera afín, que brinde las herramientas para saber manejarse en una situación de riesgo. “No es broma, con una aguja mal colocada se puede matar a un paciente”, dice, y recuerda haber pasado por una situación de este tipo con una paciente que había sido abusada y su psiquiatra la había medicado bastante. “La paciente empezó a relajarse y entró en apnea: estaba dejando de respirar.” Ante esto, aplicó sus conocimientos de medicina alopática, hizo las maniobras necesarias y logró recuperarla. “Si en un momento así no tenés los elementos para actuar, te asustás y te quedás paralizado”, explica An.
“Somos como pilas”, concluye, “pero no de las recargables”.

Educación sexual obligatoria

2006-08-19T16:55:00.000-03:00

Por Gabriel Pérez

Ilustración: Natanael

Dos posturas irreconciliables debaten sobre la ley que entrará en vigencia el año que viene en la Ciudad de Buenos Aires, pero que pronto se discutirá en el ámbito nacional.

Daniela Moreno, 42 años, ama de casa
“A mi hija no quiero que le enseñen cosas que a los 11 años no puede comprender"

“No estoy de acuerdo para nada con que se enseñe educación sexual en los colegios, creo que eso debe quedar en el ámbito privado de cada familia porque se deben respetar las decisiones de cada madre y padre. No quiero que a mi hija le enseñen cosas que a su edad –tiene 11 años- no puede comprender, o que la pueden llegar a confundir. Bastante tengo con los programas infantiles, en donde ya a los 10, 11 años andan a los besos; o con las novelas y películas con escenas eróticas que pasan en el cable en el horario de protección al menor.
Además ella es tímida y siempre hay algún compañerito que se hace el vivo o hace chistes que seguro le van a hacer pasar un mal rato. Por otro lado, ¿quién me asegura que los maestros están realmente capacitados para tocar un tema tan delicado? Todos sabemos el estado en el que está la educación en este país, sobre todo la pública.
Encima vi en el noticiero que le quieren enseñar educación sexual a los chicos desde el jardín, eso sí que me parece una gran falta de respeto, ¿qué se le puede enseñar a un nene de cinco años? Y lo que más bronca me da es que una no puede hacer nada, si es que llega a ser obligatoria la materia. Me parece que esta ley termina siendo un atropello a la familia, ¿por qué nos imponen a nosotros lo que debemos hacer en nuestra casa?
Por el momento creo, si mal no leí en los diarios, que esta ley es para la Capital, no para provincia. Por suerte mi hija va a una escuela de Avellaneda, y cuando esta ley llegue a los colegios provinciales, porque seguro que a lo sumo en 2008 se podrá implementar acá, ella va tener edad suficiente para entender algo del tema. Aunque tengo que reconocer que se me va a hacer difícil hablar de sexo con ella, porque a la gente de mi generación ni se le ocurría tratar esos temas con los padres, te pegaban un cachetazo.
Lo que este Gobierno debería hacer es preocuparse por otras cosas, como por ejemplo que a nadie le falte de comer, o que no la maten a una cuando sale a la calle, como pasó hace poco en Belgrano o en cualquier otro barrio. Pero bueno, ya sabemos que a la gran mayoría de lo políticos lo único que le interesa es figurar, hacerse ver en los medios. Lo que falta es que estos políticos mediocres legalicen las drogas y el aborto, aunque creo que eso ya sería demasiado.”

***

Moreno piensa que hay otras cuestiones en las que el Gobierno debería poner más atención, como la inseguridad o la pobreza.

***

Miriam Luna, 40 años, empleada
“La educación sexual puede servir para descubrir casos de abusos en la familia”

“Es fundamental que se den clases de educación sexual en las escuelas, porque los chicos de hoy generalmente tienen su primera experiencia sexual a los 14, 15 años, y todos sabemos que es tal la desinformación con la que cuentan que muchas chicas terminan embarazadas cuando todavía no alcanzaron la madurez necesaria para ser madres. Y después vienen los problemas, porque quieren seguir con la vida de adolescente y no se dan cuenta de que ahora son responsables de un nuevo ser que trajeron al mundo. Incluso algunas parejas son casi obligadas a formalizar y después se terminan separando a los 20 años.
También con la poca información se crean mitos peligrosísimos para esa edad, sobre todo por el riesgo que representa el sida en nuestra sociedad.
Yo soy madre de dos chicos: uno de 19, y otra de 14. Con el varón no fue muy difícil hablar de sexo, más que nada porque su padre supo llevar bien el tema. Ya en las primeras veces que lo dejábamos ir a bailar –cuando tenía 13 años- le hablábamos del tema. En cambio con la nena hablé yo, porque somos muy compinches. A veces me cuenta las cosas que creen sus amigas y me dan ganas de matarme, no se puede estar más desinformado, eso es culpa de los padres.
No entiendo cómo algunos pueden estar en contra de que a los nenes del jardín de infantes se les enseñe educación sexual. ¡Es obvio que no se le va a explicar con lujos y detalles como se hacen los bebés! Se les enseñaría a no dejarse levantar la pollera –por poner un ejemplo, en el casos de las nenas- o dejarse tocar por un adulto. Muchos de esos que se quejan, después cuando aparecen casos de abusos en las escuelas son los primeros en pedir la pena de muerte para el violador, como si así se solucionara el tema.
Además pienso que la educación sexual puede llegar a servir para descubrir casos de abusos en la familia. Quizás si el chico aprende en la escuela que lo que le están haciendo no es normal, se anima a denunciarlo. No hay que perder de vista que una gran parte de las violaciones la comete gente allegada a la familia, cuando no son directamente parte del núcleo familiar.
Que sea ley en la Capital es un gran paso, sobre todo por el poder que la Iglesia tiene en este país. Espero que pronto sea obligatorio en todas las provincias.”

***

Luna afirma que la educación sexual en las escuelas podría terminar con ciertos mitos que manejan los adolescentes.

***

Bipolaridades

2006-08-19T16:08:00.000-03:00

NUEVAS LUCES
CANCIONES ZOMBIES

¿Quién dijo que el indie ha muerto? Un ejemplo de que sigue vivito y coleando es la reciente edición artesanal del nuevo disco de El Zombienauta, Nuevas luces. El proyecto de José Eduardo González incluye 10 canciones despojadas con una voz que hace acordar al decir del Daniel Melero de Piano. No es su primera obra, ya había editado dos discos: Desoladas canciones zombies, volumen 1, y Anclado en la canción, más un EP, Learn to swim, con canciones en inglés.
La mayoría de los temas se puede bajar desde su página www.zombienauta.com.ar, donde además se pueden conseguir grabaciones (¡outtakes!) que quedaron fuera de los discos y tracks que conmemoran fechas trascendentalmente apátridas como el día de San Valentín.
El disco se consigue en Belleza y Felicidad -Acuña de Figueroa 900- y Oíd Mortales -Corrientes 1145 Loc. 17- a 10 pesos.
Escribiendo a zombienauta@hotmail.com se consigue a 7 pesos más gastos de envío.

LA REVOLUCIÓN ES UN SUEÑO ETERNO
EL ORADOR EN SU LABERINTO

La revolución es un sueño eterno, la novela poética, simple y profunda de Andrés Rivera, que retrata con agudas pinceladas momentos de la vida de Juan José Castelli, llamado El orador de la Revolución, es llevada al teatro de la mano del director Pablo Silva, con el papel protagónico de Daniel Ritto, el actor que muchas veces encarnó a Luca Prodan en la obra de teatro Luca vive.
Castelli, abogado y convincente orador, muere de cáncer de lengua dos años después de la Revolución de Mayo de 1810. Emparentado firmemente con las ideas jacobinas y seguidor de Mariano Moreno, es enjuiciado en su último año por haber mantenido relaciones íntimas con mujeres menores durante sus campañas militares.
Sin dinero, con una enfermedad incurable y su talento disminuido, este unipersonal cuenta los últimos días que precedieron a su muerte, sus sueños de libertad, sus mujeres y sus pensamientos.

La revolución es un sueño eterno.
Domingos, 20:30.
Entrada: 12 pesos.
Teatro Bauen, Callao 360.

PUENTE CELESTE
COMO ENCENDIDOS

Tal vez no sea exótico el mejor adjetivo, aunque hay que reconocer que la virtuosa combinación de tradiciones musicales a la que llega Puente Celeste puede denominarse, cuando menos, altamente imprevisible.
Por momentos jazz; por otros, folklore o tango. Puente Celeste es un grupo que sorprendió en la escena musical argentina con composiciones sensibles desde la música y la letra. Su último disco, Mañana Domingo (2004), es quizás el mejor resultado de esta mezcla de sonoridades instrumentales y vocales.
Luego de dos años ininterrumpidos de conciertos, el quinteto -formado en 1997 e integrado por Edgardo Cardozo, en guitarra, requinto, tiple y voz; Luciano Dyzenchauz, en contrabajo, percusión y voz; Marcelo Moguilevsky, en clarinetes, flautas dulces, armónica y voz; Lucas Nikotián, en acordeón, piano y flauta traversa, y Santiago Vazquez, en percusión, birimbao, guitarra, mbira y voz– está en pleno proceso creativo, por lo cual no será posible encontrarlo hasta dentro de un tiempo en los escenarios de No Avestruz o Chacarerean Theatre, donde suele presentarse.
Sin embargo, el sábado 29 de julio Puente Celeste ofreció un show aislado por el cumpleaños de No Avestruz. Fue un regalo para quienes se enteraron y reservaron lugar, una semana antes, entre los almohadones de este espacio.

PEDRO ALMODÓVAR
VUELTA AL UNIVERSO

En un mundo femenino, en donde la presencia masculina es intermitente y sólo sirve para causar daños irreparables, transcurre la última película de Pedro Almodóvar, Volver. Para contar recuerdos agradables de su infancia en el pueblo La Mancha, Almodóvar se aleja un poco de ese impronta que le dio fama mundial y se dedica a narrar una historia –por momentos un policial- de manera muy sobria.
Se destaca con su actuación Penélope Cruz, irónicamente con una imagen muy alejada de la femme fatale que intenta imponer en Hollywood, ya que no pasan de tres las escenas en donde se luce su generoso escote.
El punto bajo del filme se da cuando Penélope entona una mediocre versión del clásico tango de Gardel y Lepera, Volver. No sólo se nota que no es ella la que lo entona, sino que la escena parece tener utilidad únicamente para justificar el título de la película, que será el que se usará en todo el mundo.
Si bien por momentos en la historia existen golpes bajos, el final encierra una cálida parábola de los valores familiares, que seguramente habrán sido los que el director aprendió de pequeño, rodeado de una familia marcada por el carácter dominante de las mujeres.

Volver.
Pedro Almodóvar.
Con Penélope Cruz y Carmen Maura.
Estreno: 10 de agosto.

LA PASIÓN SEGÚN VALDANO
PELOTA Y VOZ

Por momentos Jorge Valdano parece ser un espíritu curioso que tuvo la desgracia de abstraerse de sus pensamientos metafísicos para hacer algún que otro gol crucial en la única Copa del Mundo argentina que no está manchada con sangre. Recomienda libros sobre fútbol, recita poesía, justifica un quiebre de cintura desde la óptica de algún pensador europeo, todo con un discurso que ni en una coma olvida su meta: la belleza. Zidane (antes del cabezazo), Riquelme, Maradona, Grondona, el Real Madrid, todos los temas relevantes del fútbol son tratados profundamente en este libro-reportaje escrito (o desgrabado) por el periodista deportivo Ariel Scher, que tiene al nueve goleador como único centrodelantero.
Una de las tantas frases memorables que recorre La pasión según Valdano es cuando, haciendo referencia a Hernán Crespo y al apodo que le puso Daniel Pasarella cuando lo dirigía en River, Valdanito, el entrevistado dice: Ya es hora que a mí me llamen Crespito.
Esta publicación es parte de una colección dirigida por el periodista Ezequiel Fernández Moores, una de las jóvenes plumas que demuestra que el periodismo deportivo no debe ser sinónimo de panquequismo ni una oda al ganador de la fecha.

La pasión según Valdano.
Ariel Scher.
Colección Pasión Celeste y Blanca.
15 pesos.

NUBE 9
LIVERPOOL SIEMPRE ESTUVO CERCA

Nube 9, la banda de Fernando Blanco, bajista de los Super Ratones, que interpreta canciones de Los Beatles, se presentará en Liverpool, cumpliendo el sueño de todo pibe beatlero.
Durante la última semana de agosto los músicos participarán como invitados especiales de la Beatle week que se hace todos los años en la ciudad donde nacieron Los fabulosos cuatro.
Nube 9 dará 11 shows en escenarios emblemáticos como The Cavern, ese antro en donde los Beatles sudaron la gota gorda hasta alcanzar los diamantes del cielo. Luego los músicos partirán a España, donde realizarán otras presentaciones y a su regreso, en septiembre, volverán a los escenarios porteños.
Esta banda se caracteriza por no ser el típico grupo tributo con el bajista zurdo y flequillo a medida. Sus shows son temáticos: toman un disco de Los Beatles, o de la carrera solista de alguno de los cuatro, y los tocan en su totalidad. Fueron memorables los recitales donde recrearon All Things must pass, el triple de George Harrison, con ejecutante de cítara y todo.

Recreo Literario - Por Eloísa Cartonera

2006-08-19T13:14:00.000-03:00

LA JORNADA DE LA MONA Y EL PACIENTE

MARIO BELLATIN

Ilustración: DAN

(...) La jornada de la mona y el paciente. La remembranza del punto donde la mona se arroja desde el techo guarda una estrecha relación con el lugar en que el padre del paciente salta detrás del primate con la intención de cazarlo. De eso no cabe la menor duda. Ambos, mona y padre, sienten el vacío de sus cuerpos aunque, como es lógico, ninguno de los dos comparte con el otro la misma sensación. Estas caídas, la del padre yendo detrás de una mona furiosa, son similares a la no libertad de la escritura. Lo he pensado más de una vez. A diferencia de la cura analítica, cuando alguien se decide a escribir algo tendrá que escribir sólo y únicamente sobre lo que está escribiendo. Se le está negado el derecho al escribiente de ir construyendo una estructura abierta, para lo cual podría apelar a una serie de subterfugios tales como la asociación libre de las ideas, el recuerdo o el uso de las imágenes de los sueños. No se puede escribir más de lo que se está escribiendo. Como en el sueño, que no se puede soñar más que con lo que se está soñando, incluso cuando alguien sueña que sueña. Una de las razones del insomnio del paciente es que debe construir su propio sueño, su estar dormido, de la misma forma como ordena su escritura. Ya no le es posible descansar libre y abiertamente. Caer en la tabla de la cama cuando se siente extenuado y amanecer de manera inocente al día siguiente. No. Debe crearle una forma al sueño. Ir hilando un tejido textual que sea el que sustente esas horas en apariencia perdidas. Ya no visitan al paciente ni sueños místicos ni sicológicos profundos, poseedores muchas veces de una intensidad tal que rozan muy fácilmente con el milagro abierto de los libros sagrados. Sin embargo, aunque nadie lo espere, la fugaz mona seguirá saltando del techo de la casa y el padre seguirá en su camino hacia la nada.

(...) Lo más importante es que el paciente escuchó que le decían algo así como que se haría todo lo posible por aplacar la angustia y el drama interno preservando, eso sí, la escritura. En ese momento surgió, nuevamente, la escritura como el punto más importante de mi existencia. Como si mi ser fuera sólo un pretexto para que esta escritura pueda existir.

Mario Bellatin nació en 1960 en México. Estudió teología y Ciencias de la Comunicación en Lima, Perú y cinematografía en Cuba. Actualmente reside en México, donde enseña en la Facultad de Filosofía y Letras del claustro Sor Juana Inés de la Cruz. También escribe artículos en la prensa que conjugan realidad y ficción. Publicó Mujeres de sal (1986), Canon perpetuo (1993), Efecto invernadero (1996), Damas chinas y Poeta ciego (1998).

Patio

2006-08-19T11:53:00.001-03:00

El Universo de Cartón

Grasas y Caretas

2006-08-19T11:53:00.000-03:00

Número NUEVE - julio 2006

2006-07-25T21:36:00.000-03:00

revistabipolar.blogspot.com

El blog es un fenómeno comunicacional cuyo alcance nadie puede profetizar. Los más importantes diarios del mundo durante el mundial instrumentaron desde sus portadas online la modalidad blogueril para sus más destacadas firmas, quienes, posteando desde los mismísimos estadios, se maravillaron con esta herramienta. Tanto en la guerra de Irak como en los recientes bombardeos a Beirut -puntos remotos y generalmente vedados por compromisos de las grandes cadenas informativas- el blog también funcionó –y funciona- como soporte para expresar las visiones de los refugiados y víctimas. Sólo se precisa estar conectado a internet. En nuestro país, desde hace algún tiempo existe una organización llamada 3.0 Periodismo argentino en blog, que aglutina a una treintena de bitácoras de las más variadas orientaciones comunicaciones. Desde el número pasado, Bipolar también está online.

En julio tenemos una inclinación hacia el arte plástico, lo abordamos en dos secciones; Vermouth, con Leandro Erlich, el artista que triunfa afuera con sus instalaciones que desafían la lógica y la utilidad de las cosas, pero que acá es casi un desconocido, tanto como los desconocidos que se reúnen en la fundación Arte sin Techo, fundada por Felicitas Luisi, una cooperativa que hace murales públicos, talleres y programas que buscan la inclusión social mediante el arte, en Héroes anónimos. La Entrevista de este mes es con uno de los escritores y periodistas más respetados y prolíficos de nuestro país, Martín Caparrós, cuyo flamante libro Interior está llegando a las librerías en breve contando algunos de sus viajes por la Argentina, desde su ya clásica mirada perspicaz vertida desde sus crónicas de viaje. Un golpe por nocaut nos da la memoria: en Ejército de salvación lo tenemos a Látigo Coggi, el multilaureado boxeador argentino que con simpatía recuerda algunas de sus más coloridas anécdotas arriba del cuadrilátero. Rosario Bléfari, la princesa del under de los noventas, se abriga para el temporal y se dispone a espiar entre la tormenta el Misterio relámpago, su nuevo disco, y nos cuenta lo que vio, en Bonustrack. Pero como no sabemos si comprar su disco o bajarlo de internet, juntamos a una cantante que esta a favor de los mp3 gratuitos, Flopa, y a un adalid de la antipiratería, y los enfrentamos cara a cara en La tragedia. Unos locos fanáticos de una disciplina de lo más extraña, la cohetería, se adueñan de Bicolor y nos muestran cómo es este explosivo hobby. El actor Marcos ‘Bicho’ Gómez cuenta su experiencia con el payaso Mala Onda, en el Bipolar del mes; apto para todo público, hace doble función en estas vacaciones de invierno entre el teatro infantil y el de revista. La comunidad krishna en la Argentina es la Investigación de julio, cómo viven y qué hacen en nuestro país los adoradores del Sweet Lord que le inspiró al beatle George una de las más grandes canciones del siglo.

La revista es financiada por nosotros. Muchas veces –sino todas- el saldo de la publicación da rojo, o al menos rosa. Nuestra intención es aumentar la tirada, duplicarla, llegar a más personas. La edición de revistabipolar.blogspot.com funciona como órgano de discusión gratuito e ilimitado. Los invitamos nuevamente a visitarlo.

Martín Caparrós

2006-07-25T21:29:00.000-03:00

Por Gabriel Pérez

Recorrió buena parte del mundo y lo reflejó en varias crónicas, pero nunca había viajado por la Argentina. Hasta ahora. De ese largo viaje acompañado por un bolso en el baúl del auto, y de la historia reciente, habla el autor de ‘Valfierno’.

“Lo que yo te iba a preguntar es si será necesario hablar mucho más rato de los años setentas, porque la verdad no es un tema que me interese hoy. Me incomoda que se hable tanto de esa época, porque me parece que es una manera de no hablar, o de hablar falazmente del presente, y a mí lo que me interesa es básicamente el presente y el futuro. Por supuesto que eso no significa olvidar nada y dejar de lado la historia, pero es historia y hay cosas infinitamente más urgentes. Entonces, si tenemos un rato para charlar, no lo hagamos sobre aquellos años porque me parece una pérdida de tiempo. Y lo digo on the record: es mi opinión sobre esto.” Quien dice estas palabras luego de aguantar sosegado –de la misma manera que Spinetta cuando algún trasnochado consuetudinario le pide Muchacha ojos de papel- la batería de preguntas monocordes es Martín Caparrós, autor, entre otros tantos libros, de La voluntad, obra generalmente acompañada por los adjetivos monumental, colosal, que trata sobre la militancia revolucionaria de los sesentas y setentas, y que fue co-escrita con el periodista Eduardo Anguita. Antes de invitar a cambiar de tema, Caparrós dejó algunas frases muy interesantes sobre ese período del que fue protagonista, primero como militante, y después como escritor:
- “No puedo jactarme de todo lo que me enseñó Rodolfo Walsh como jefe porque en realidad era un jefe muy poco presente. Si aprendí algo de Walsh fue leyéndolo, no en ese contacto, que no era fluido, porque él tampoco estaba en los cierres de la sección, cerrábamos los que estábamos ahí. Tenía su oficinita y de vez en cuando me decía algo, pero no era la relación directa que uno suele tener con un director.” (Sobre su relación con el autor de Esa mujer, uno de los mejores cuentos argentinos para Caparrós, en la redacción de Noticias, la revista de los Montoneros.)
- “Bueno, vaya a saber qué culpa tiene él, yo no tengo ninguna. Nunca estuve de acuerdo con aquella frase que se dijo tantas veces de que ‘se murieron los mejores’. Se murieron los que tuvieron mala suerte, o lo que fuera. Seguramente en algunas cosas eran mejores que el resto y en otras peores, pero como individuos no eran una categoría, ‘los mejores’. Eran gente como vos, como yo. Algunos, ya te digo, tuvieron menos suerte, menos imaginación para pensar una vida que no fuera la que estaban haciendo, o tuvieron más empecinamiento para seguir adelante con algo que ya no parecía viable. Yo no tengo ninguna culpa por eso, lo siento si Bonasso la tiene.” (A propósito de la frase que Miguel Bonasso escribe en Diario de un clandestino: ‘El diálogo del sobreviviente será siempre un diálogo de culpa con los compañeros desaparecidos’.)
- “Volví a contactarme con Montoneros en la segunda parte del ‘76. Estuve un tiempo más con ellos, pero me daba mucha vergüenza las cosas que leía en documentos que decía Firmenich, en documentos que yo mismo a veces tenía que traducir. Cuando hablaba de los hombres y las mujeres que estaban matando en la Argentina y los contaba como bajas lógicas que estaban dentro de lo calculado, y que no eran más de las que se preveían.” (Sobre su exilio en Francia, donde se doctoró en Historia en la Sorbona.)

EN EL NOMBRE DEL PADRE
Los tres tomos de La voluntad fueron editados inicialmente entre 1997 y 1998; este año hubo un relanzamiento en una caja de cinco tomos en tamaño bolsillo. En el medio, –“lo que me interesa es básicamente el presente y el futuro”- la huída de Fernando de la Rúa y la llegada al poder oportuna del aparato bonaerense, ganador del campeonato de medición de pijas del Partido Justicialista, motivaron a Caparrós a elaborar Qué país, un libro que resume el pensamiento de los actores sociales pos diciembre 2001. Cinco años después, es tiempo de análisis: “Lo que constato es que volvimos a algo muy parecido a lo anterior. Lo más interesante de lo que pasó en 2001, 2002, fue que los argentinos dejamos de creer en que había que esperar a que papá político o papá periodista, o papá juez, hiciera las cosas, y que las cosas teníamos que hacerlas nosotros. Durante unos meses se produjo esa ebullición de cómo lograrlo sin esas mediaciones paternales. Pero como me parece que somos impacientes y caprichosos, al cabo de seis meses decidimos que no podíamos hacer nada, y se plantó ahí en los televisores la figura de un papá potable, que es este muchacho Kirchner, y rápidamente dijimos ‘qué suerte, papá volvió a casa’, y entonces ahora estamos otra vez en la misma situación que estábamos en 2000 cuando creíamos que se iban a hacer los deberes por nosotros. Papá siempre hace los deberes que le convienen a él, no a nosotros, tiene sus objetivos e intereses y va a trabajar en pos de ellos. Me parece que si hay algo que es interesante en esta época de desconcierto es que nadie cree en las soluciones políticas tradicionales, ya sean de los partidos políticos llamados burgueses o revolucionarios. Pero de ese descreimiento van a salir otras salidas. Cuando ciertas fórmulas no satisfacen a determinado número de personas, de a poco se van construyendo las nuevas que van a ocupar su lugar. Por supuesto que ahora no sabemos cómo van a ser esas fórmulas, pero lo interesante es justamente estar en ese período de incertidumbre y de búsqueda”.

EL AGUJERO INTERIOR
En agosto está planificada la salida del nuevo libro de Martín Caparrós, Interior, que contiene crónicas de viajes que hizo por la Argentina. El mismo día que se hizo esta entrevista, Caparrós le dio el último retoque antes de enviarlo a su editorial. “Me gustó mucho hacerlo. Escuché, estuve en lugares que me llamaron la atención. Era la primera vez que recorría el interior, hice como 30 mil kilómetros solo con el auto.”

- ¿Cuántas Argentinas descubriste?
- Infinitas. Es curioso, porque entre Misiones y Mendoza, entre Jujuy y Santa Fe hay diferencias inmensas, pero al mismo tiempo hablamos el mismo idioma, gritamos los mismos goles, sufrimos y hacemos como que elegimos los mismos jefes. Hay lugares del interior que son absolutamente insólitos, y que al mismo tiempo tienen esas cercanías. Somos víctimas de las mismas crisis y de las mismas traiciones.

- ¿Todo el viaje fue planificado con anterioridad?
- Tenía ideas, un diagrama general. Por ejemplo, sabía que al Litoral lo iba a subir por el Uruguay y bajar por el Paraná. Pero después los lugares que más me impresionaron del Litoral no sabía que existían. A la etapa siguiente fui a Mercedes, lugar de origen del Gauchito Gil, y conocí a un tipo que me invitó a un campo donde producían ganado y me interesó mucho saber cómo era el trabajo de producir carne. Y después seguí y todo el tiempo estaba descubriendo cosas. Por supuesto que algo tenía previsto y algunas veces lo encontraba y a veces no. Pero eso era lo fascinante: tener el bolso en el baúl, y tener un mes por delante para ver qué pasa, porque muchas veces no sabía adónde iba a dormir esa noche.

- Por último, ¿corriste peligro en algunos lugares o con entrevistados?
- No hubo mucho de que tener miedo, quiero decir: por más pesada que sea la situación, en general cuando uno charla con alguien es porque el otro quiere charlar, sino no sucede. Quizás el otro se pone a charlar con la persona equivocada, o en el medio se da cuenta de que metió la pata… yo siempre me pregunto porqué carajo alguien quiere dar una entrevista, en realidad es un delirio, es entregarse de pies y manos atadas a otros que van a hacer con tus palabras lo que se les cante, en este caso con las mías (risas).

Rosario Bléfari

2006-07-25T21:19:00.000-03:00

Por Matías Castañeda

La ‘art minipimer’ tiene un nuevo disco en la calle, la excusa perfecta para hablar de, obvio, Suárez, para recordar cuando junto con ese grupo fue intérprete sesionista para la banda de sonido de una película de Martín Rejtman, y para abordar su habilidad en las más variadas disciplinas artísticas. Querida por muchos; intrascendente para el resto, que ni saben ni quién es, con ustedes Rosario Bléfari, el elemento, la mota flotando, la que escudriña bajo el paraguas el misterio del relámpago.

A Javier no lo convence del todo el cine argentino que se le atreve a la marginalidad. Pizza, birra y faso le pareció valiosa, Mundo grúa innovadora. Pero no terminaron de convencerlo. Por otro lado el cine comercial hace agua desde la hiperpromocionada La Furia, o se queda a mitad de camino con la buena promesa de El mismo amor, la misma lluvia. “Suerte que está Martín Rejtman”, piensa Javier.
Rapado y Silvia Prieto fueron una miscelánea perfecta para la generación que creció con Menem, películas que hablaban de todo, hablando de nada. Una buena captura de lo que era la adolescencia por aquellos tempranos noventas: algo superficial, en la búsqueda de mil cosas y de nada, absurda, casi siempre trágica, muchas veces atolondrada, sin finales felices, sin finales tristes, sin futuro.
Javier tiene 17 años. Le llama la atención lo que está pasando dentro del rock, algunos le dicen alternativo a eso. Hay bandas que le gustan: Juana La Loca, Babasonicos, Los Brujos, pero les falta algo de sustancia dicha, de crítica manifiesta, de inconformismo subrayado. Del otro lado, hay bandas que lo hacen, sí, pero sin todo lo que rescata la movida sónica. Les falta glamour, no se cree –nunca se creyó- eso de que el que está arriba es igual a mí, les falta arte que sustente tanta rabia. “Suerte que –piensa Javier- está Suárez.”
No eran del todo estetas, no eran casi nada protestones; Suárez tenía la famosa actitud. Adalides del low-fi –esa corriente que decía menos tecnología es más-, tapas horrendas, casi sin videoclips, con canciones lindas detrás de cortinas de sonidos, con una voz aniñada tras un enjambre de ecos.
Siempre hizo cosas atípicas en las dos expresiones artísticas más populares: el cine y la música. Rosario Bléfari estuvo parada en ambos atolones del mar de las artes. Siempre muy querida y admirada por pocos e intrascendente para el resto. La actriz esdrújula; la indiscreción peor guardada del rock.

JAVIERES
La mezcla perfecta de lo musical y lo fílmico se dio en aquella primera película de Rejtman, Rapado -filmada en 1992 y estrenada en 1996-, en la que Suárez hacía de Estrella Roja, una banda ficcional que interpretaba la canción emblema de la película que cambió el panorama del cine argentino. “Para nosotros siempre fue el tema en el que actuábamos de Estrella Roja –cuenta Rosario-, no éramos Suárez. Hicimos de músicos sesionistas que trabajaron para hacer de Estrella Roja. Ese tema lo hice con Gonzalo (Córdoba) y Fabio (Suárez) especialmente para la película. Jamás lo tocamos en vivo. Actuábamos en ese tema. Porque Martín (Rejtman) nos decía: ‘Así, asá…’ ¡Re obsesivo! Es más, hicimos una versión, la grabamos, y vino y nos dijo que quería que modificáramos unas cosas. ‘En el estribillo, no sé qué, no sé cuánto.’ Pero eran cosas que se las toleramos por la amistad. Entonces salió y nos dijo: ‘Ahora sí valió la pena’. La verdad, nosotros nunca nos dimos mucho cuenta qué era esa cosa… ¿una variación?”
El Javier anterior es seguramente muchos chicos de aquella época, es acaso un Javier colectivo. Pero podría ser también Javier Marta, el flamante guitarrista de la ahora solista Rosario Bléfari, quien, en uno de los últimos ensayos le propuso a ella: “‘El tema ese, el de Estrella Roja, ¿por qué no lo tocamos?, ¿lo tocaste alguna vez?’ –cuenta Rosario y responde lo que respondió- ¡No!”. Ese no es en realidad dos veces no; es el no de no, no lo toqué nunca, y el no de no, no te lo puedo creer, según cuenta Rosario, que sigue contando la influencia del nuevo guitarrista en su periplo revisionista: “Volver a tocar temas de Suárez en vivo empezó con Javier también, antes no me hacía mucha gracia. Decía: ‘¿Para qué?’, me parecía muy reciente, como si fuera un pulóver que lo usaste mucho, mucho, mucho. Pero hasta ayer. Tenés que esperar a que pase toda la vuelta extraña y ahí decís: ‘Mirá este pulóver, ¿te acordás?’. Él, discretamente, me decía: ‘¿Y este tema?, alguna vez me gustaría que lo toquemos’; y yo pensaba ‘mmm’”.

REJTMAN
Rosario Bléfari es, antes que nada, de profesión, música. Sin embargo su facilidad para manifestarse le permitió destacarse en disciplinas variopintas. En el cine no sólo sumó la canción a Rapado, también tuvo una fugaz participación en esa película. Y, como si fuera poco, protagonizó Silvia Prieto, es decir, fue Silvia Prieto, en el segundo opus del director. Además escribió y dirigió junto a Susana Pampín la obra de teatro ¿Somos nuestros genes? Ensayo de divulgación científica; es periodista (participa asiduamente en el suplemento Las/12 de Página 12); artista plástica; profesora del Centro Cultural Rojas; y poeta -con un libro editado y agotado (Poemas en prosa) y otro terminado pero que aún no publicó-. “Hay que saber hacer muchas cosas en la vida para poder sobrevivir. Uno no dice, ‘voy a hacer una obra de teatro, con esto daré un golpe’. Porque ni ahí, no sólo porque no soy ingenua sino porque ni se me ocurre”, cuenta Rosario sobre su habilidad camaleónica y puntualiza sobre su parte escritora: “Empecé a escribir para sentirme acompañada, desde chica escribo una especie de diario constante: reflexiones del día, crónicas de la vida cotidiana”.

SUÁREZ
“Dicen que era importante, dicen eso. No me doy cuenta de lo que fue Suárez, no lo puedo ver, no me da el tiro de la mirada. Es como tener algo acá –se señala la nuca-. Y no, por más que me lo digan, no lo puedo ver. No sé, lo puedo ver sólo si uso dos espejos. Pero ya no es real. Es fácil inventar, es fácil decir: ‘Sí, yo creo que Suárez se creó en base a la libertad del dadadá, pero la verdad… uno no puede darse cuenta de lo que fue parte.”
Rosario Bléfari acaba de lanzar en estos días su tercer disco solista, Misterio relámpago (ver: La mota…) que recrudece al pop almibarado de su disco anterior Estaciones, pero sin llegar al EP experimental Cara, editado apenas separada de la banda. Antes de ello, Suárez se había tomado todo el trabajo de revolucionar la escena de aquellos noventas con guitarras distorsionadas y capas y capas y capas de sonido, desde donde germinaban bellas melodías escondidas. En su primer disco, Hora de no ver, por ejemplo, estaba Morirían. “Es un temazo. Lo pasás por la radio, lo pasás todos los días y con la cuestión de la repetición… ahí tenés un hit. Sí, había ruidos, pero eran momentos, pasajes, había muchas canciones también, que te las pasan y las cantás: que te queda una melodía.” Más adelante llegarían los más experimentales y recomendables Horrible y Galope para desencadenar en el pop más amigable de Excursiones y su exquisita despedida, el EP tributo a los ibéricos Le Mans 29:09:00, que incluye Un rayo se sol, una canción que recuerda la obsesión de la Silvia Prieto personaje que encarnaba Rosario, que contaba cuántas lágrimas y cortados servía durante cada jornada como camarera. Rosario canturrea: Otra vez en el bar todo el día sirviendo vasos y café. El tema cierra el disco, es el último registro de la banda (y le pone un moño a esa etapa). Ella canta como una nena que siempre está por desafinar, a veces parece, incluso, desafinar.

ESPIANDO, BAJO EL PARAGUAS
La entrevista se da en el lugar menos esperado, de acuerdo a lo que se espera de una artista femenina ligada al pop. Rosario cita en un bar notable de la Ciudad de Buenos Aires, en pleno Almagro –Guardia Vieja y Billinghurst-, a metros del Abasto. El lugar se llama El banderín, en sus paredes se lucen insignias de clubes futboleros -desde Deportivo Táchira hasta el Bayer Leverkusen-. De fondo, Deco le da el primer gol a Portugal frente a su ex colonia y actual víctima deportiva: Angola. El comentario del periodista deportivo de turno se tropieza con Tal vez será su voz en la voz de Alberto Marino, que suena de fondo. Rosario explica en ese marco que para ella siempre es empezar en todo y que todos tenemos idea acerca de casi todas las cosas. Se pone medio metafísica. Lo baja, pone como ejemplo dibujar viñetas. “La idea de la historieta, de los cuadraditos, de qué pasa en una historia, de que se termina con un remate. Lo sabemos todos, eso está en cada uno, por más que no las hayas dibujado nunca antes. Después, es cuestión de darle al tema, de fallar, de hacer otra, hacer varias, equivocarte, esta no me gusta, esta sí… De lo que sale espontáneamente, después tenés que trabajar con conciencia, observando qué propone esa primera tirada de dados… qué pasó con ese material orgánico. Es ridículo pero es como si fuera hacer un árbol, te da ramas. ¿Qué salió? ¿Una conífera? ¡Una conífera! Bueno, entonces, la puntita la podría resaltar un poco más.”
Hace frío, está por llover, llovió toda la noche. Rosario se pone el piloto, abre el paraguas, se abrocha bajo el mentón un sombrerito a là Chavo del 8. Como una espía en la tormenta mezcla sus dos pasiones, esas que le enseñaron al Javier global que había otro camino: “El que escribe canciones es un poco un cineasta, es un poco un actor. Cuando usás imágenes, todo es un poco cinematográfico”.

LA MOTA VOLVIÓ A FLOTAR

“El nombre es Misterio relámpago. Algunos temas ya los venía tocando. Es más rápido. Es más eléctrico. Es más guitarras. Es más rock también. Son canciones. Pienso que busqué algo del pasado y doy algo nuevo, una especie de bucle. En este caso también hay toda una recuperación de algunas cosas de Suárez tal vez. No tanto en la canción sino en la banda, en la forma de tocar. Antes tocaba María Ezquiaga y ahora la banda sigue igual pero en la guitarra está Javier (Marta). María tocaba en muchas partes y no podía seguir. Él era alumno mío, de casualidad escuché algunas cosas y empezamos a tocar algunas canciones de Estaciones y un tema nuevo que pensé que lo podía tocar bien. Y fue quedando. Lo produje junto a Inés (Laurencena), la baterista de She Devils. Grabé los demos en mi casa. Ahora terminamos de ubicarnos como banda, incluso Diego Vainer, que produjo Estaciones, en el último show que nos fue a ver, que tocaba Javier, me dijo que era la primera vez que él veía que podía dar un paso atrás. De hecho, lo hice físicamente en un momento en el que la banda estaba improvisando. Eso lo hacía mucho con Suárez, correrme, ser un elemento, una mota de polvo flotando, eso no lo podía volver a hacer, ahora sí.”

Payaso "Mala Onda"

2006-07-25T21:15:00.000-03:00

Por Milena Marcovecchio

Fue parte de las primeras cámaras ocultas de ‘VideoMatch’, después con el ‘Mariachi Loco’, junto a Miguel del Sel, conoció la popularidad. Hoy tiene dos obras de teatro en cartelera y es parte de la ‘troupe’ que todas las mañanas, pogo mediante, divierte al público, por Canal 13 con su payaso ‘Mala Onda’. Con ustedes: Marcos ‘Bicho’ Gómez.

1) ¿Cómo llegaste a la actuación?
- Nací y me críe en un circo. Soy cuarta generación de familia circense.

2) ¿Estudiaste actuación o tu escuela viene de ahí?
- No, todo viene del circo. Después formé parte de La Banda de la risa y eso fue como mi escuela.

3) ¿Por qué teatro para chicos?
- Me gusta, casi todos los años hago cosas para chicos, me divierto. En los espectáculos trato de ponerme a la par de ellos. Hago chiste para pibes, para grandes, para toda la familia. Es una buena devolución cuando no solamente haces reír al chico, sino también al grande que lo trae al teatro y que no tiene porque pasarla mal.

4) ¿Tenés hijos?
- Tengo una nena de nueve años.

5) ¿Tomaste cosas de ella para crear al payaso?
- Sí, el tema de los caprichos, eso de: ¡Comprame, comprame!. Me fijo mucho como reacciona.

6) ¿Cómo surgió Mala Onda?
- Fue una idea de Jorge Guinzburg. Cuando arrancó Mañanas informales me llamó un día y me dijo: Mirá, tengo un personaje para vos, quiero que hagas un payaso, pero no el payaso típico de la televisión. Él quería que fuera reo, atorrante, vago, y enseguida me encantó.

7) Empezó con poco protagonismo, pero después fue ganándose espacio, ¿no?
- Lo que pasa es que el programa no deja de ser un informativo que te actualiza de otra manera, y apareció éste payaso ahí, medio como a interrumpir, y Jorge me dio la libertad para que hiciera lo que quisiera. Sé hasta dónde puedo llegar y él también sabe todo lo que puedo dar. Entonces, al darle esa libertad al personaje, fue creciendo sin perderse el eje del programa.

8) ¿Podemos decir que con Marcelo Tinelli empezaste a ser más conocido?
- Lo que pasa es que con Tinelli estaba en un programa muy masivo, el que está ahí se hace popular al otro día. También me dio mucha popularidad el Mariachi Loco que hacía con Miguel del Sel, ese fue un personaje muy importante. Después estuve en el programa de Marley, hice diferentes bolos, hasta que arranqué con Mañanas informales.

9) ¿Cuál es el límite para el humor dentro del programa?
- Hay informaciones en las que uno se puede meter, joder y hacer chistes, y hay otras en las que no. Por ejemplo, si viene al piso un familiar de alguien que falleció, o si se hace una nota de alguna violación, temas así de grossos, no. Digamos que en las notas periodísticas con actores sí tenemos permiso para pasarla bien.

10) ¿Tuviste alguna situación en la que hiciste una broma y no cayó muy bien?
- ¡Uy!, varias. En muchas me di cuenta solo y en otras me agarró Jorge y me dijo: Te fuiste al carajo, esto no lo hagas más. No me acuerdo ahora ninguna puntual, pero de pronto pasó que él estaba haciendo una nota y nosotros empezamos a tentarnos con lo que estaba pasando y era inevitable. Digamos que somos un grupo muy rebelde (risas).

11) ¿Cómo es tu relación con Jorge?
- Muy difícil, muy difícil... No, a Jorge lo conozco desde hace mucho tiempo, van tres años que vengo laburando con él en Un país de revista. Compartimos el escenario, nos cagamos de risa, lo pasamos bien. Yo trato siempre de hacerme compañero de la gente con la que trabajo para poder tener la confianza de laburar tranquilo e improvisar sin que nadie se moleste.

12) Mala Onda siempre está de buen humor y contando chistes, ¿Marcos Gómez también?
- Sí, soy igual.

13) ¿Y qué te enoja?
- No sé, las boludeces que le joden a todo el mundo, la calle, el tránsito. Me tienen que agarrar muy mal cruzado para que explote. Pero soy de esos tipos que tratan de encontrarle el humor a las cosas más terribles, hay gente que me entiende y otras que no. Y bueno, es mi manera de ser.

14) Estás en dos obras muy diferentes, por un lado: Un País de Revista, para adultos, y por otro, Vacaciones con Mala Onda, para chicos. ¿Cómo es esta dicotomía?
- Yo tengo un tipo de humor que lo puedo usar tanto en la revista como con los chicos. No es que en el espectáculo para grandes me vuelvo grosero, no, nada de eso. Trato de tener mi propio humor, por ahí con un poco más de doble sentido.

15) Tenés un año de mucho trabajo: teatro, Mañanas Informales, Estilo K, con Diego Korol en el cable, en el verano estuviste haciendo la temporada en Carlos Paz. ¿Cómo te llevas con la popularidad?
- Me encanta, tampoco es que la compro. Me gusta que la gente me reconozca por mi laburo, que en definitiva lo único que hago es eso, trabajar para poder pasarla bien y tratar de divertir al público. Eso esta buenísimo, es lo mejor que le puede pasar a uno. Pero no compro que estoy surfeando en el tsunami, no. Sé que mañana me puedo quedar sin laburo.

16) Hiciste la Era del pingüino en Córdoba y ganaste en el 2004 el premio Carlos como figura de atracción masculina, ¿qué sentiste?
- La Era del Pingüino fue la primera revista que hice con Jorge. Sí, gané un premio: mi mujer, si vos a eso le llamas un premio (risas).

17) ¿De chiquito cómo eras?
- Un culo con hormigas. Era un famoso hincha pelotas.

18) ¿Cuál fue la macana más grande que hiciste?
- No sé, varias. En el circo, por ejemplo, agarraba a los animales y los ponía a hacer cosas, los quería adiestrar, subirme a los caballos que utilizaban en los números e irme por ahí. No sé, esas boludeces que hace cualquier chico normal, jugar con monos, elefantes (risas).

19) ¿Cómo era tu vida en el circo?
- A la distancia la recuerdo con mucho cariño, con una infancia muy distinta a la de cualquier persona, pero que para los chicos del circo era normal. Estar al lado de los elefantes, de los monos, de las jirafas era lo más normal del mundo.

20) ¿Y con el colegio cómo hacías?
- Todas las semanas iba a uno distinto, dependía de lo que se quedaba el circo en el lugar. Pedía un pase el viernes cuando terminaba la semana, el domingo mi viejo hacía la última función y viajaba toda la noche para llegar a la mañana a otra ciudad, y ahí iba a otro colegio.

21) En todos estos años de trabajo, ¿qué fue lo que más te sorprendió haber logrado?
- Mi sueño era esto, poder vivir bien de lo que hago. Eso me pone contento, es muy difícil vivir de lo que uno quiere y más en este tema de la actuación.

22) ¿Y qué te falta?
- Uno siempre aspira a crecer, me gustaría hacer un programa con sketches de comedia, uno netamente humorístico, como los de Olmedo o Porcel.

Juan Martín "Látigo" Coggi

2006-07-25T21:12:00.000-03:00

Por Ariel Jonte

El tres veces Campeón del Mundo hace un repaso de su vida boxística. La humilde adolescencia, la gloria, el intento de secuestro de uno de sus hijos y la sensación amarga de estar debajo de un ring después de 21 años de carrera.

Un nuevo paro de transportes públicos atormentaba a la cuidad. Aquella vez, la mayoría de las líneas de colectivos sólo cumplían con el servicio mínimo, y las calles de Buenos Aires se veían inundadas por miles de pasajeros a la deriva. Todos los medios salieron a cubrir el caos.
Constitución, ese punto de referencia para una gran masa de personas que llega a la Capital desde distintos puntos de la provincia, fue testigo de uno de los pecados que seguramente el pecador no supo que lo estaba cometiendo. La parada estaba repleta de gente esperando a que el bondi se acercara tras una larga espera, para ponerlos en sus destinos. La periodista se acercaba preguntando cómo repercutía en ellos la decisión que había tomado el gremio de transportes.
Pero había alguien, entre todos los que estaban allí, que pasaba desapercibido. Alguien que respondió al pedido de la movilera y, con una tenue sonrisa, se subió al colectivo. De repente la conductora del noticiero esgrimió: “Es Coggi, fijate si te podés subir al micro”. Fue inútil. El chofer ya había puesto primera.
“Ese día me llamó mi mujer al celular para decirme que me estaba siguiendo una mina. Me asusté porque ella estaba en Quilmes y yo en Constitución. ¿A esta loca qué le pasa? Cuando me di vuelta vi la cámara. Pobre piba, la mataron y no tenía porqué conocerme. ¿Quién puede pensar que alguien que fue Campeón del Mundo puede viajar en colectivo?”
La sonrisa que aquella vez fue tímida, ilumina la cara de Juan Martín Látigo Coggi -triple Corona Mundial de la categoría Welter Juniors- al recordar la anécdota en un
café del centro porteño, tras culminar otra jornada como entrenador de boxeadores.
El 29 de mayo de 1999 sus oídos escucharon, por última vez arriba de un ring, los campanazos que marcaron el final de la pelea. Caía por puntos ante el italiano Michele Piccirillo. El título Welter de la Unión Mundial de Boxeo no quedaba a su nombre pero Látigo conseguía lo que ningún boxeador argentino había logrado hasta el momento: la disputa de 17 peleas en campeonatos mundiales.
El golpe fue, y todavía hoy lo es, más fuerte que aquellos que propició a sus rivales para conseguir los objetivos: “Todavía no pude superar el retiro. Son las cuatro de la mañana y camino por mi casa. Uno vive con la adrenalina a mil por hora, y de golpe te la bajan a cero. Te dicen que te jubilaste”. La mente a veces juega imágenes siniestras. La vida, si
bien continúa, parece anteponer sobre el presente aquello que alguna vez fue. Una infancia humilde y dura en Brandsen, que le cargó a cuestas una mochila de responsabilidades tras la muerte de su padre. Y la perseverancia para entrenar y poder salir a flote del lodo que lleva a desear que salga el sol para no sentir el frío de la noche. Un chasquido y todo se da vueltas.
Ya no hay carros en el campo ni vacas que ordeñar. Si bien queda el recuerdo, la cabeza está en ese rival que lo espera en Ribera o en Miami. La cima, a tan sólo un par de rounds. Y el nombre en lo más alto. De golpe un chasquido y todo se da vueltas. “No encuentro mi lugar. Si bien ahora enseño boxeo, la adrenalina la sienten ellos, los que están arriba del ring.”
La decisión no fue fácil. Ser entrenador es, en parte, ser dueño del destino del púgil. Boxeando la mente le ordenaba que sólo debía rendirse si el rival lo mataba, quizás Santos Zacarías o Ubaldo Sacco –los dos entrenadores más extraordinarios que tuvo- debieron contener alguna vez esa sensación cuando el campeón no aceptaba el pedido de parar la pelea.
Ahora es él quien está al costado del ring observando. Conoce muy bien el riesgo de esta profesión: “Ahora puedo expresar lo que aprendí. Es una decisión jodida porque no puedo devolver un pedazo de carne”. Ahora es él, también, quien está al costado del ring, y no el que lloraba al finalizar cada pelea.
¿Quién no recuerda a aquel pibe de larga cabellera rubia que tras finalizar cada velada subía al escenario a abrazar a su padre? Ese pibe lleva el mismo nombre de quien le dio la vida. Ese pibe quiere dejar la misma impronta que su padre. Lleva un invicto de siete peleas profesionales de las cuales noqueó en cinco, y ahora es Látigo quien sube a abrazarlo al finalizar cada pelea. “El guacho me traicionó como sirvienta. Me decía que no iba a boxear y después me enteré que tenía como sparring a Oscar López. Empecé a enseñar boxeo por él.” No lo culpa por la elección, sabe que aquel silencio piadoso fue obligado por la fuerte figura que él representa como padre.

GOLPES BAJOS
Látigo Coggi no fue de esa clase de boxeadores que desperdició su dinero. Supo invertirlo en propiedades, empresas y el campo. Lo que no sabía es que muchos invertían en él. La seguridad se hace plena para desmentir algunos rumores del mundo boxístico que aseguran que El Negro Rivero, quien formó parte del cuerpo técnico que lo entrenaba, le cagó plata.
“Él no fue. Rivero es un hermano que yo elegí. Fueron amigos a los que les di laburo en la empresa de camiones que tenía y que después me hicieron juicios.” Pero no sólo fueron sus amigos a los que él les atribuye la perdida de dinero: “El gobierno de Eduardo Duhalde me cagó. No me pagó la pelea con Frankie Randall que armó, y me hizo rebotar cinco cheques en Brandsen. Me metió en el veraz”.
Las vueltas que la cuchara da en la taza de café no paran al recordar cómo es que “no te dejan ser alguien sobresaliente en la Argentina”. De repente la mirada se fija en un punto y su mano deja de marear la infusión.
“Tuve un intento de secuestro de mi hijo Martín. Vendí todo y presenté la quiebra porque no hay plata en el mundo que pague la vida de ellos-también tiene una hija-. Uno de los secuestradores se arrepintió porque nos conocía, y no le hubiese quedado otra que asesinarlo. Después a él lo mataron en el barrio Churrascos de La Plata. Estuve un año y dos meses custodiado por cuatro tipos, y un mes guardado en Chapadmalal. Están las pruebas pero no se pudo hacer nada porque, gracias a Dios, el secuestro no se llevó a cabo.”

EL MEJOR TÍTULO
Creció padeciendo la rudeza de la calle. Esa que te lleva a retener un llanto para no sentir vergüenza. Se formó ignorando el dolor en su cuerpo ante cada entrenamiento.
Pudo “ser alguien y dejar de ser visto como un negrito” por un sector de la sociedad mejor posicionada. Ascender. Tener un nombre.
Pelear en otras provincias y transformarse en el representante de Brandsen. Boxear en el extranjero y ser el embajador argentino. Cantar el himno y “jurar sinceramente que vas a morir con gloria porque hay millones de argentinos que te están mirando”. El cinturón de Campeón Mundial entre las manos.
La fama, los flashes y las mujeres. Esas que jamás imaginó y que de un día para el otro lo convirtieron en “el más lindo con toda la cara hinchada”. La familia cerca en cada gira. Y buenas valijas llenas de dólares.
Los pies sobre la tierra aún siendo campeón. Aunque se embarren los pies: “Durante dos mañanas no salí a entrenar porque estaba lloviendo. Me puse a pensar que era un
pelotudo. Tenía ropa que me patrocinaba y un equipo médico detrás de mí, y me estaba quedando en mi casa. A los 13 años no tenía ropa de lluvia. Andaba con las zapatillas que regalaba Evita y si me enfermaba no tenía ni para una aspirina. Salí a correr. Me di cuenta de que todo se gana con esfuerzo”.
Ese fue Látigo, el que no se mareó con la fama.
Este es Coggí, el que nunca se olvidó quién fue. El que retuvo y defendió seis veces la Corona Mundial en un mismo año. El que se está yendo, perdiéndose entre la gente, para tomar el colectivo.

Modelismo espacial

2006-07-25T21:09:00.000-03:00

Por Liliana Arguiz

Reflotado a partir de 2001, el modelismo espacial reúne a fanáticos, tanto experimentados como amateurs. Se trata de un pasatiempo extremo que día a día gana más adeptos, y que mensualmente se reúnen para participar de las competencias y disfrutar de los lanzamientos.

El lugar está totalmente descampado, no hay árboles ni otro tipo de reparos, sólo gazebos armados por los propios organizadores de la exhibición. Un autódromo de tierra para carreras zonales, ubicado en San Vicente, es la plataforma perfecta para ver en acción a los cohetes que hasta ahora sólo eran maquetas inanimadas.
El comentario generalizado esta centrado en la buena voluntad de San Pedro, que permitió un domingo soleado pese a que el servicio meteorológico había pronosticado un día nublado y con probabilidades de lluvia.
Cientos de chicos acompañados por sus padres exhiben orgullosos, a modo de estandarte, los cohetes que con mucho esfuerzo construyeron. Es como si en cada uno de ellos hubiera un Capitán Beto a punto de conquistar el espacio celeste con su aeronave.
“Si después de presenciar el lanzamiento de un cohete experimental no se te pone la piel de gallina y no querés repetir la experiencia, es porque no te corre sangre por las venas”, dice orgulloso Mario García, quien desde hace años es instructor de la Escuela Argentina de Modelismo Espacial Cóndor, y enseña este hobby en varios colegios de la zona sur de Buenos Aires como taller extra programático.

UN POCO DE HISTORIA
El modelismo espacial, denominación exacta del término cohetería, empezó a practicarse a principios de los setentas por iniciativa de un grupo de jóvenes en la localidad de Banfield. Así se creó el Grupo Astromodelista del Buen Pastor, que constituyó su sede en las instalaciones de la capilla que le dio el nombre. Con el apoyo de la Dirección de Fomento y Habilitación de la Fuerza Aérea Argentina se formó el Centro Escuela de Modelismo Espacial del Buen Pastor.
A fines de los ochentas, la cohetería amateur dejó de practicarse hasta casi desaparecer. Una de las causas fue la imposibilidad de importar los insumos después de la crisis. El mérito de su renacimiento lo tiene Cóndor Tec, que a partir del 2001 se dedicó a desarrollar los motores que son el corazón de la actividad. Con la creación de la escuela, la actividad se expandió rápidamente y empezó la formación de los instructores que actualmente dictan los cursos en distintos colegios, y organizan competencias deportivas una vez al mes. En estos encuentros participan dos categorías, una es la Junior, para menores de 18 años, y la otra es la Senior, para mayores de esa edad.
En estos concursos se entregan premios y se suman puntos como en la Fórmula 1 para definir los campeones metropolitanos a fin de año. A modo de ejemplo, Mario explica: “Para que tengas una idea, en el último evento de la categoría Senior se tenía que utilizar un cohete que trasportara un huevo de gallina a casi 450 metros de altura. El mismo debía ser recuperado intacto, y ganaba quien lograra mantener por más tiempo su cohete en vuelo”.
La Asociación de Cohetería Experimental y Modelista Argentina colabora permanentemente en todas las actividades relacionadas con el aeromodelismo espacial. Guillermo Descalzo, presidente de la institución, brinda información permanente acerca de las exhibiciones, exposiciones y lanzamientos de modelos a través de su página web. Además es el autor del libro Cohetes, que hasta el momento es la única bibliografía que existe sobre el tema en castellano.

MUCHO MÁS QUE UN HOBBY
Después de los primeros lanzamientos libres y de concurso, a la una de la tarde se produce un receso obligado para el almuerzo. Más distendido, y choripán de por medio, Mario García cuenta que aprendió los gajes de la cohetería en la escuela primaria. Y aunque creyó que le serviría sólo para ocupar su tiempo de ocio, jamás pensó que iba a transformarse en su actividad principal, sobre todo desde que pasó a ser un desocupado más. Actualmente se desempeña como instructor de la escuela y reconoce que el modelismo espacial se convirtió en su gran pasión: “Si bien por el momento no puedo vivir solamente de esto, no descarto que en el futuro pueda lograrlo”. Hoy siente que este hobby-pasión lo ayudó a salir a flote y lo acercó más a sus hijos, los mellizos Ignacio y Agustín de 10 años, que comparten la actividad con su papá y hasta tienen sus propias creaciones y proyectos: planean hacer la réplica de un malogrado cohete que hizo Homero Simpson pero con el desafío de hacerlo volar.
“La cohetería tiene un doble beneficio para los chicos, ya que por un lado les ofrece la posibilidad de poder construir algo con sus propias manos y, además, agrega funcionalidad porque los modelos no son maquetas, pueden verlos en acción, y cualquier falla de diseño o construcción la ven reflejada en el vuelo”, explica sin dejar de prestar atención a los lanzamientos que acaban de reiniciarse y se suceden como fuegos artificiales en año nuevo.
Mario también sostiene que la cohetería acerca mucho a los hijos con los padres porque es una actividad que les permite compartir y divertirse juntos. Como si fuera poco, ayuda a sacar a los chicos de la virtualidad de los chats, los videojuegos, los celulares, y los lleva a un plano más tangible y real donde pueden ver cómo sin tanta tecnología, ellos mismos producen el milagro de hacer volar lo que hicieron con sus propias manos.

FINAL DE UN DÍA AGITADO
Caída la tarde y finalizados los lanzamientos llega el broche de oro: el sorteo entre los presentes de un kit de cohete para armar, que pone fin al concurso. Entonces, padres e hijos se retiran del predio. Algunos con la alegría de haber realizado un vuelo exitoso, otros con los restos de su prototipo pensando en las posibles fallas. Lo cierto es que en estas competencias no hay vencedores ni vencidos. En medio de la multitud un participante comenta, suspiro mediante, que el modelismo espacial es, paradójicamente, un cable a tierra pese a que su objetivo sea hacer todo lo posible para despegar del suelo.

Leandro Erlich

2006-07-25T21:06:00.000-03:00

Por Malena Higashi

Es artista plástico y triunfa desde hace años en Francia, Estados Unidos y Japón. Sus instalaciones replantean la funcionalidad de los espacios, e invitan al espectador a participar de ellas en un juego que finalmente siempre revela una sorpresa.

Hay varias realidades. La que efectivamente conocemos y, por ejemplo, la que propone con su obra el artista plástico Leandro Erlich. Allí uno puede meterse adentro de una pileta sin mojarse, perderse en el juego de una escalera que no baja ni sube, o tratar de encontrar su propio reflejo en un espejo inservible. Todas esas son situaciones que ocurren en los espacios que crea, un mundo regido por lo lúdico, la interacción y, como dirá él más tarde, la magia.
En las obras de Erlich se cuestiona la funcionalidad de objetos y espacios. “En el caso de los primeros objetos, un ascensor o puertas, por ejemplo, se trataba de espacios que hacían referencia a lugares que uno utiliza, en los que vive o transita, y con los que interactúa pero que no están cargados de ninguna especial reflexión. Entonces se trataba de acentuar la experiencia cotidiana en esos espacios. Por ser ordinarios, la idea de lo real se plasma en ellos de una manera muy fuerte”, explica.

TRUCO REVELADO
El contraste entre lo real y lo irreal genera cierta tensión que descoloca a aquel que ve su obra. Para el artista esta sensación se produce cuando se aplica un efecto de irrealidad en algo cotidiano. Él habla de la construcción de algo ficticio basándose en elementos de la cotidianeidad, y dice que eso genera sorpresa. En algún sentido Erlich es un trasgresor porque burla la percepción ordinaria de cosas que se dan por sentadas. Su juego consiste en quebrar la idea de la realidad tal como la entendemos.
No hay secretos detrás de su trabajo. “El truco está ahí para ser descubierto”, aclara. “Cuando mejor funciona el efecto en las obras es cuando uno puede convivir con esa ficción y al mismo tiempo estar sujeto a vivir en el engaño.” Enseguida compara su trabajo con el de un mago. Erlich dice que en su obra hay mucho de trucos de magia. Pero el anhelo para el mago es no revelar el truco, eso es lo que genera fascinación. En cambio en su obra, que el espectador tenga la posibilidad de entender el artificio, es una parte importante porque es la manera de abrir el juego.
A su vez, ese público supera la instancia de contemplación de una obra porque interactúa con ella. “La obra es prácticamente un escenario para un juego en donde el espectador es actor de su propia experiencia, es como si fuese al mismo tiempo actor, director, guionista, e intérprete de la obra”, sintetiza.
Erlich vuelve una y otra vez sobre el tema del truco a medida que reflexiona sobre su trabajo: “Más allá del artificio, la obra tiene que ver con la idea de disparar la interacción, de seducir al espectador. Me interesa ir encontrando ideas metafóricas que la gente pueda interpretar en su experiencia”. En ese sentido no busca dar su propia interpretación de lo que aquello genera. Respeta “el espacio del arte donde las cosas necesitan ser interpretadas”. Genera pequeños escenarios que tienen referencias simbólicas sobre aquello que le preocupa.

EL CAMINO DEL ARTISTA
Un día se le ocurrió. Era una obra imposible, un espejo líquido de mercurio. Pero al tratarse de una sustancia toxica y difícil de manejar tuvo que abandonar la idea. Otra fue un obelisco que iba a montarse en el barrio de La Boca, una iniciativa que surgió gracias a una beca de la Fundación Antorchas. Después de un año de entera dedicación, Erlich se dio cuenta de que sus intereses y su posición con respecto al arte habían cambiado completamente. Para esa época tenía 21 años y toda una trayectoria por delante.
Más allá de esos proyectos que no fueron, Erlich aclara que en el proceso de gestación de una obra siempre está considerada su posibilidad de realización. Y recuerda otro trabajo que, si bien parecía simple, le resultó complicado. Se llamó Piedras, y a primera vista recreaba un jardín zen. La particularidad: un hombre invisible violaba ese espacio caminando sobre esa superficie que, según la filosofía oriental, no se puede pisar. “Para esa obra hubo mucho trabajo, pero me pareció que si el hombre había llegado a la luna esto no podía ser imposible.” Y con esa insistencia generó un mecanismo en el cual cada huella tenía una cajita, que a su vez estaba activada por un comando que hacía que unos motores succionaran las piedritas hacia abajo.
Si hay algo que Erlich ve como determinante en su carrera es el hecho de haber crecido en una familia de arquitectos. “La arquitectura me resulta un tema interesante, pero no desde el punto de vista del diseño funcional, sino desde el punto de vista de las vivencias. Hay una parte artística y otra parte sujeta a lo funcional, y el arte es un lugar en donde esa funcionalidad deja de existir”, reflexiona.
A los 15 años ya había tomado una decisión: iba a ser artista. Estudió Bellas Artes durante un año y terminó dejando para hacer materias de Filosofía e Historia del Arte, en la Universidad de Buenos Aires. Todo eso fue un complemento para su actividad artística: primero empezó pintando, más tarde se interesó por la construcción de objetos y esculturas, hasta que hizo su primera instalación, El ascensor.

HERE, THERE AND EVERYWHERE
Casi no hay rastros de Erlich en galerías o exposiciones locales en los últimos años. Es que en 1997 se fue becado a Houston, y así dejó su Buenos Aires natal para repartir su tiempo entre Estados Unidos y Francia. Hoy tiene dos casas, una en París y la otra en Buenos Aires, a la que regresó después de mucho tiempo. “Estar acá no merece demasiada explicación, es de donde soy, donde está mi familia y donde imagino mi futuro más allá del arte”, comenta. En París, su otro hogar, fue muy bien recibido y de hecho está nominado para uno de los premios más importantes en el ámbito del arte, el Marcel Duchamp: “Esto da una pauta del nivel de inserción que llegué a tener allá, producto de la simpatía que generó mi obra”.
Hoy Erlich tiene 33 años y su nombre es bien conocido en territorio extranjero: Tokio, Nueva York y Roma son algunas de las ciudades que pisó fuerte. Arrancó el año con una muestra en el Museo de Arte Contemporáneo de Roma, y también participó de una exposición colectiva en el Palais de Tokyo de París. Para lo que resta del año tiene pautadas muestras en una trienal en Japón, durante julio, otra en Miami, en septiembre, y para octubre espera el veredicto del jurado de la Foire Internationale d' Art Contemporain (Feria Internacional de Arte Contemporáneo) en la que se otorga el premio Marcel Duchamp. ¿Cuáles son los nuevos trucos con los que sorprenderá esta vez? “¡Top secret!”, responde sin lugar a más detalles.

CURRÍCULUM EXPRES

En 2002, Leandro Erlich recibió el premio Konex a las artes visuales. El galardón contemplaba su trabajo durante una década, y para ese entonces ya había participado en más de tres muestras grupales, ocho individuales en galerías locales y también otras en Nueva York y París. El año pasado, en la 51° Bienal de Venecia, Erlich sorprendió con La vista, una serie de maquetas de ventanas a escala en las que se veían imágenes grabadas en formato devedé, que mostraban diferentes actividades dentro de un mismo edificio: en un piso había una persona haciendo pesas, en otro un artista, quizá, pintando un desnudo, y en otro un grupo de personas en una fiesta. Este año, en el Museo de Arte Contemporáneo de Roma presentó Doors –puertas por las que se entrevé una luz pero que al abrirlas se encuentra un espacio oscuro y vacío-, The staircase –la escalera que no sube ni baja-, y Broken mirror –un baño en el que se supone que debe haber un espejo justo arriba del lavatorio, pero en realidad hay un agujero-.

Arte Sin Techo

2006-07-25T20:58:00.000-03:00

Por Gabriel Pérez

Arte sin Techo es una cooperativa que en su comienzo pintaba murales públicos con gente excluida del sistema. Hoy además tiene diferentes talleres y programas cuya finalidad es la inclusión social mediante el descubrimiento artístico. Su creadora habla de este proyecto y sobre esos temas recurrentes de la historia.

Eufemismo. Situación de calle es un eufemismo en un país de eufemismos. Situación de calle es meter la mano en la mierda de los tachos de basura, es vivir como lobos, mirar los partidos de fútbol detrás de la vidriera, odiar al género humano, descubrir la mirada perversa de la existencia. Pero Felicitas Luisi no encuentra otra frase para referirse, sin herir, a los desamparados con los que trabaja en Arte sin Techo, una ONG que se dedicó, en un principio, a plasmar en murales públicos las ideas que surgieron de esas cabezas moldeadas en la congoja del asfalto. “Surgió espontáneamente: había un proyecto del Gobierno de la Ciudad, bastante estúpido, llamado Paredes limpias, que consistía simplemente en blanquear las paredes. Y como la gente después volvía a ensuciarlas pensé en que ahí se podían pintar murales. Entonces, con un conjunto de pintores profesionales, y con un grupo de personas en situación de calle, salimos a pintar murales. Después los volví a convocar, y el trato inicial era pintar a cambio de un baño y comida. Pero me di cuenta de que era indigno, y empecé a gestionar un plan de autoempleo con el Gobierno porteño. Luego de hacer exposiciones el proyecto empezó a exceder el marco estatal, y como no queríamos depender de los humores políticos decidimos crear esta cooperativa”, comenta.
Esa idea inicial se ramificó en varios trabajos que no dejan la expresión artística de lado, pero que tienen como meta la reinserción social. Así nacieron los talleres de luthería, carpintería, la imprenta que sirve para hacer tarjetas y agendas, y los programas de arteterapia, algo fundamental para Felicitas. “Es obligatorio el psicoanálisis. Los que llegan tienen entrevistas personales con nuestra psicóloga, y si ella lo considera necesario siguen una terapia individual. Al principio la mayoría se niega, porque muchos han pasado por psiquiatras que sólo los empastillaban. Pero es necesario, porque es difícil trabajar con ellos, vienen muy trampeados de la calle.” Para que reine la armonía hay un par de reglas estrictas: no se puede ingresar borracho ni drogado ni causar peleas.

TEMA RECURRENTE
Felicitas no tenía inclinaciones artísticas cuando decidió comenzar con Arte sin Techo, pero sintió que era la manera de llevar adelante esa transformación social que no pudo concretar en sus años de militancia en el ERP-PRT, aunque con los atenuantes que la dictadura, el menemismo y sus propios errores le impusieron. “Estuve presa, exiliada. Creo que estoy viva de casualidad, y como tengo muchos amigos que no lo están, tenemos el deber histórico de transmitir esa época. Ahora lo que pasa es que estamos de moda, ya que Néstor Kirchner toma este discurso porque le es funcional. Me fui en el ‘78, durante el Mundial, estuve en Barcelona, volví el 10 de diciembre de 1983, el día de la asunción de Alfonsín. Llegué y me fui a la Plaza de Mayo, fue muy fuerte. Vine a hacer duelos, vine a hacer encuentros y duelos. Esta época es producto de la derrota de mi generación. Porque la gente que tenía una fuerte militancia, que ahora podría estar haciendo políticas de Estado, la mayoría de ellos están muertos, desaparecidos. Hay un vacío de una generación que hoy tendría que estar en la función pública o en la militancia del día a día. Lo que pasa es que después de esa derrota es muy difícil remontar, yo ya renuncié a la lucha de clases. En los setentas quería hacer una revolución, ahora con que le cambie la vida a 40 linyeras estoy contenta.” Esta última idea es resumida con una imagen escalofriante que dice mucho sobre los pasados 30 años: “Donde ahora tengo un Movicom, antes tenía un revolver”.

ARTE VA
El futuro se llama Arte sin Rejas, una iniciativa en conjunto con un centro de estudiantes penitenciarios. En las cárceles se harán los bocetos a los que luego la gente de Arte sin Techo les dará vida. Mientras, todas las semanas se hacen los Viernes sin techo: encuentros artísticos en donde se pueden comprar algunas de las obras. Otro programa interesante es Sillas intervenidas, en donde un grupo de pintores reconocidos transforma muebles en obras de arte, que también están a la venta.
Arte sin Techo funciona en un galpón escondido entre Medrano y Díaz Vélez, y su frente da a un abismo en donde se ocultan las vías del Mitre. En su interior las obras de arte piden a gritos atención. Algunas son sutiles, paisajes solitarios, pero también hay una madre con miles de tetas y ningún brazo para contener, monstruos marinos que persiguen la inocencia de la presa. Sorprende en el patio un castillo de arena a medio hacer: está a la intemperie, en situación de calle, como su dueño, un hombre con los ojos más tristes del mundo. A Felicitas le preocupa que llueva. Pero él dice que es el único escultor de arena de Buenos Aires, que confíen en su palabra. A los minutos cae un chaparrón efímero y el castillo sigue de pie junto a su orgulloso creador. Una perfecta metáfora de la resistencia.

El Movimiento Krishna en Buenos Aires

2006-07-25T20:50:00.000-03:00

Por Malena Higashi

En Occidente el Movimiento Krishna llegó en los años sesentas, pero tiene sus raíces en la antigua literatura sánscrita y se remonta a miles de años atrás en la India. Historias de gente que se unió a esta religión con prácticas que parecen estar de moda, aunque con ser vegetariano, hacer yoga y llevar una vida sana no alcanza.

“Realmente quiero verte Señor, realmente quiero estar con vos, pero lleva tanto tiempo, mi dulce Señor”, escribió George Harrison en 1969, cuando compuso My sweet Lord. Harrison le cantaba a Krishna, el Dios de una religión que tiene cerca de 3 mil devotos, 200 mil miembros congregacionales y alrededor de 167 templos en 71 países. Unos años antes, en 1965, Srila Prabhupada había llegado a Nueva York con la misión de diseminar la conciencia krishna en Occidente. En Argentina hay dos templos de importancia, el de Iskcon (Sociedad Internacional para la Conciencia de Krishna) y el de Vrinda.

FILOSOFÍA KRISHNA
“Prohibido comer carne, huevos y pescado, consumir drogas o tabaco. Prohibido tener una vida sexual ilícita o participar en juegos de azar.” Estas son algunas de las regulaciones, las más populares entre los krishnas. Ellos las aceptan porque entienden que están para proteger su cuerpo y su mente. “Son prácticas que no le hacen bien a nadie. Con respecto al sexo, está recomendado que sea dentro del matrimonio y para procrear hijos concientes. No hay restricciones por nada, están hechas para protegernos. Cuando uno sigue esas reglas es como si estuviera en un círculo de protección”, explica Sarasvati del templo Vrinda. Ella nació en Tijuana, México, hace 19 años y su maestro espiritual le recomendó una visita a Buenos Aires. Su vida cargada de responsabilidades en la secundaria le hizo replantearse su realidad y sintió el deseo de experimentar algo más espiritual.
Srila Prabhupada dijo alguna vez que todos tienen una conciencia krishna pero que no todos la despiertan. Para Sarasvati ese reconocimiento de la conciencia viene individualmente: “Cuando una persona ya está saturada del mundo material llega un momento en el que dentro de su corazón empieza a haber un cambio, un deseo de buscar algo más profundo. Es como un grito que está en uno”.
Los seguidores de Krishna creen que existen diferentes eras. En la primera los devotos vivían en una esfera y los demonios en otra; en la segunda, los devotos y los demonios vivían en el mismo planeta; en la tercera, vivían en el mismo país; y en esta era viven en el mismo cuerpo. Esta es la era de la hipocresía y la riña (Kari). Según la creencia, cantar el maha mantra Hare Krishna (Hare Krishna, Hare Krishna, Krishna Krishna, Hare Hare / Hare Rama, Hare Rama, Rama Rama, Hare Hare), ayuda a liberar la mente porque purifica el corazón. Así todos los aspectos positivos de una persona se despiertan cantando. El significado del mantra es un pedido. Los devotos le piden a Dios que los ocupe a su servicio. Ellos creen que sirve para liberar la mente porque el sonido que produce va limpiando la visión de la persona que empieza a observar el mundo de una manera más espiritual.
Antes de adherir al Movimiento para la Conciencia de Krishna, Pandava Nath Das era periodista en el suplemento Si! de Clarín y de la Rolling Stone. Llevaba una vida desordenada, sin horarios y pocas responsabilidades. Hoy tiene 34 años y hace siete que pertenece al movimiento. Desde su perspectiva, la enseñanza más importante de Srila Prabhupada es aprender a conectar nuestro karma con Dios (yoga significa eso, conectar, vincular). Según Pandava Nath Das, “Dios nos provee de lluvia, alimento, entonces hay que aprender a conectar todo eso con él. Eso es el karma yoga. Y si se hace con amor se transforma en bahkti yoga, está impregnado de amor y eso es lo que más complace a Dios”.

DOMINGO EN EL TEMPLO
En Andonaegui 2054 se encuentra el Centro Cultural Bhaktivedanta, el templo de Iskcon. El domingo es un día de celebración: se canta el maha mantra Hare Krishna, se lee un capítulo del libro de cabecera, el Bhagavad-Gita tal como es, se reflexiona sobre las escrituras y hay un espacio para que la gente haga preguntas. La traducción del título del libro es Canción de aquel que posee opulencia, es decir, la canción de Dios. Los versos del Bhagavad-Gita están hechos para ser cantados. Muchos de los presentes visitan el templo por primera vez, algunos son devotos y van siempre. Se pueden diferenciar a simple vista por la forma de vestir: las mujeres llevan vestidos típicos de la India y el pelo atado, los hombres están rapados y usan túnicas blancas, y casi todos tienen la marca de tílaka, barro sagrado traído de la India, en la frente. Esa marca sirve para indicar que el cuerpo es un templo de Dios.
Gopal Bata, el encargado de dictar la clase del día es un brahmacai, es decir, un devoto que vive dentro del templo, practica el celibato y se dedica a predicar. Es uruguayo y se vino a vivir a Buenos Aires en el 2002 porque allá no había un templo. Tenía 19 años y una fuerte convicción por el movimiento, aunque en realidad fue criado en la tradición evangelista. El único que entendió su elección fue su abuelo. “Él vio que fue positivo para mí: me ve más maduro, responsable, ordenado con mis cosas y mis tiempos”, cuenta Gopal Bata. Él también notó un cambio interno. A nivel personal siente al ser conciente de Krishna, y con los mantras, sobre todo con el maha mantra Hare Krishna, encontró una manera de estar mejor consigo mismo y aceptarse como es. Para Gopal Bata puede llegar a sonar cursi, pero lo le que provoca el maha mantra es un sentimiento de amor por las personas.
Los que viven en el templo se levantan a las 4.30 de la mañana, hora en la que abre el lugar. Abren el altar y cantan y bailan para Dios. “Es una forma de comenzar el día con un estado de espíritu elevado, agradable, para estar bien con nosotros mismos”, resume Gopal Bata. Después meditan en forma individual durante dos horas, y vuelven a cantar y bailar. Cada uno tiene actividades específicas. Él, por ejemplo, cocina y atiende el altar. Otros se ocupan el restaurante vegetariano que funciona en el templo o salen a vender libros.
Kamala no vive en el templo y aun así es una fiel seguidora. Sin ir más lejos, su madre es la presidenta del templo y discípula directa de Srila Prabhupada. Sus padres pertenecen al movimiento desde hace más de 35 años. Se conocieron en Venezuela, y como su papá es argentino se instalaron en Buenos Aires. A diferencia de Gopal Bata, que viniendo de una familia evangelista eligió su propia religión, Kamala fue criada dentro de la tradición krishna. “Mis padres nunca me inculcaron nada sino que eran lo que eran y me daban su amor comprendiendo cómo eran las cosa para ellos, y entonces yo mamé eso sin darme cuenta. No hubo un punto en el que sentí un cambio de conciencia, pero sí hubo un punto en el que me observaba a mí misma y me daba cuenta que el pensar era muy profundo y me sentí bien con eso”, cuenta Kamala, que tiene 18 años y el acento venezolano de su mamá.
Ella se cuestionó muchas veces el hecho de ser Hare Krishna porque por un lado están los valores que le enseñaron, y por el otro lo que ella quiere ser como persona. “En realidad elijo esta vida porque me hace feliz, estoy de acuerdo con la filosofía”, dice convencida. Hasta el año pasado cursó en el Liceo 9 de Belgrano, y este año se lo tomó para viajar a templos de Perú y Venezuela, y pasar más tiempo en Bhaktivedanta. Kamala resume el ser conciente de krishna de una manera muy sencilla: “Es ser una persona que lleva una vida simple, con un pensamiento elevado”.

Música en Internet

2006-07-25T20:36:00.000-03:00

Por Lucía Turco

Mientras se inician demandas judiciales contra quienes bajan música de internet -cosa que hasta hace no mucho parecía imposible- y las discográficas denuncian pérdidas, los músicos que no firman con multinacionales defienden la posibilidad que brinda este acceso para llegar a más gente, y que su música sea escuchada en todo el mundo.

Flopa, cantante argentina

“Bajar música de Internet es la manera de que cualquiera pueda escucharte”

“La prohibición de bajar música nacional de internet es lo que más nos perjudica porque es la manera de que cualquiera en el mundo pueda escuchar tu música y la pueda bajar, mientras que con los discos no tenés llegada, salvo que firmes con una multinacional y te editen en otro países.
La cuestión está también en cómo el músico afronta laboralmente el tema: el hecho de que firme con una compañía y reciba dinero por eso, y cuántos discos menos vende a través de la compañía que, supuestamente, menos le sirve. De todas formas, esto es un tanto ilusorio también, ya que de lo que gana una compañía con un disco, al artista le llega una suma ridícula.
Entonces, en este momento me parece que la posibilidad de bajar música de internet es válida como promoción. Y después hay algo que se va a ir dando con el tiempo. En Europa, en Estados Unidos, donde la gente consume más porque hay otro sistema de consumo, se compran mp3. Hablé con gente de Francia y de San Francisco que me comentó que compran mp3, se los bajan al iPod, y los pagan. Acá en la Argentina estamos un poco lejos de eso. Primero, por la idiosincrasia, es decir, si lo podés tener gratis porqué lo vas a pagar, y después porque realmente la gente no tiene mucha plata.
Igual creo que siempre va a estar el comprador de discos, el tipo al que le gusta la música y quiere tener el disco, abrirlo, leer las letras y tener la tapa. No es lo mismo. Pero eso es algo que se va a ir dando con el tiempo, la gente se va acostumbrando a todo.
No es algo nuevo tampoco. Antes, cuando no había cedés, se escuchaban casetes y el 80 por ciento de los casetes que uno tenía eran grabados. Es decir, cambia el formato, ahora en vez de ser un casete de cinta son datos, es música digital, pero es exactamente lo mismo, no ha cambiado mucho la cosa.
Además, es sabido que no todo el mundo tiene computadora, ni tiene internet para bajarse un programa peer-to-peer y compartir música. Siempre estamos hablando de un segmento que está al alcance de ese consumo y no me parece que sea muy diferente a lo que viene pasando desde años atrás, por lo menos acá en la Argentina.
Pero claro, las compañías están y se tienen que reacomodar, evidentemente no les conviene para nada, pero ahí tendrán que ver ellos de dónde están sacando la tajada en este negocio. Les convendrá tal vez apostar más a los artistas a futuro, cosa que les cuesta bastante hacer porque son muy oportunistas en ese sentido.”

Javier Delupí, ejecutivo de la Asociación Antipiratería

“El público accede a la música sin respetar el trabajo intelectual”

“El efecto es devastador en la Argentina como en todo el mundo porque al estar disponibles gratuitamente todas las producciones musicales, el público accede a ellas sin respetar el trabajo intelectual que han puesto en marcha las compañías discográficas, los artistas, los autores. Por lo tanto, no hay un régimen de incentivos que ayude a que se continúen realizando estas producciones, es decir, que las pérdidas no solamente son económicas, sino que llegan a ser culturales.
Los más perjudicados son los artistas, los autores y las compañías discográficas, que son los titulares del derecho sobre la música desde el punto de vista de la propiedad intelectual. Otro damnificado es el Estado, desde lo económico, porque no cobra los impuestos: el costo de un cedé tiene un 40 por ciento de carga tributaria. En definitiva, la sociedad misma se ve perjudicada en su cultura. Si hoy Cerati saca un disco y ese disco es tan pirateado como lo está siendo, llega un momento en el cual no se puede sacar a flote todo ese trabajo artístico desde su estructura económica. Entonces va a resultar que Cerati no va a hacer el próximo disco, o no se van a producir otros cedés que se producen, generalmente, con las ganancias de un lanzamiento exitoso.
Las actuales tecnologías, si bien no son en sí mismas una amenaza para la industria, sí es un peligro que estén aplicadas a escala comercial. El sistema de intercambio de archivos de música nació directamente de la ilegalidad y hay una generación que creció dentro de esta situación, por lo cual se trata de un fenómeno cultural en el que hay que modificar algunos estándares de accesibilidad. Hay chicos que ya no conciben un cedé comprado porque para ellos la accesibilidad de la música directamente es un archivo de mp3.
Por otro lado, la Argentina, a través de la lucha contra la piratería defiende la música nacional, ya que es la principal afectada por la piratería en el país, que es de alrededor del 60 por ciento. Hay países latinoamericanos en los que la piratería llega al 90 por ciento, pero afecta a los catálogos internacionales porque en esos mercados no se produce música nacional. Mientras que la mitad de los discos que se producen y se venden aquí son de música nacional. La lucha contra la piratería tiene muy en cuenta que no se trata sólo de pérdidas económicas.”

Número OCHO - junio 2006

2006-06-30T00:37:00.000-03:00

EL MUNDO SEGUN DROGBA

Costa de Marfil vive un momento difícil. Más allá de estar compitiendo por primera vez en un Mundial de fútbol, el primer rival de la Argentina posee en su país grandes diferencias sociales. Sucesivos golpes de Estado, cambios políticos, exacerbaciones étnicas y conflictos armados varios llevaron a una guerra civil que aún azota a los marfilenses. El país quedó dividido en dos. Costa de Marfil vio caer sin fin su economía siendo la nación del oeste africano que produce el 40 por ciento del cacao que se consume en el mundo, una de las más prósperas del continente. La clasificación del combinado africano para la Copa del Mundo resulta ser más que una competencia deportiva o una rivalidad nacional para ellos: representa la posibilidad de unir al pueblo a partir de un objetivo común y aglutinante. Según se lee en la prensa internacional estos días, la esperanza con la que los ciudadanos marfilenses esperan el Mundial es otro de los poderes ocultos del fútbol.

Y si del Mundial hablamos, no podíamos dejar de recordar a viejas glorias campeonas del ansiado título. Entrevistamos a Omar Larrosa, en nuestro Ejército de salvación, quien además de haber dado la vuelta en 1978 fue multicampeón en cuanto club recaló. El Bipolar del mes es alguien que ha gritado más de un gol argentino, el Bambino Pons, el relator más loco repasa anécdotas de sus atípicas transmisiones con su humor característico. Otro orgullo nacional es El Eternauta. Visitamos a Francisco Solano López, quien repasó su trayectoria más allá de la recordada tira que creara junto a Héctor Oesterheld, en nuestro Bonustrack, una charla impostergable. Tanto como la necesidad de reglas claras en el tratamiento de químicos en la tintorería industrial Color Pool S.A., empresa que tiene denuncias sobre contaminación en el capitalino barrio de Villa Mitre. En el Vermouth de junio, Enrique Symns. El señor de los venenos devela controvertidos secretos del rock nacional y habla de drogas. Hicimos un Bicolor de Casa Brandon, el nuevo espacio para manifestaciones artísticas de la cultura gay con temática queer, abierto a todo el mundo. Además en la Entrevista tenemos a una de las bandas más importantes de los noventas, El Otro Yo, los dueños de la mochila. Hablamos con su líder Cristian Aldana quien hizo una relectura de aquel grito primal “La cumbia es una mierda”. La Tragedia es el conflicto aparejado por la sanción de Ley del Donante Presunto; buscamos a una persona que está en la lista de espera y a un ciudadano que se opone a la norma en un tema tan sensible, y se lo mostramos. Nuestro Héroe anónimo es una rara “mezcla, medio sucia, de mimo, pantomimo y clown”, como Rodolfo Meneses Olivares mismo se define, el mimo que nació en Chile y divierte a los porteños que pasean por la Recoleta.

Junio es el mes del Mundial, esperamos que entre partido y partido Usted pueda hacerse un ratito para encontrarse con Bipolar, ahora también en su versión digital: revistabipolar.blogspot.com

Cristian Aldana, líder de El Otro Yo

2006-06-30T00:33:00.000-03:00

Por Matías Castañeda

Por más que parezcan chicos buenos, el guitarrista de El Otro Yo dice que son un grupo peligroso. Escoltados por miles de fanáticos adolescentes, que portan mochilas alusivas, la banda es sinónimo de independencia y autogestión en la Argentina. Aldana habla de Omar Chabán, Ricky Espinoza, Gustavo Santolalla y Luis Alberto Spinetta, y hace una importante relectura sobre el debate generado por gritar durante el menemismo: ‘La cumbia es una mierda’.

Detrás de El Otro Yo existe un ejército de adolescentes que les responde. Parecen chicos buenos, parecen inofensivos, parecen hasta naifes. Pero son tantos –son miles- y tienen tanta energía que más de un estratega dudaría en cómo reducirlos durante una virtual batalla. El líder y guitarrista de la banda, Cristian Aldana, afirma que sí, que ellos también parecen ser inofensivos, pero que no lo son tanto: “Quieren que seamos buenos pero en realidad El Otro Yo es un grupo peligroso”. La jauría de reclutas no supera el metro cincuenta, es mayormente femenino, posee modales hiperquinéticos y un look poco ortodoxo -neo jumper, punk cibernético-. Comunican su posición a partir de lo que sus mochilas gritan: en Liquid Paper, en parches bordados, en pins. Estos elotroyitos, desde sus zurrones, se dicen entre sí qué grupos los representan mejor, qué piensan sobre un tema controversial o cuál es su perspectiva para el futuro. Y se torna todo aún más peligroso cuando Aldana asegura: “La única forma de parar este proyecto es con un balazo en mi cabeza”.
El sustantivo mochila tiene dos acepciones, una literal, continente portátil de objetos, y otra metafórica, cargar un peso, soportar una responsabilidad. Aldana usará ambos sentidos en la entrevista. 1. “Nosotros íbamos con la mochila. Hacíamos la distribución, iba yo mismo, dejaba el disco. Cuando empezamos no lo hacían otras bandas. Hoy vas a una disquería y el tipo ya lo sabe. Nosotros explicábamos: ‘Mirá, tengo mi grupo, no sé si te interesaría vender…’, y el tipo te respondía: ‘Flaco, yo acá pago el IVA, tengo la factura y vendo Charly García’”. 2. “Cuando hice Alegría (Mundo, 1995) pedía ese sentimiento para mí, como consuelo de dolor por la angustia que sentía, por la mochila que cargaba. En la letra enumero palabras: sueños, trabajo, comidas, salidas, diversión, alegría, frustración. Una mezcla de imágenes que es como si dijera dulce, amargo, semiamargo…”
Dentro del movimiento musical, El Otro Yo es mucho más que una banda tradicional porque representa valores que –contrariamente a lo que se piensa- el rock no tiene. Camaradería, transparencia, trabajo, honestidad. Por ello, por ser realmente como se muestran, en el discurso de Aldana repetidas veces elegirá expresiones como: autogestión, ayuda, independencia y memoria. La Unión de Músicos Independientes, una iniciativa de ellos, por ejemplo, es una instancia superadora del discurso del rock; ahí pusieron la patas en el barro y no sólo el grito en el cielo. Él lo explica casi como leído de un folleto imaginario: “Es la herencia karmática de un montón de músicos que se manejaba de manera autogestionada. Nos reunimos para desarrollar una idea que facilite los procesos de producción, fabricación y distribución de los grupos independientes”. Una vez dicho el speech, Aldana se irá envalentonando vehementemente, se saldrá del libreto. Es un adolescente de 30 y pico, idealista, que se va exasperando a medida que expone un tema: “Nos dimos cuenta que había muchas cosas para resolver de forma conjunta; ahí se abrieron un montón de puertas: fabricar los discos más baratos, hacer artes de tapa de forma profesional más económicos, poder encarar una mejor distribución. En la época que empezamos no estaba la información, ¡no existía! Todo ese camino que a nosotros nos costó diez años transitar hoy lo disfrutan todas las bandas. En esa época nadie compartía la información porque la onda era no avivar giles. Fue una forma de evolución, porque no sólo quiero evolucionar en mi banda. ¡A nivel humano quiero evolucionar! ¡¡¡Ojalá hubiera existido la unión de músicos cuando nosotros empezamos!!! Lo que pasa es que a los que la iban a armar los mataron los militares. Es así”.

PROFETAS EN SU TIERRA
Si El Otro Yo es un mundo, ese mundo tiene su centro -lleno de lava chirriante- en los hermanos Cristian (guitarra) y María Fernanda Aldana (bajo), y Ray Fajardo (batería). Le giran cuartos nombres, cuartas patas, pero este núcleo estuvo desde el principio. En los últimos discos de estudio aportó Ezequiel Araujo sus teclados. Se fue. Ahora se sumó una segunda guitarra, un ex Los Brujos, Gabriel Guerrisi. Este centro hirviente, explosivo de lava, tiene ya 12 discos editados (uno triple) en sus más de 13 años de carrera. De todo ese prolífico legado Aldana considera que el que más los representa es Mundo: “Es en el que más se nota nuestra musicalidad. Pasa por todos los lugares, hay heavy metal, punk, canciones, es intenso. Lo importante ahí no fue el sonido, fue la música. Es un disco conceptual de lo que para nosotros, en ese momento, era el mundo. Abrís el arte de tapa y hay todas ratas bañándose. Hay mensajes de amistad, de sexo, de tristeza, de alegría; Alegría, está ahí”.
Sin embargo, el disco que los catapultó a un público masivo fue Abrecaminos (1999), que contenía una de las canciones más importantes de todo el rock argentino: La música, que más que una canción es un manifiesto de vanguardia de mucho de lo que los chicos sentían en ese momento. Nadie lo dijo mejor que ellos: Estoy un poco sordo, / un poco ciego, / un poco empobrecido, / un poco descreído, / artificializados, / desnaturalizados, / estoy manipulado, / ¡me siento anarquizado! / ¡Estoy humanizado! / ¿O deshumanizado? / La música que escuchan todos / yo no la escucho. Ese plantarse contra lo que producía la industria musical en sus shows los llevó todavía más lejos. Antes del riff juguetón, Aldana le espetaba a sus soldaditos: “La cumbia es una mierda”, y los elotroyitos le respondían saltando frenéticamente. Hoy explica más tranquilo lo que tanto revuelto generó en aquellos convulsionados noventas: “Tendría que haber gritado ‘Menem es una mierda’. En ese momento la cumbia representaba la ignorancia. No me arrepiento de nada de lo que hicimos con el grupo pero sí me doy cuenta que por no haber gritado ‘Menem es una mierda’ ahora tengo que dar explicaciones de que no tenía nada en contra el estilo musical. ¡La cumbia representaba la ignorancia de un pueblo que estaba en decadencia! Ahora miramos para atrás y decimos: ‘¡Claro! Nos estaban dando vino, cumbia, dos pesos la entrada, la felicidad artificial, el tingui tiquitingui tiquitingui’”.

ELO Y EOY
“Los primeros discos que tuve -cuenta Cristian sobre sus épocas de escucha- fueron: uno de Queen, uno de Abba y uno, mi preferido, de Electric Light Orchestra, que se llama Time. Ese disco es buenísimo. ¿El de Abba? Fue en la época de la guerra con Kiss. Yo era de Abba, aunque Kiss también me gustaba. Incluso llegué a agarrarme a piñas por la música, eran muy extremistas. ¡O era Kiss o era Kiss! Y a mí siempre me gustaron las dos cosas, no me pudieron doblegar.” Después empezó a pararse del otro lado del escenario estudiando música clásica con la guitarra y reconoce que fue lo mejor que puedo haber hecho: “Por eso dentro de El Otro Yo hay mucha variación musical, porque la música clásica te abre una puerta sonora de melodías muy importante, te abre la cabeza a todo nivel. Ahí empezó el desarrollo de lo que fue después la banda. Por eso hay tanto juego melódico. Nos divertimos haciendo canciones”.

LA EXCELENCIA: UN COMPROMISO
Los chicos de El Otro Yo también tienen una faceta sindical: en 2005 trabajaron junto a sus colegas para que se anule la llamada Ley del Músico, que limitaba a los artistas y no contemplaba la realidad. Se reunieron en el Hotel Bauen para debatir sobre la creación de una legislación actual y comprometida con los trabajadores de la canción. Hace poco más de un mes el presidente Néstor Kirchner escuchó a los artistas y la derogó. “Ser músico es una profesión y es un derecho –reflexiona Cristian-. Tal vez la ley en 1958 servía, pero hoy no se adapta a la realidad de muchos músicos, como pasa en el rock, que no estudiaron, y que no por eso no son músicos. Quizás no sabés leer una partitura pero hacés feliz a la gente que escucha tu música.”
El aspecto más conocido de la banda, el antisistema, excede a la independencia y a la autogestión en sí. Un ejemplo de ello fue la puesta del Festi Rock Sin Marcas que hicieron en República Cromañón en 2004 junto a otros grupos. “Ese día se taparon las marcas de todo el lugar. Los equipos de guitarra, las cervezas, las bebidas. Todas, cada marca, una a una, con cinta. Es que muchas veces termina siendo más importante el espónsor que los grupos en sí. El festival, no sé, de Lucky Strike, ponele, ¡y ni siquiera nombran a los grupos! ¡No importan los grupos! Nos parecía fundamental recuperar eso. Estuvimos en recitales esponsoreados siendo un grupo independiente, no estoy en contra. Lo que no es sano es que porque pase algo deje de pasar lo otro.”

SUJETADOS
Como en las profecías religiosas, el símbolo que los representa se les hizo carne. En la canción El destino, El Otro Yo incluyó una frase lúcida, conciente: Debo estar bien, / la mochila se apodera de mí. Y, claro, pueden jactarse de representar ambas acepciones: se apoderaron con dignidad tanto del peso de avalar con sus hechos lo que testimonian en sus letras como, así también, se apoderaron de la mochila literal, como referentes de una generación de estudiantes o huestes elotroyianas, quienes, con esa mochila-pizarra, le gritan al mundo lo que piensan. Y se hacen oír. La mochila al apoderarse de ellos, son ellos; ellos son la mochila. Y revelan que por eso así están bien.

Francisco Solano López

2006-06-30T00:30:00.000-03:00

Por Graciana Castelli

El creador del rostro de Juan Salvo, el inolvidable personaje de ‘El Eternauta’, cuenta su gusto por el género erótico y hace una relectura de su trabajo con el guionista Héctor Oesterheld. Además asegura que la mítica historieta tiene aventuras para rato.

Cuadros. Una rubia de lacia cabellera y labios carnosos llega a una playa desierta. Cuerpo esbelto, finas caderas, pechos enormes esconden una diminuta bikini roja. Se recuesta al sol; se acalora; se zambulle en una ola. Pierde el corpiño, lo busca, no lo encuentra. Semidesnuda seca su cuerpo y se tira sobre la arena. Pezones rosados, brazos en cruz, piernas flexionadas, rodillas juntas, pantorrillas abiertas. Pronto no estará más sola. Un moreno de físico escultural se topará con la prenda perdida e intentará devolverla a su dueña. Dormida, ella se despertará asustada y querrá salir corriendo. Pero es tarde, el hombre ya la desea. Le siguen una escena de sexo tras otra.
La secuencia forma parte de un conjunto de historietas agrupadas bajo el nombre de Silly symphonies (Sinfonías tontas), un libro en el que a lo largo de casi 100 páginas se explota al máximo el género erótico. Mujeres despampanantes y hombres superdotados se mezclan en las situaciones más hot, en escenarios ocurrentes y cotidianos a la vez. Los dibujos se alternan entre planos generales y planos detalle de penes, vaginas y penetraciones que terminan siendo los protagonistas de las historias. La fidelidad trasmitida en las expresiones de rostros que transitan la sorpresa, la negación o el placer devalúan la palabra. Los narradores son los mismos cuerpos que dialogan.
Quizá sorprenda saber que el creador de estas historias de sexo explícito sea nada más y nada menos que Francisco Solano López, el dibujante que materializó el rostro de Juan Salvo, el mítico personaje de El Eternauta, la historieta de ciencia ficción imaginada por el guionista Héctor Oesterheld, que tan bien supo representar la situación política y social de la Argentina de los cincuentas.
Pero lo cierto es que para este artista, las mujeres han sido una constante en su vida. “Cuando vivía en Río de Janeiro paseaba todas las mañanas. Un día caminando por la playa vi a una chica tomando sol, entonces fui a casa, la dibujé y dije: ‘Algún día voy a hacer algo con esto’ (Ver contratapa). Tiempo después hice otra historia: una chica que estaba durmiendo sufre un intento de violación y llama a su amiga para que la ayude. Cuando llega la otra, la única forma que encuentra para salvarla es provocando sexualmente al atacante. Entonces lo dejan a él vacío de sexo y ellas terminan dándose un beso. Las llamé Silly symphonies, el nombre viene de un género de dibujos animados en color que se usaba en los años treintas cuando era chico. Así que usé eso medio humorístico, medio en joda, para el sexo.” Estas historietas datan de principio de los noventas, y fueron publicadas con éxito en Europa, y también en la Argentina.

CULPABLES
Solano López comenzó a dibujar cuando tenía cuatro o cinco años. Su padre, periodista, trabajaba en la Municipalidad y le traía hojas y lápices para que se entretuviera. “Yo andaba por la casa dibujando y él guardaba todo lo que hacía. Terminó armando una pila enorme de carpetas”, recuerda. Al poco tiempo su padre murió, la madre tiró los trabajos y él dejó de dibujar hasta los 15 años. “Volví a empezar en el Liceo Militar. Yo estaba pupilo y los miércoles teníamos los días de visita. A mis compañeros los iban a ver hermanas, novias, y primas, y yo después me quedaba con las caras de esas chicas en la cabeza y las dibujaba. Así que fueron las mujeres las culpables de que yo haya retomado el dibujo”, sentencia.
El liceo lo aburrió y terminó el bachillerato en el colegio Nacional Avellaneda. Fue empleado en la oficia de un tío corredor de bolsa, y también en el Banco Nación. Los ratos libres los dedicaba al dibujo y tenía la costumbre de ir al sótano de la Asociación Estímulos de Bellas Artes, en donde por 50 centavos tenía acceso a modelos vivos que retrataba por horas. Nunca estudió, sólo tomó algunas clases para aprender técnicas de composición y manejo de la tinta china y el pincel. Entre los 17 y los 22 años inició su recorrido por las distintas revistas, y en 1953, después de cinco años de golpear puertas y acumular rechazos, llegó Perico y Guillermina, su primera historieta. Fue también para esa época que le ofrecieron en la revista Misterix –una de las publicaciones más famosas- encargarse de las ilustraciones de la tira Bull Rocket que, hasta ese momento, realizaba un dibujante italiano. “En la editorial me dijeron: ‘Ves el trabajo que hace este tipo, bueno, tenés que dibujar como él, eso es lo que esperamos de vos’. Me llevé una pila de esos trabajos a mi casa y saqué el parecido. La verdad tuve muy buena suerte porque me dieron la única historia que me interesaba en ese momento. Sentía que era un trabajo hecho con inteligencia, talento, capacidad literaria e imaginación.” El guionista de Bull Rocket era Héctor Oesterheld, y ese fue el principio de la dupla que le daría vida a El Eternauta (Ver El eterno retorno).

SEX – FICTION, Y OTRAS CURIOSIDADES
“Cuando me saturaba de la ciencia ficción hacía erotismo, y cuando me saturaba del erotismo volvía a la ciencia ficción.” Así de fácil explica el dibujante la alternancia entre ambos mundos. El objetivo: no aburrirse. Y aclara: “Dentro de lo erótico tengo variantes, por ejemplo hice una novela gótica de la época victoriana que fue editada hasta en Alemania, y que es una línea más dramática. En cambio, están las Sexy histories que es sexo explícito, algo que hoy deja de ser una rareza”. Entre sus trabajos más calientes también se encuentra una versión del videoclip del tema Crazy de Aerosmith, en dónde las protagonistas se atreven a hacer todo lo sugerido en la pantalla chica.
Pero hay más y para todos los gustos. El primer Eternauta terminó de publicarse para 1959, y entre ‘63 y el ‘68 Solano López se fue del país y trabajó para la editorial inglesa Fleetway. Con el guionista Ricardo Barreiro editó Slot Barr y Ministerio. Junto a Carlos Sampayo creó Evaristo, un policial ambientado en los cincuentas. En 1984 se instaló en Río de Janeiro desde donde colaboró con una editorial alternativa de los Estados Unidos para la que hizo, entre otras cosas, una historietización de la parte central de Operación Masacre de Rodolfo Walsh: “Está hecha toda a lápiz. En la escena final se muestra cómo quedaron tirados en el camino los cuerpos de los fusilados de José León Suárez. Y cómo página agregada tiene a las Madres de Plaza de Mayo, a Walsh recorriendo el lugar, y un último cuadrito con los laureles marchitos de Aramburu”.
En 1995 regresa a la Argentina y hoy, junto al dibujante y guionista cordobés Pablo Maiztegui -a quién conoció en España a través de sus hijos-, continúa haciendo El Eternauta. El primer trabajo que hicieron juntos sobre la mítica historieta fue El mundo arrepentido: Juan Salvo es atraído hacia la Tierra por un grupo de jóvenes científicos argentinos a través del Experimento Uritorco. Pero ahora la nueva pareja apuesta por El regreso, y promete que habrá Eternauta para rato: “La búsqueda de Elena (la esposa perdida de personaje) va a ser de 192 páginas. Cuando se termine ahí veremos si Juan Salvo empieza a contar alguna de las aventuras que vivió en el Cosmos, o en algún lugar remoto pasado, presente o futuro. O si de alguna forma él se involucra con situaciones del mundo actual.” Pero la ambición va mucho más lejos: “La idea es mantener un centro especializado de El Eternauta entre Pablo y yo, y que otros dibujantes y guionistas se hagan cargo de las historias laterales”. La tira se publica tanto en Italia como en la Argentina.

EL DIBUJANTE
A poco de cumplir 78 años, a este veterano de la historieta no le tiembla el pulso: “Yo dibujo a lápiz y después las partes más importantes las paso en tinta. En Córdoba vive mi ayudante, Julio Schiaffino, que también intervino en el primer Eternauta. Y cuando termino una página se la escaneo y se la mando por mail con una notita explicándole cómo quiero que resuelva algunas cosas. Él me las manda de vuelta, y dos o tres días antes de mandar la publicación del mes me junto con Pablo para darle una revisada. Ordenamos todo, lo afinamos, y le hacemos los retoques necesarios”.
Solano López es un auténtico autodidacta. Lo suyo es el dibujo, y ni el avance tecnológico, ni el paso del tiempo lograron desterrarlo de su patria de papel. “Yo no soy guionista, me aburre, lo que me gusta es dibujar lo que escriben otros, tal vez sea una limitación que tengo. El argumentista lo que da es la sustancia, la línea de las cosas que pasan. El clima, el feeling, la llegada al lector se consigue a través de la imagen. Una buena historieta es aquella en donde el lector comienza a entender lo que sucede antes de empezar a leer. Mi tarea siempre fue darle forma a lo que otros inventaban en forma de diálogos, y con eso me gané la vida.”

Bambino Pons

2006-06-30T00:27:00.000-03:00

Por Ariel Jonte

Con más de 20 años en el periodismo deportivo, el relator que canta los goles en la pantalla de Fox Sports y que ahora lo hace con los partidos del Mundial, cuenta algunos de los entretelones de sus tantas transmisiones.

1) ¿Cualquier periodista deportivo puede relatar?
- No. Es una especialidad.

2) ¿Cuándo te diste cuenta de que lo podías hacer?
- De grande. Empecé en 1975 y me di cuenta 11 años después. Cuando Víctor Hugo Morales se fue en 1985 a hacer las eliminatorias me dejó relatar a mí el Nacional B por radio Mitre. Algunos de los partidos los tengo guardados. Son las cintas de la vergüenza.

3) ¿Cambiaron muchas cosas desde que empezaste?
- Yo dí clases de periodismo durante 15 años y a los chicos de ahora no les gusta tanto el fútbol. Es una cuestión de época. No había tanta vanguardia en internet o en televisión. Era todo más a pulmón.

4) ¿Tuviste otro trabajo fuera del periodismo?
- En una oficina, paralelamente a lo que hacía en periodismo. Estuve tres años y lo dejé por la ambición de tener más tiempo libre porque el que tenía no me alcanzaba.

5) ¿La elección fue porque con lo que ganabas llegabas a fin de mes?
- Sí, en el ‘77 entré al diario La Razón y a la par estaba en la radio.

6) ¿En cuál?
- En Antártica. Ahí hacíamos un programa diario con Roberto Leto de música y deportes. Seguíamos la campaña de Boca, Argentinos, San Telmo, Deportivo Morón, entre otros.

7) ¿Cómo lo bancaban?
- Cada equipo tenía un espónsor que ponía la guita. En Deportivo Italiano estaba Natalio Baulea que tenía una casa de ropa interior para hombres. En Argentinos la ponía Próspero Cónsoli, que tenía una funeraria. En Morón estaba Machado Rojo, que tenía un frigorífico. En San Telmo… no sé quién carajo ponía la guita porque estaba en la Isla Maciel.

8) ¿Cuál fue tu primer laburo como periodista?
- Fue en 1975 en la revista Nuestro Ascenso. Laburábamos por la firma y por los viáticos. Por suerte siempre los pudimos mantener para ir a la cancha de Berazategui o a la de la concha de la lora, como la de Victoriano Arena, donde había que tomarse un bondi y un tren.

9) ¿Jugaste en algún equipo?
- Jugué en la tercera de Peñarol de Montevideo. Era un diez con habilidad pero sin talento.

10) ¿Por qué en Uruguay?
- Porque cuando me iba a probar a algún club de acá había como mil pibes y allá sólo había cinco.

11) ¿Cómo entraste?
- Por una recomendación de quien por entonces era el presidente del club. Estuve nueve meses.

12) ¿Qué le dijo?
- Lo ves jugar y te morís. Yo hacía hombre a hombre, te cagaba a patadas, la tiraba a la mierda, hacía tiempo. Soy el peor hijo de puta que puede haber para jugar, porque conocí al guacho de Carlos Bilardo que me ideó. Empecé a entender las cosas a su manera.

13) ¿Cuál es su manera?
- Ganar es lo único importante, mas allá de la estética.

14) ¿Cómo fue tu entrada a Sport 80?
- Yo conocía a Marcelo Araujo y a Fernando Niembro, y nos invitaron a participar junto a Leto y al Ruso Ramenzoni. Hacíamos vestuarios y entrenamiento. El programa duró apenas cinco años por las miserias humanas. Cuestiones de egos.

15) ¿Qué nota fue la más impensada?
- En el ‘85 hice el laburo más impresionante desde el punto de vista de lo ilógico. Fue en la tribuna del Estadio Centenario en un partido que jugaban Peñarol y Boca. Fui a la popular donde estaba La 12 y conectado con un handy lo hice hablar al Abuelo, que era el jefe de la hinchada. Los tipos estaban calientes porque los dirigentes los boludeaban y no los dejaban ir al Mundial.

16) ¿Qué te dijo?
- En cada salida que teníamos leía lo que iban a hacer: Le digo a Carlos Heller que le voy a iniciar un juicio por calumnias porque somos ciudadanos bien nacidos y tenemos pasaportes. Además dijo que iban a viajar cierto día y que se iban a alojar en tal hotel de México. El tipo le leyó 15 puntos.

17) ¿Lo volviste a entrevistar?
- Al mes. Cuando entré a la popular José dijo: Al que toca al Bambino lo mato. Entonces me rodearon en círculo y me subí al paravalancha.

18) ¿No tuviste problemas con la hinchada de River por eso?
- Me acuerdo de un superclásico en el que Araujo me mandó a la popular donde estaban los de River porque estaba Hugo Santilli, que era el presidente del club. Antes de pasar la puerta de acceso me agarra un tipo y me dice: Bambino rajá porque te cago a trompadas.

19) Te fuiste al toque...
- Cuando me dijo que era boleta le pedí perdón, que se olvidara y que no me pegara de atrás. Era flaquito pero fibroso y con los pelos como Ángel David Comizzo. Lo mandó Santilli porque estaba escuchando la radio.

20) ¿Lo contaste al aire?
- Cuando me preguntó Araujo le dije: Gracias Marcelo. ¿Lo conocés a apriete? Bueno vino apriete, apareció Comizzo. Casi me mata.

21) ¿Tenés otra anécdota de ese estilo?
- En Jujuy. Había un hincha en la platea que me volvía loco y cuando grité un gol le dije: ¡Goool, vos solo, goool, vos solo! Vinieron como 20, les dije que pararan, que vinieran de a uno. Con uno me peleo, con dos hablo y con tres me rajo. Por suerte terminamos hablando.

22) ¿Y con futbolistas?
- Con Enzo Trossero en un partido Boca-Independiente en el ‘83. Lo escuché puteándolo al Gordo Faraone, lo jodía con la mujer y otras boludeces. Cuando terminó el partido le pregunté al aire qué había pasado. Se enojó, con razón, y no me habló por dos semanas. Pero somos muy amigos. Hay que tener cuidado con las primicias porque pueden ser pan para hoy y hambre para mañana.

Omar Larrosa

2006-06-30T00:25:00.000-03:00

Por Federico Amigo

Fiel exponente del fútbol lírico y amante del torneo nacional, el volante-delantero fue partícipe del emblemático Huracán‘73 y de la selección del ‘78. A poco de cumplirse un nuevo aniversario de la conquista argentina de la Copa del Mundo, repasa su extensa y prolífica carrera pletórica de títulos.

“¿Lo deja hasta las seis, jefe?”, pregunta el hombre del garaje mientras se sube a un Wolkswagen Gol. “Sí”, responde casi sin responder el dueño del coche y se va raudamente hacía su oficina sin saber quién manejará el volante de su auto. El hombre tiene algo más que un estacionamiento. Lleva a cuestas seis títulos futboleros -uno de ellos el Campeonato Mundial de 1978- y una historia (oficial) que conspira para mantenerlo lejos de la pelota. Omar Larrosa, mediocampista-delantero surgido de las inferiores Xeneixes, fue uno de los ilustres jugadores de los setentas, década dorada del fútbol nacional. Después quedó en la retina de los memoriosos y en el olvido de la vorágine mediática.
Triunfos y buen juego marcaron a fuego la carrera del entonces llamado ventilador, una suerte de posición antecesora al enganche. “Cuando uno quiere jugar al fútbol se va creando ilusiones. Hay distintas etapas. Cuando estás en inferiores querés ver cuándo llegás a primera, que parece imposible. A mí me tocó en Boca. Había figuras grandísimas. Pensaba: ‘Cuándo voy a poder estar ahí’”, rememora Larrosa a propósito de sus comienzos Azul y Oro. Allí consiguió su primera corona: el Nacional de 1970 con un equipo conformado por Antonio Roma, Rubén Chapa Suñé, Norberto Madurga y Ángel Rojas, entre otros.

HACER LA AMÉRICA
Para la mayoría de los jugadores actuales irse al exterior significa dar un salto cualitativo y conseguir un resguardo monetario a largo plazo. Con unos pocos minutos en primera, los futbolistas piensan en hacer la Europa. En cambio, Larrosa siempre tuvo claro que la Argentina era su única casa. “En Guatemala podía jugar seis meses y volver. Entonces decidí firmar ahí. Sabía que volvía. Fui goleador, salimos campeones y me querían retener, pero quería venirme para acá. Tenía en mente venir, quería hacer más cosas en el país.” En 1971 Boca lo dejó en libertad de acción y Omar se fue al guatemalteco Comunicaciones. Tras la Copa Mundial ‘78 retornaron a tentarlo desde Brasil para que abandonara su tierra natal: “No me quise ir. No se pensaba tanto en hacer una diferencia económica. Me gustaba como estaba acá, ya tenía dos hijas y vivíamos bien”.
Unos años antes había formado parte de uno de los conjuntos más recordados por la corriente lírica del fútbol. El Huracán del metro 73 de César Luis Menotti supo construir un consenso, que lo erigió como uno de los grandes equipos nacionales merced a, como diría Fontanarrosa, las tres G: ganar, gustar y golear. “Era un equipo bárbaro con un muy buen fútbol. Fue una campaña brillante. Juntó una delantera tremenda: (René) Houseman era un loco que ni él sabía que iba a hacer e inventaba en la marcha jugadas geniales; (Miguel Ángel) Brindisi era un jugador con una dinámica bárbara y mucho gol; (Roque) Avallay, en el minuto 90, te metía un pique más, era ligerísimo y se acoplaba al juego asociado; (Carlos) Babington era el que tenía la estrategia, el que pensaba; yo, que jugaba de once, le daba ritmo y colaboraba en la salida con Babington.”
Larrosa también juega con su memoria y recuerda una anécdota hoy tristemente irrepetible e inimaginable: “Fuimos a Rosario y ganamos 5 a 0. El primer tiempo terminó 3 a 0 y cuando nos íbamos para el vestuario toda la gente se paró para aplaudirnos”. Además del despliegue y el diálogo constante con la pelota, Omar se consolidó en El Globo, atípicamente, como goleador con ¿15 goles? No, tres décadas después el volante-delantero asegura que consiguió uno más. “Hice 16. Hubo uno que salté con Avallay y como él salió gritándolo todo el periodismo se lo dio. Pero detrás de él cabeceé yo”, confiesa.
El 25 de junio de 1978 la Selección Argentina logró su primer Campeonato Mundial inmerso en la más feroz y cruenta dictadura militar. Bajo la consigna Derechos y humanos, los terroristas de Estado intentaron ocultar un presente inocultable y utilizaron a la Copa como momento máximo de captación de una sociedad, en su mayoría, cegada (por propia elección) ante los secuestros, las torturas y las desapariciones masivas. Sin embargo, con el paso de los años quedó impregnada en el seno de la población aquella idea de que el mundial lo ganaron los militares, un lema tan polémico como discutible. “Lo ganamos en la cancha”, asevera Larrosa. Y algo de lógica conlleva. En esa selección Ubaldo Matildo Fillol, Daniel Alberto Passarella, Américo Rubén Gallego, Mario Alberto Kempes, René Houseman y Leopoldo Jacinto Luque, sólo por nombrar algunos, hacían meritorio el laurel, allende del peso de la triple fuerza castrense.
“Siempre les digo a los jugadores que es tan importante el 1 como el 23. Yo me preparaba como si fuera a jugar al otro partido, y pasaba el encuentro y no jugaba”, relata Larrosa. Pero el Mundial le guardaba un lugar de privilegio. Antes del cuestionado partido con Perú, Osvaldo Ardiles se lesionó y al ex Huracán le llegó el momento: fue titular y figura frente a los peruanos. Aunque luego sólo entraría en el triunfo y la consagración final contra Holanda. “Fue el día máximo, el que esperaba. Es un sueño que está en un montón de pibes, pero que a muy pocos se nos da. En 100 años de fútbol, en un país de brillantes jugadores, nos tocó a 43 ser los campeones del mundo.”

PRESENTE
En 1981 había llegado a San Lorenzo con la expectativa intacta de seguir peleando torneos, pero se encontró con un panorama que nunca hubiera imaginado. “Fue lo más feo que me tocó vivir en la carrera –cuenta el multicampeón-. Había inconvenientes permanentes. Teníamos más reuniones para hablar de los sueldos que no se pagaban que de los partidos mismos. Del plantel, los cuatro o cinco más grandes podíamos soportar no cobrar unos meses. Pero otros muchachos no, vivían al día. Ese año no quise seguir jugando. Tenía 34. No me cayó bien el descenso y pensé que no me iban a contratar equipos grandes, sino los que estaban de mitad de tabla para abajo. No quería vivir la misma situación y me retiré.” A pesar del último traspié, Larrosa sabe que un manchón no ensucia toda una etapa pletórica de gloria. “El diez por ciento del 100 no va a hacer mella de todo el resto, que fue muy bueno. Estoy satisfecho con todo lo que me pasó, incluido lo de San Lorenzo.”
A poco de partir rumbo a Alemania, los campeones mundiales del ‘78 y del ‘86 despidieron al seleccionado de José Pekerman en el Monumental. Entre ellos estuvo Larrosa, quien reconoce que fue un reconocimiento para todos: “Argentina está donde está por esos dos títulos”. Este año vivirá su segundo Mundial en el lugar del hecho, pero fuera de las canchas. En España ‘82 fue invitado al partido inaugural, entre la Argentina y Bélgica, y le tocó compartir cartel con algunos desconocidos muchachos. “Salí a la cancha con Beckenbauhuer, Bobby Charlton, Carlos Alberto y algunos más”, cuenta a la pasada.
A pesar de no dirigir hace más de un año y medio -su última travesía fue por el Selangor de la exótica liga de Malasia- salvaguarda la simple esencia futbolera. Su boca escupe palabras que lo devuelven a los setentas y lo depositan en el verde césped que lo vio jugar. “Nosotros nos quedábamos como una hora pateando después de los entrenamientos. Pegándole a un lado, al otro, tiro libre, de chanfle, neto, seco. Venía el técnico y nos decía: ‘Basta, van a estar cansados para mañana’, y nos sacaba la pelota.”

Casa Brandon, un espacio para la expresión gay

2006-06-30T00:22:00.000-03:00

Por Lucía Turco

Desde septiembre de 2005 existe en la ciudad una nueva casa para manifestaciones culturales y artísticas. Sus creadoras lo han pensado como un centro de temática gay, pero está abierto a todo aquel que quiera expresarse.

En la calle Drago al 200, hay un espacio dedicado a la expresión gay: Casa Brandon. Muchos de los que tiempo atrás llevaban a sus hijos a fiestas infantiles en esa dirección o asistían a cumpleaños de 15, quizás se alarmarían al entrar hoy en la casa, o quizás no. Pero seguro que en ese entonces no había cuadros colgados en las paredes que mostraban órganos genitales masculinos. Y la maravilla de que ahora estén allí expuestos es la prueba de que un grupo de personas ha creado un lugar para manifestarse, y lo han creado justamente porque encontraban imposibilidades de hacerlo en otros sitios culturales y artísticos.
Modelos de una particular masculinidad, ropa de tamaño Barbie expuesta en pequeños cubos, torzos de hombres desnudos, penes envueltos o vestidos como muñecas, son las primeras imágenes al entrar a la casa. En conjunto, conforman la muestra Hombres por mujeres, cuyas autoras son Susana Romano, Natalia Rolón y Sonia Barrozo. Las exhibiciones van rotando cada 15 días. En el centro de esta exposición, en un living de sillones modernos, Jorgelina De Simone -creadora de la casa junto a Lisa Kerner-, habla de cómo surge todo. Subiendo una corta escalera, Lisa atiende detrás de la barra, donde todo es luces de colores.
El nombre del lugar es un homenaje al transexual estadounidense retratado en la película Boys don´t cry que es violado y asesinado por la banda de amigos con los que se juntaba en el barrio, cuando estos descubren su identidad sexual. “Es un homenaje a su intento de vivir libremente”, dice Jorgelina. Piercing, pelo corto y prendas únicas, ella explica que no vive en la casa, “pero es como si vivera”.

CREAR EL ESPACIO
Luego de seis años de fiestas itinerantes, conocidas como Brandon gay-day, Lisa y Jorgelina concretaron la idea (y la necesidad) de construir un espacio donde concentrar la música, los libros y la decoración que prefieren, y convertirlo en un centro de encuentro con personas afines a sus gustos y miradas, donde lo más importante es la libertad de la comunicación. “Es el lugar que necesitamos para desarrollarnos, desplegarnos, expandirnos. En primer término, claro, como gays. Pero también, y esto es fundamental, como personas cruzadas por otros deseos e inquietudes que aparecen como el costado menos visible de nuestra propia identidad”, dicen ellas.
Antes de la aparición de la casa, en septiembre de 2005, sus creadoras, junto a grupos de amigos y conocidos, solían reunirse en bares y centros culturales en los que leían poesía y compartían música. También organizaban exposiciones de cuadros y fotografías y proyecciones de películas, en espacios diseminados por la ciudad. Todo eso ahora se concentra en Casa Brandon, que es como una familia que se agranda constantemente. Stephanie Rosen (23 años), conocida como DJ Stefy, la conoció en la manifestación del orgullo gay, en diciembre de 2005, cuando hacía cuatro meses que había llegado de Michigan (Estados Unidos), con la idea de quedarse a vivir por un tiempo. Ahora pasa música todos los miércoles, El día de las chicas, cuando se juntan a ver la serie estadounidense The L word, que cuenta historias de lesbianas.
“Me gusta porque tiene un poco de todo -explica Stephanie-. No es sólo fiesta, como pasa con otros lugares donde no hay expresiones artísticas, Casa Brandon es un montón de cosas más.” Lo define como “una familia de gente que se junta”, lo que lo hace un espacio “muy cómodo”. Pelo corto, jean, zapatillas y camisa, Stephanie nunca deja de sonreír con sus ojos celestes. Busca el celular en la riñonera para enviar un mensaje. Recuerda que había quedado en invitar a un chico que conoció en un bar a la Brandon-gay-day, que está por empezar en El Teatro.
Los últimos ciclos de cine, que se hacen todos los jueves, contaron con proyecciones de películas clásicas y de non-future, que tocan la temática de jóvenes con destinos violentos. También tienen un lugar para presentaciones de libros, entre otras, de la editorial independiente Carne Argentina, del escritor Alberto Laiseca.
“A veces parece que está todo bien, todo relajado, pero cada tanto nos damos cuenta de que no es así, y por eso está bueno este espacio”, cuenta Jorgelina respecto a la apertura que encuentran, en general, en la sociedad.

DESCONCIERTO
Miércoles, jueves y domingos, abren desde las 20 hasta las 2. Los viernes y sábados, hasta las 4. En esas horas, especialmente los fines de semana, Casa Brandon se llena: muchos eligen comer en el restaurante que funciona en el último piso, después bailar, o simplemente escuchar música y tomar algo en la barra. Y puede ir cualquier persona que tenga ganas de pasarla bien o de disfrutar de las actividades que se organizan.
Jorgelina cuenta que una vez salió una nota sobre la casa en el diario Clarín y a partir de eso, muchas personas del barrio tocaban el timbre sólo para entrar y ver de qué se trataba. Señoras emperifolladas iban como de excursión a conocer qué era lo que se escondía detrás de la puerta de Drago 236. O hay mucha gente aburrida, o es como dice Jorgelina: “Algo está mal, o al menos no tan relajado como a veces parece”.

DOS POR CUATRO
En Casa Brandon siempre hay lugar para nuevas actividades. Y así como el miércoles es El día de las chicas, el domingo es El día de las clases de tango queer, que se inauguraron en mayo y que están a cargo de la profesora Mariana Falcón. Lejos de las problemáticas que pueden aparecer en una clase de éstas cuando hay más mujeres que hombres, o viceversa, en Casa Brandon siempre hay pareja para bailar, porque justamente nadie queda afuera. Sobre un piso de rombos blancos y negros, hay mujeres que bailan con mujeres, hombres que bailan con hombres –como en los orígenes del tango- , y mujeres con hombres también.
“Es un lugar para expresar lo gay, pero no es excluyente”, explica Jorgelina.

Enrique Symns

2006-06-30T00:19:00.000-03:00

Por Gabriel Pérez

Cocainómano empedernido, en los febriles ochentas fundó ‘Cerdos y Peces’, la revista alternativa más importante de la cultura rock. Fue el monologuista que abrió los primeros shows de Los Redondos, hasta que lo echaron. Escribió biografías de Fito Páez y del grupo chileno Los Tres, ambas polémicas. Ahora llegó el turno de contar (parte) de su vida.

Vos no podés seguirme a mí, le increpó Charly García, que acababa de estrellar un pesado cenicero de metal contra un vitraux. Su cara, ya de por sí contracturada por el vicio narcótico, se tensó aún más. Su lengua, siempre filosa, esta vez no se pudo escapar de la cárcel impuesta por los dientes. Sus ojos, podridas pasas de uva que vieron derretirse llanuras y evaporarse ríos de estricina, temblaban. Al ver el estado de su contrincante, García se paró airoso, y con su arrogante estilo de caminar, se marchó ignorando gestos de adulación. Pero para Enrique Symns la venganza –y a esta altura de los años, la vida- se mete por la nariz de un saque. Entonces, cuando en otra noche de locura vio que por la entrada de una disco de los ochentas ingresaba quien años después sería Say no more, puso una bolsa arriba de la barra, y con paciencia de orfebre –para que nadie se perdiera su acto demencial- armó una raya larga y gruesa como una mamba y la jaló con furia. ¡Vos no podés seguirme!, fue el grito de guerra. Charly, vencido y ridiculizado, dio media vuelta y se perdió.
Escenas como estas se reflejan en El señor de los venenos, la autobiografía de Enrique Symns que recorre los años de experimentación con drogas, sus viajes por el mundo y su relación con el rock nacional. Fiel representante del estilo de Williams Burroughs, Symns repasó su vida en pleno estado de trance, escribiendo con la inconciencia de un chamán. “La editorial Alfaguara chilena me pagó por adelantado 2 mil dólares, pero después no lo quisieron publicar. Por eso lo escribí, porque tenía ese dinero. Sin plata no puedo sentarme frente a una computadora, porque necesito drogarme y emborracharme para escribir seis o siete horas por día”, revela sentado en el medio del salón del Bar Británico, ese tugurio anclado en Brasil y Defensa cuyas noches lo tuvieron de protagonista con amigos que luego –afirma- le hicieron sentir el veneno agridulce de la traición. “Traidor es el que no avisa, y yo siempre aviso. Creo que me lo habré buscado, porque ya es demasiada gente la que me puse en contra. En el panteón del rock, en el que yo viví muchos años, no me quedaron amigos. Por ejemplo, el Pelado Cordera, que vive acá a un par de cuadras, sabe que estoy en la mala y no me da una mano.”
Cuando habla de amigos que le fallaron, sus cañones apuntan irremediablemente al trío formado por el Indio Solari, Skay Beilinson y la Negra Poli, cantante, guitarrista y manager de los Redonditos de Ricota. Primero conoció a la Negra Poli, a quien confundió con una mina que lo quería engatusar. Pero lo que ella quería era presentar a las otras partes del tridente, para que se pudiera unir a la banda como monologuista. Luego de años de abrir los shows de Los Redondos –“Subía al escenario y por ahí hacía cinco días que no dormía, y me mandaba unas actuaciones endemoniadas.”- un día le prohibieron la entrada al camarín, donde tampoco accedían los otros músicos de la banda. “Siempre fueron tres, nos excluyeron a todos, y yo, que estuve hasta el final, nunca creí que no me iban a dejar afuera. Los problemas empezaron cuando el dinero entró en nuestras vidas. Yo creía que era todo por amor al arte y me equivoqué, ellos eran muy mezquinos con el dinero. Me acuerdo que en Rosario la gente me confundía con Patricio Rey, y yo estaba con Walter Sidoti disfrutando de ese privilegio: fuimos a todos lados gratis, a los prostíbulos, tomamos merca de arriba. Era un chiste, pero cuando se enteraron se enojaron mucho.” El otro detonante que resquebrajó la relación fue el crimen de Walter Bulacio, y la lavada de manos por parte del Indio Solari. “Fue el primer asesinato de nuestro rock, y el Indio no sólo no lo denunció, sino que no lo asumió.”

CERDOS Y PECES
El oficio de periodista lo encontró desprevenido fraguando unas encuestas en algún bar español. Pasaba todas las mañanas escribiendo crónicas sobre personas imaginarias. Y pensó que no lo hacía mal. Se había exiliado porque su mujer de entonces estaba en la mira de los horribles. Hacía poco que había muerto Francisco Franco, y en la península todo lo que el franquismo había echado a las alcantarillas ahora tomaba forma y se adueñaba de la calle. Drogas, promiscuidad, fiestas. Ese renacer lo trajo a la Argentina en 1984. “Había vivido de cerca esa experiencia y sabía que acá iba a pasar lo mismo, que todo se iba a destapar con el final de la dictadura.” Cerdos y Peces fue una revista que, como bien señala el Indio Solari en un reportaje que Symns le hizo para esa publicación, marcó un camino muy especial de los derechos humanos extendidos a los presos, a los gays: tenía una visión diferente de la ética y la moral. Reportajes inventados, textos de Juan José Saer, crónicas policiales de Ricardo Ragendorfer, travestis, indicaciones para comprar la merca más exquisita de la ciudad, todo se podía encontrar en esas páginas. Cuando Pinochet fue retirado con honores y senaduría eterna, Symns llevó su plan de destape a Chile, donde fundó The Clinic, y donde también supo ganarse enemigos. “Escribí la biografía de Los Tres, y Los Prisioneros me pagaron para que les escribiera la de ellos, pero al ver el resultado, se negaron.” Es que en la biografía inédita Symns cuenta, entre otros secretos, lo mucho que disfrutaba el cantante Jorge González al masturbarse compulsivamente mientras veía videos pornos y se tomaba un pase tras otro. Antes del clímax, según cuenta Symns, González le pedía: “Necesito que me penetres un poco Henry, es una fantasía que tengo”. Si bien no salió publicada la biografía, estas secuencias son contadas minuciosamente en El señor de los venenos. “El off the record es una ley del periodismo en la que estoy y no estoy de acuerdo. Si yo te digo que Iván Noble se la come, y no te digo ‘no lo publiques’, podés hacerlo. Y eso pasó con Jorge González, él en ese momento no me pidió que no lo contara, sólo se negó cuando ya lo había escrito.” Otro problema que lo alejó de Santiago fue la acusación de pedofilia al poeta y pintor Adolfo Couve, un intocable de la cultura chilena. “Conocí a un taxiboy que me reveló que Couve lo tuvo preso en su casa durante toda su infancia y su adolescencia, que lo convirtió en su esclavo sexual. Lo loco fue que nadie de la familia de Couve me denunció cuando revelé el secreto.” De vuelta en Buenos Aires, Symns adelanta que editará otro libro en agosto, Big Ban City. “Son historias terribles, casi todas ocurrieron acá en San Telmo, en las manzanas que rodean al Británico”, concluye, mientras sonríe nerviosamente, pensando, quizás, en su próximo reencuentro con la cicuta.

Mimo Tuga, el arte de hablar sin palabras

2006-06-30T00:15:00.000-03:00

Por Milena Marcovecchio

Hace un año y medio, vestido como aviador, Rodolfo Meneses Olivares se instaló a trabajar en Recoleta. Muchos lo conocieron por el boca a boca y otros se toparon con él de paseo por la zona. Ahora ya es parte del barrio.

Sábado, 17 horas. En la unión de las calles Junín y Vicente López varias personas, apostadas en las cuatro esquinas y formando una especie de círculo improvisado, cortan el paso y se ríen a carcajadas. El tránsito circula a media marcha, en el centro, colgado del estribo de un colectivo de la línea 59, aparece el mimo Tuga, el responsable de que durante el fin de semana el tiempo se detenga en Recoleta. Pero, ¿quién es ese hombre de casi dos metros que se atreve a reunir tanta gente y, además, le saca una sonrisa?

DETRÁS DEL MAQUILLAJE
Rodolfo Meneses Olivares es chileno y tiene 22 años. Hace un año y medio que está en el país, vino a estudiar a la Escuela de Mimoteatro de Escobar y Lerchundi. “Yo empecé trabajando en las calles de Chile, era autodidacta, ahí conocí a otras personas que se dedicaban a esto. Me gustó y dejé la Universidad de Ingeniería, después estudié producción de eventos dos años pero finalmente me di cuenta de que lo mío era el arte. Me gusta el teatro, la calle, el mimo, el silencio, el cuerpo. Llegó un momento en el que dije: ‘Bueno, yo quiero saber más’. Así que me vine, mis profesores de acá estudiaron con Etienne Decroux, que fue el maestro de Marcel Marceau, el nexo, es como estar estudiando en Europa”, cuenta con emoción.
Para poder vivir y estudiar, todos los fines de semana El Tuga -apócope de tortuga, como le pusieron sus amigos chilenos-, copa la zona más paqueta de Buenos Aires. Durante los 30 minutos que dura su show (hace hasta cinco por día), la gente se divierte y aplaude en forma espontánea cada una de sus intervenciones. “Lo que yo presento es una mezcla medio sucia de mimo, pantomimo y clown. Pero es la manera de hacer un espectáculo en la calle y que sea exitoso, en cierta forma. Si me pongo a hacer un mimo puro no se detiene nadie. Yo interactúo con la gente, por eso debo estar atento, porque trabajo con los vehículos y tengo que estar con todos los sentidos abiertos para sacar una sonrisa de cada cosa que va sucediendo.” Tiene una forma muy particular de contar su trabajo, en cada palabra que dice deja al desnudo la adrenalina y el placer que le produce.
Pero claro, no siempre el público está receptivo para “jugar o ser niño por unos minutos”, como él dice. También en ocasiones tuvo que enfrentarse a enojos: “Yo no puedo manejar todas las situaciones, trato de hacer lo mejor posible, si me pongo delante de un colectivo va a ser siempre mirando al chofer a los ojos y tirándole una sonrisa”.
Rodolfo ha presentado su show en otros países pero no duda de que el público porteño es muy particular: “No es que sea más difícil que otro, sino que tiene diferentes códigos. Acá tengo que ser muy amoroso y prolijo para que la gente me vea y se enamore del personaje. A veces están tan conectados con mi trabajo que si ven que me esta por atropellar un auto alguien salta y dice: ‘¡Nooo!’”. Y agrega: “La otra vez vino la policía y me quería llevar detenido por parar el tránsito. Pero la gente gritó, se fue contra la cana, y no dejaron que me llevaran. Entonces ahí se produce una cosa que es increíble. Vos podés tener toda la técnica del mundo, pero si no tenés feeling con la gente no sirve de nada, es vacío”.

CAMINO A LA FAMA
En el poco tiempo que lleva en Buenos Aires ya salió dos veces en televisión. Primero fue en el programa Cámara testigo, el año pasado. “Estaba trabajando y pasó el productor, vio lo que hacía, le gustó mucho, le di el teléfono e hicimos la nota. Eso me ayudó porque se vio en Chile y toda Latinoamérica”, cuenta. Más tarde, la producción del programa que tenía Paula Trápani en Telefé también le hizo una entrevista. El Tuga se estaba haciendo conocido.
No sólo Buenos Aires le dio una oportunidad, Venezuela también lo convocó para un festival y armó un espectáculo que llamó Intervención callejera, que fue elegido para la inauguración. También allá enamoró al público -en este caso compuesto por 500 chicos- actuando desde un escenario, algo muy diferente de lo que estaba acostumbrado a hacer. Sin embargo, el show fue un éxito al punto de que su actuación llegó a las páginas del diario local.
Rodolfo se refiere al Tuga como si fuera otra persona. Sabe que hay cosas que tienen en común y otras que los diferencian bastante: “Al Tuga le gusta la atención de las personas y a mí también, ser parte y no espectador. Si ve un grupo de gente quiere estar ahí en el medio, claro que él es al extremo, porque como es un mimo tiene otra llegada a la gente. Yo en cambio soy más serio, más tranquilo. El Tuga es para afuera y Rodolfo más para adentro”, confiesa.
Sus metas son exigentes, en tres años quiere preparar un espectáculo de primer nivel que le permita recorrer los festivales de mimo más importantes de Europa. La llegada del Cirque du Soleil le inyectó aún más ganas de perfeccionarse, y asegura con la convicción de los luchadores: “A lo mejor suene un poco raro, pero yo voy a estar en El Soleil. Tal vez no sea justo en ese circo, pero sí a ese nivel, es a lo que aspiro porque creo que algo menos no me haría feliz. No quiero ser un Marceu, sí tener su técnica y su síntesis de movimientos, pero con un espectáculo algo más moderno, más creativo”, sueña. Pero por el momento su atención está centrada en la gente que todos los fines de semana lo sigue: “Quiero que el espectador me dé su dinero no por obligación, sino porque el espectáculo lo valga, porque le guste”.

Problemática ambiental en Villa Mitre

2006-06-30T00:11:00.000-03:00

Por Federico Amigo

Los vecinos denuncian a una tintorería industrial por supuesta contaminación del aire. Los dueños de Color Pool S.A., la fábrica, hacen oídos sordos y el Gobierno de la Ciudad brilla por su ausencia. En tanto, los asambleístas del barrio marchan y piden ‘que se vayan’. Acusaciones, problemas (in)salubres, clausuras y movilizaciones en un vecindario sobresaltado.

No se trata de una técnica propia de la aromaterapia ni mucho menos de una nueva práctica medicinal. La Clínica de la Esperanza, al decir de sus habitúes, combate con sahumerios de distintas fragancias el fuerte olor producido por Color Pool S.A., una tintorería industrial acusada de contaminación ambiental y tres veces clausurada por el Gobierno porteño. “Cuando vienen los medios televisivos y ven la fábrica al lado de la clínica no lo pueden creer”, cuenta Leonardo Pinotti, miembro de la asamblea de Villa Mitre y Santa Rita que tomaron las denuncias de los vecinos y, conjuntamente, comenzaron a movilizarse en pos de encontrar una solución a la problemática.
Todo se gestó a partir de la iniciativa de algunos de los habitantes de las casas lindantes a la industria, enquistada en Tres Arroyos al 2000. Una vecina tenía problemas en la vista, aparentemente, ocasionados por los hediondos y nauseabundos olores generados por la fábrica. La mujer se acercó a la asamblea: “Nos preguntó si nosotros sabíamos algo –recuerda Pinotti- y le dijimos que no. Entonces hicimos unos 30 volantes convocando a todo aquel que conociera una posible contaminación de olores”. A los pocos días aparecieron otras personas que habían presentado reclamos ante la Defensoría del Pueblo y otras dependencias gubernamentales, pero no habían tenido eco.

MARCHA Y CIERRE
Color Pool S.A. no era la única industria presuntamente contaminadora. Desde la asamblea, y con la unión vecinal como telón de fondo, las denuncias comenzaron a tomar cuerpo. Galvanoplastia Nicrodur, ubicada en Caracas 1766, fue cerrada tras los reclamos y las movilizaciones barriales. “El día que salió la nota en Página 12 –el 23 de noviembre de 2004- se cerró”, explica Leonardo. Si bien no fue totalmente esclarecido, en la manzana de esa empresa 12 personas padecieron cáncer y cinco de ellas murieron. ¿Casualidad o causalidad? Los villamitrenses sostienen que los hechos guardan cierto vínculo con el sospechoso accionar de Galvanoplastia. El expediente se encuentra aún en el Fuero Criminal de la Justicia, aunque, como suele suceder en el país, todavía no obtuvo una resolución.
En cambio la tintorería hoy continúa abierta, por eso también los vecinos siguen en pie de guerra. “En los primeros tiempos tuvimos alguna charla con los dueños. Pero no tienen una mirada empresarial. Porque una gran empresa lo que menos quiere es tener problemas con el vecindario. Esta gente tiene una lógica media rara. Buscan la agresión, tratan de poner excusas. Por qué no se adecuan y se dejan de jorobar”, comenta Leonardo con una mezcla de rechazo y desasosiego.

LAS QUEJAS
Durante 2005 Color Pool S.A. fue clausurada en tres oportunidades y reabierta la misma cantidad de veces. Los motivos fueron claros: fuertes olores que trascienden a la fábrica y se cuelan en las fincas linderas, ruidos por encima de los permitido por norma, y sustancias químicas no declaradas. Los más de 12 mil volantes que la asamblea repartió dejaron marcada su postura: La tintorería produce alergias respiratorias, dérmicas, visuales. Además la planta funciona en una zona residencial y viola el código de planeamiento. La empresa no derrocha ni un segundo de producción. Sus máquinas, y los empleados que las manejan, operan a toda hora. “La solución sería cerrarla, no puede estar habilitada. Pedimos por favor que se vayan. Villa Mitre, mientras esté la fábrica, va a seguir adelante”, pregona otra vecina que tiene cuatro hijos con problemas alérgicos. “Vivo a media cuadra. No puedo abrir las ventanas, en verano no se puede tomar sol en la terraza”, agrega la mujer que prefiere reservar su identidad.
Pero el suceso que reflejó el (poco) interés de la empresa para encontrar una salida se vivió el 21 de abril de 2006. Los trabajadores de la tintorería no tuvieron reparos para volcar en la vía pública un líquido marrón con fuerte olor a químicos -relata el documento difundido por la asamblea- que alcanzó la mitad de la calzada. Al instante los vecinos llamaron a Defensa Civil, que llegó dos horas después. También asistieron al lugar: la Brigada de Riesgos Ecológicos, la Guardia Urbana y el entonces director de Control de Calidad Ambiental de la Ciudad, Diego Martínez. Las críticas al funcionario arreciaron y unos días más tarde fue relevado, según los villamitrenses, por su inacción en la tarde del derrame.
“Cuando llegó el Gobierno los bomberos ya habían tomado muestras que dieron alta alcalinidad a 50 metros de los desagües fluviales donde tiraron los líquidos. A las 12 de la noche, le pedíamos a Martínez que ingresara y la clausurara. Pero el personal de la fábrica no lo dejó entrar. Entonces, levantó un acta y se fue. No hizo nada teniendo todo el respaldo para hacerlo. Los vecinos lo reputearon y le dijeron que estaba comprado”, relata Pinotti.
Javier Fígoli reemplazó al ex director de Control de Calidad Ambiental, pero Leonardo guarda cierto (entendible) escepticismo frente a la labor del flamante jefe: “Los funcionarios dicen: ‘No puedo creer que esto funcione en el centro de una manzana de un barrio’. ¿Qué esperan para solucionarlo? ¿Que vuele la tintorería?”.
Los vecinos también entienden que tanto la empresa como el Gobierno porteño juegan sus fichas sin buscar una salida conciliadora entre infectantes y afectados. “Todo lo que se consiguió –sostiene Pinotti- fue gracias a la movilización. El Gobierno por su cuenta no hizo nada. En la última marcha en un cartel se leía: ¿Qué buscan? ¿Un muerto? Yo no sé qué buscan.”

Debate por la donación de órganos

2006-06-30T00:05:00.000-03:00

Por Liliana Arguiz

Ilustración: Natanael

Según datos del Incucai, actualmente hay cinco mil pacientes que esperan un trasplante de órganos. En Argentina, la ley incorporó -en abril de este año- la figura del donante presunto. A partir de ahí se instaló una polémica que tiene como eje central nada menos que la vida.

Graciela Rubino, paciente en lista de espera

“Los trasplantes dejaron de ser un hecho individual”

“A los 36 años me diagnosticaron una miocardiopatía dilatada isquémica. Sufrí dos infartos y me realizaron tres by pass. Lamentablemente a los pocos meses no podía caminar ni 50 metros. En ese momento decidí hacer una interconsulta en el hospital Argerich, donde me informaron que era candidata para recibir un trasplante. Comencé con los estudios de pretrasplante, ingresé a lista de espera y me proveyeron un cardiodesfibrilador implantable.
En 2001 conocí a Alicia Barbato, actual presidenta de la Asociación Trasplante Vida, de la que formo parte desde entonces. Tenemos un programa de radio, Ser uno en vos, los miércoles de 15 a 16 por AM 880, desde donde tratamos de concientizar a la gente sobre la importancia de la donación de órganos.
A partir de la actualización de la ley argentina de trasplante, que incorpora la figura del donante presunto, el número de intervenciones creció considerablemente. En la primera mitad de mayo se realizaron 45 trasplantes de órganos y aunque a veces sólo se conocen las emergencias por los casos que se muestran en televisión, los trasplantes se realizan todos los días.
Esta actualización de la ley se produce justamente porque la necesidad de trasplante dejó de ser un hecho individual para ser un problema del conjunto de la sociedad. Uno puede informarse a través de los organismos de procuración del Incucai o en Buenos Aires Trasplante, donde hay una guardia las 24 horas, los 365 días del año.
La donación de órganos es, a las claras, una necesidad concreta. Yo le pregunto a la gente que tiene dudas: En caso de necesitar un órgano, ¿te negarías a recibirlo? Entonces, ¿por qué no donar?. Es una forma de impedir que tus huellas desaparezcan.
Algunos creen que se altera la atención de un paciente cuando es donante, pero sólo se recurre a esa opción cuando fracasan todos los esfuerzos para salvarlo, cuando ya no es recuperable. En estos casos, el médico tiene la obligación -por la ley 24.193- de denunciar al organismo de procuración de órganos. A partir de ahí existen requisitos y protocolos que se deben seguir durante seis horas después de verificada la muerte por un neurólogo, antes de que se considere donante.
Pensar que en nuestro país hay tráfico de órganos es desconocer cómo se realiza un operativo de trasplante. Además de que es fundamental que exista histocompatibilidad entre receptor y donante, el proceso requiere de una gran infraestructura en comunicaciones, tecnología médica de alta complejidad y profesionales especializados, lo que implica la intervención de más de 80 personas en cada operativo.”

Florencia Nallim, en contra de la donación

“El Estado no puede meterse en una cuestión tan personal”

“Creo que la gente no tiene la suficiente información respecto de la Ley de Donante Presunto. Incluso hay personas que ni saben que existe una ley que establece que todos somos donantes a menos que hagamos un trámite manifestando lo contrario. Además, me parece que la decisión de donar o no los órganos -ya sean propios o de un ser querido- no es una cuestión que le competa al Estado, es algo que se tiene que decidir en el entorno de la familia del supuesto donante. Se trata de un derecho personalísimo y absolutamente privado.
No sólo estoy en desacuerdo con la ley, sino con la donación en general, porque creo que cuando una persona está en estado vegetativo no está muerta y yo no estaría dispuesta a matar a un familiar para donar sus órganos.
Para que un paciente sea donante tiene que estar en un estado de muerte cerebral, que supuestamente es irreversible. Pero mi experiencia me ha demostrado que no es así. A mi abuela le habían diagnosticado muerte cerebral. Los médicos nos preguntaron a los familiares más cercanos si autorizábamos la donación, pero nosotros nos decidimos por la negativa, entre otras cosas, porque ella misma había manifestado explícitamente que no quería donar sus órganos post mortem. Los médicos insistieron, pero nosotros mantuvimos nuestra postura. A los tres días, milagrosamente no sólo se despertó, sino que se quejó por no estar en una habitación mejor.
Siempre me quedó la duda acerca de qué hubiese pasado si mi abuela hubiera sido donante, ¿la habrían tratado igual o la habrían dejado morir? Todos sabemos que existe un mercado ilegal de órganos que mueve mucho dinero. He oído hablar de que en algunos países de Latinoamérica matan a los que andan por la calle, a los homeless, para traficar sus órganos.
No sé cuántos casos iguales o parecidos al de mi abuela habrá, pero me parece que se debería instruir más a la gente a través de campañas y brindando más seguridad a los ciudadanos que potencialmente quieran donar sus órganos o los de sus familiares. La ley debería ser explicada de forma tal que no de lugar a interpretaciones ambiguas. Porque tal como está expresada hoy no deja en claro cómo actuar, e impide que la gente pueda tomar una decisión conciente.
Creo que a nadie le gustaría que le maten a un familiar porque se olvidó de hacer un trámite. Para mí la donación de órganos tal como está instrumentada es eso, es una forma de matar, porque hasta que el corazón no deje de latir, la esperanza siempre existe.”

Número SIETE - mayo 2006

2006-06-06T09:07:00.000-03:00

Pekerman, Monteagudo es argentino

Cuántos años tienen que pasar para que un revolucionario sea aclamado por todos los sectores de la sociedad. ¿Algunos?, ¿cientos?, ¿casi dos siglos? Y no sólo por la ideología del insurrecto sino más bien por ir contra el statu quo de una época. Lo cierto es que cercano el bicenentenario de la Patria, los valientes próceres de la epopeya del 25 de mayo de 1810 son aclamados desde todas las esferas de la sociedad, sin distinciones. Especialmente esa delantera compuesta por Manuel Belgrano, Juan José Castelli y Mariano Moreno. ¿Quién se le atreve a estos prohombres? Nadie, por cierto. Un punto de unión supraclasista como este -que exceda al fútbol- es una buena noticia en un país tan dividido en intereses y oportunidades.

25 de Mayo por delante nos fuimos al Cabildo y recordamos en Bicolor los tiempos en que ese edificio ilustre era mucha más que una construcción histórica en la casco urbano. Y si de historia argentina se trata, lo más reciente, lo que será manual de estudio en el futuro, es la presidencia de Néstor Kirchner: compramos palitos, maní y un Campari y nos fuimos a tomar un Vermouth con Claudio Lozano. El economista de la CTA, que entró apoyando al Presidente y hoy es más opositor que la UCR, nos hace un balance del Gobierno en el tercer aniversario K. Pasamos por la UBA porque no sabemos qué pasa con Atilio Alterini; ni a favor ni en contra de su asunción en el rectorado, enfrentamos a dos voces autorizadas en el tema porque es una Tragedia; las conclusiones la sacará usted. El cantor de las cosas sencillas dichas con poesía, el secreto mejor guardado de nuestro rock, es el señor Gabo Ferro. Lo agarramos desprevenido con la guitarra y nos contó (y nos cantó) algunos de sus desvelos. Imperdible. Tanto como la lengua sagaz y venenosa de Fernanda Iglesia, nuestra Bipolar del mes. La columnista de Duro de domar que no deja títere con cabeza en la farándula; tanto como Humberto Tortonese, que heredando del gran Adolfo Castelo sus vicios de crítico feroz pasa revista cada noche en RSM, además de estar en la radio, en el teatro y de prepararse incluso para hacer cine, en nuestra Entrevista. Nuestros Héroes anónimos son los chicos que participan del proyecto de la Fundación PH15, una institución que ayuda a los jóvenes de Ciudad Oculta a encontrar su vocación en el arte, promoviendo la fotografía. Y es tan importante ver cómo ven el mundo estos chicos, como la problemática alrededor del Bar Británico, otro café histórico de nuestro país que tiene un mal presente y está diagnosticado de un peor futuro a pesar de la resistencia de los habitués, en nuestro Ejército de salvación. Respiramos profundo, nos miramos para adentro y tratamos de encontrar la sabiduría en la milenaria práctica de la Kabbalah; no sabemos si lo logramos pero al menos nos tomamos el trabajo de contar cómo es que se destaca la sucursal argentina de esta disciplina tan en boga en Hollywood.

Bipolar cumple su séptimo mes en la calle y como José Martí dijo: A los sietemesinos sólo les faltará el valor. Los que no tienen fe en su tierra son hombres de siete meses, este mayo recordaremos con orgullo la gesta del 25 esperando llegar al número 8 de la revista.

Humberto Tortonese

2006-06-06T09:04:00.000-03:00

Por Milena Marcovecchio

A fines de los ochentas, transgrediendo lo establecido se inició e hizo del teatro su sello de distinción. Con un talento implacable trabajó con Gasalla y se sentó en el living de Susana Giménez bajo la piel de la diputada Gasconcha. Acompaña mañana y tarde a Elizabeth Vernaci en la Rock & Pop. Es coequiper de Mariana Fabbiani en RSM, y con su obra, La voz humana, esta por salir de gira ¿Se le puede pedir algo más?

Las Rimas y leyendas de Becquer fue lo primero que hizo en ese subsuelo de creatividad: El laboratorio, como generalmente lo llaman los de su generación. Tuvo la suerte de conocer y formar parte del teatro underground que se gestó y ganó terreno con el ocaso de la última dictadura militar, y el Parakultural fue el epicentro. Sin saber que en ese lugar en donde reinaba la improvisación se estaba generando vanguardia, Humberto Tortonese dio las primeras muestras de lo que vendría años más tarde.
Humor negro y grotesco fue la fórmula. Sin embargo, como dirá él más adelante, todo surgiría sin pensarlo. Hoy, su naturalidad y espontaneidad para decir las cosas siguen siendo sus principales características.
La perra Angélica, testigo omnisciente de su presente, se recuesta sobre una alfombra y da lugar para comenzar la charla.

CULTURA SUBTERRÁNEA
- Tu comienzo en el teatro fue nada menos que al lado de Batato Barea y Alejandro Urdapilleta, ¿como se dio?
- Ese trío se formó sin querer, al principio cada uno hacía sus presentaciones, después la vida nos fue uniendo y a mí me sirvió muchísimo porque era todo creatividad, lo que leíamos lo hacíamos a la noche en el Parakultural. Batato era un ser único, con luz propia, al igual que Urdapilleta, cada uno con un potencial terrible.

- Las circunstancias políticas del país también influían mucho, ¿no?
- Sí, tal cual, porque los medios donde vos podías expresarte libremente eran esos, los teatros eran muy oficiales, no es como ahora que cualquiera puede estar en cualquier lado, en ese momento era algo realmente marginal. Era un laboratorio que surgía sin estar pensado, no decías: Voy hacer algo que sea marginal, o voy a este lugar que es marginal. Ahora todo es decorado, pero en aquel entonces esa decoración era lo natural del lugar.

Con una estética propia y un público que no se comportaba como tal, porque al igual que los actores también tenía vía libre y el mismo espíritu desacartonado, el submundo -en su forma más literal- que creó el Parakultural fue un semillero de artistas en todas sus variantes.
Tortonese hoy cuenta con un reconocimiento que, a pesar de haber realizado innumerables obras dentro del circuito under (Ver: Mis...), se detonó en 1992 con su aparición en el programa de Antonio Gasalla. “Era lo mejor que había de humor en ese momento, y con Urdapilleta hacíamos los sketches que realmente eran otra cosa en la televisión. Eran parte de lo que ya veníamos haciendo y Antonio nos dio libertad, eso fue lo que provocó una explosión”, recuerda.
Si bien es cierto que todo lo que hacía era por amor al arte, también había que comer y para eso trabajó de cadete, hizo una publicidad para la marca Suchard, y fue mozo en la Dama de Bollini, restaurante top de la época, que le permitió alternar entre noches de bohemia y un trabajo con sueldo fijo.

EN SINTONÍA
Volvió a la tele, luego de su trabajo con Gasalla, de la mano de Susana Giménez en donde una vez más hizo lo que quiso. Pero en esa oportunidad se metió en el personaje de la diputada Gasconcha. Verborrágico y sin sutilezas pintó como nadie la década menemista. Recuerda que la criatura nació de una borrachera con amigos, y cuando lo llamaron para el programa la propuso y anduvo. “Primero me dijeron que tuviera cuidado con el horario, tenían un poco de miedo, pero después nadie se preocupó por lo que decía. Nunca me censuraron, la misma Susana no quería enterarse antes para divertirse al aire”, asegura.
Hoy, al lado de Mariana Fabbiani y sin personajes que lo camuflen, Tortonese sigue siendo el mismo, todas las noches en RSM por América pasa revista de la farándula y, sin pelos en la lengua, no deja títere con cabeza.

- Tenés lo grotesco y el humor negro muy incorporado a tu persona, ¿siempre fuiste así?
- En realidad uno tiene un mundo que lo va acompañando, pero de chiquito no era tan del humor negro. No recuerdo bien la edad pero agarraba la poesía negra o cualquier otra y le buscaba algo para adaptarla a una forma que realmente me gustara.

- ¿Hoy el sistema minuto a minuto para medir el rating es una presión extra para trabajar con lo humorístico?
- Es todo un circo porque es un juego nuevo, todos arman algo para ver cómo funciona. Yo creo que los que están del otro lado lo toman como divertido. Hay una locura de los que hacen televisión, de los que están detrás diciendo: Cuidado que esto funciona bien. A veces la tele tiene ese mundo de locura insoportable. Pero es ridículo eso del minuto a minuto, las cosas siempre a la larga también cansan. No hay algo que dure tanto. El único es Tinelli, que no se sabe todavía porqué. La pelotudez no sé cómo se mantiene tanto. El año pasado ocurrió lo mismo con Susana, también miraban quién hacía más puntos y era terrible, lo viví poco en ese momento, pero si yo medía 28 puntos probablemente hubieran dejado a la diputada todos los días. Es ridículo, si el que se metió en el horno andaba bien, seguían quemando gente (risas).

- En la radio, con Elizabeth Vernaci (Radio portátil y Tardes negras por Rock & Pop) el minuto a minuto no cuenta, hay un espacio ganado, y transmiten un vínculo muy fuerte entre los dos, ¿no hay límites?
- Con La Negra en realidad no es que no haya límites, nos permitimos decir lo que se nos ocurre y eso realmente esta bueno. Creo que no lo censuran por eso, porque uno es auténtico, porque no estás puteando por putear. La verdad es que a la radio la disfruto muchísimo, pero también porque es La Negra, porque con ella pude encontrar esa conexión que también me pasó con otros seres. Nos retroalimentamos el uno al uno.

- Estás nominado por mejor labor humorística en radio para los premios Martín Fierro, ¿como lo vivís?
- No es un premio que me importe tanto, me importó mucho más el Premio Clarín (mejor labor unipersonal por La voz humana) u otro que sea por actuación en donde los que votan son actores y tienen algo más de prestigio. La gente que está en Aptra no sabés quién es, la mayoría son mamarrachos, ya las ternas son medias ridículas. En 2003, que era por la diputada, estaba con Gasalla, Florencia de la V, y no tenía mucho que ver. Se arman mal las ternas, ahora estoy compitiendo con Alejandro Dolina y yo no lo veo como alguien que hace humor en radio, sí como hombre de radio.

- ¿Pero vas a ir?
- Sí, si no me coincide con alguno de mis compromisos. Tampoco es que me muero por ir, ya fui un par de veces y te das cuenta de cómo son las cosas.

UN SER COMPLETO
Angélica va y viene entre trípodes, reflectores y cámaras de foto. La invasión a su territorio ya le esta empezando a molestar. Es la única que tiene permitida la estadía completa en la casa, y lo sabe. A pesar de estar hace 20 años en pareja, este actor multifacético optó por no formalizar bajo un mismo techo para cuidar la relación. “Podés viajar, salir, tener una compañía, pero no la convivencia que desgasta todo, ¡y el humor de cada uno es tremendo!”, confiesa con esa gestualidad que le nace naturalmente.
Si bien el teatro es el lugar en donde mejor se mueve, a la radio aprendió a disfrutarla, la tele fue un tentempié de ocasión que le acercó la popularidad que muchas veces las bambalinas y las tablas demoran en traer. Y en la pantalla grande también se dio el gusto de actuar: La cruz del sur se llamó la película en donde -bajo la dirección de Pablo Reyero- encarnó a un travesti, un personaje de alto voltaje erótico al que también se le animó. “Me ofrecieron bastantes cosas en cine que rechacé y no me equivoqué. No era trabajar por trabajar, eso es lo bueno que me dio el Parakultural, el decir: ‘Bueno, ya que estoy haciendo lo que me gusta y lo disfruto, seguí haciéndolo. Generá cosas que te gusten que eso es lo bueno’”, asegura con la convicción de los que a la vida le conocieron todos sus costados.
Humberto Tortonese a los 41 años no para. Su segunda película está en camino, es una coproducción con España, de la cual lo único que puede adelantar es que se pondrá en la piel de un policía corrupto. El guión tiene mucho de cómics y de personajes grotescos, pero por el momento sólo es un proyecto en proceso de gestación.

Gabo Ferro. Alma de diamante.

2006-06-06T09:02:00.000-03:00

Por Gabriel Pérez

Se quedó mudo en un escenario y al otro día empezó a estudiar Historia enfermizamente hasta que se recibió con honores. Tiene escrita una tesis sobre los vampiros en los tiempos de Rosas. Hace un año, gracias a un amigo que le dijo que los músicos no abandonan la música, volvió a grabar un excelente disco que lo llevó a girar por Estados Unidos. Gabo Ferro, el jardín más bello del rock.

La sonrisa cautivadora de Gabo Ferro puede engañar al más cínico, porque detrás de ese gesto generoso, de la voz suave, y de la palmada amistosa se refugia un hueso duro de roer. Sus opiniones son tajantes y las dice con una seguridad a prueba de balas. Pero, por suerte, no habla con la soberbia de los ignorantes, y es una persona cálida que se presta al diálogo.
En un ambiente cada vez más prostituido como el del rock, es una bocanada de aire puro la aparición de su primer disco solista, Canciones que un hombre no debería cantar. Pero para otros es el peligroso ejemplo de que se puede desarrollar una carrera digna por afuera del negocio. “‘A vos te voy a matar’, me dijo un poco en broma un capo. No se bancan que no acepte ciertas reglas del juego, que no tenga mánager, que yo solo me arme las fechas, las giras, que el periodismo me busque”, reflexiona.
Su primer trabajo lo grabó en un día, el 25 de febrero de 2005, y lo acompañaron en la aventura Ariel Minimal, Pepo Limeres (guitarrista y tecladista de Pez) y Rogelio Jara en la percusión. A través de los 12 temas que trae el cedé, Gabo visita varios estilos, desde la zamba más pura a la canción más frágil, y el nivel poético de sus letras supera por varias cabezas a los hits que figuran actualmente en los rankings radiales, sobre todo el folclore El amigo de mi padre (Ver Escritos…), que relata una historia de amor gay a través de la visión de un niño.
“Quería volver a lo primigenio. Cuando yo toco una canción con la guitarra es efectiva. Y mis experiencias anteriores en los estudios eran de preproducción, producción, grabación de bases, demos, regrabación de bajo, tres guitarras. Eso me llevó a enojarme con todos y a grabar muy poco. Entonces fuimos a ION, que es un estudio de los cincuentas, porque quería registrarlo en primeras tomas, que fuera básico. ‘Si los pibes matan cuando tocan, para qué meterle más timbres’, era mi pensamiento. A la semana ya estaba en fábrica y así de sencillo quiero que sea seguir tocándolo. Ahora puedo llevar este disco de gira, me llevo la guitarra, subo a un avión y no tengo que preguntarle a nadie si puede tal fecha. Yo me presento, si Ariel puede, que venga, si Pepo puede, lo mismo, sino salgo a escena solo. Antes era un casamiento con una señora gorda y había que cumplirlo.” Ese antes era Porco, la primera banda de Gabo Ferro.

EL DÍA D
¿Qué estabas haciendo el 31 de marzo de 1997? Si no te acordás, es porque seguro que no estabas en el Hotel Bauen viendo a Porco. Esa noche, durante el tercer tema, el cantante de la banda literalmente enmudeció. Dejó caer el micrófono, saltó del escenario por sobre el (escaso) público, y corrió maratónicamente por la avenida Callao. “No fue un ataque de pánico. Simplemente dejé de hablar, me pasé la semana siguiente así. La primera vez que abrí la boca fue para decirles a los chicos de Porco ‘esto fue’. No fui al médico para saber si era algo físico. Sé que estuve mucho tiempo en silencio”, confiesa. Por esos días empezó a estudiar Historia, y lo hizo tan enfermizamente que a los pocos años se recibió con honores: ganó un premio en la Academia Nacional de la Historia, y le dieron una medalla de oro del Museo Mitre.
(Pequeño intervalo: Gabo fustiga sin piedad a los historiadores mediáticos, “La historia es un problema complejo, al igual que el rock, y presentarla como un anecdotario es una hijaputez. Ese tipo de historia es de drag queens, es una historia travesti. Para mí es mucho más interesante hablar de San Martín y pensar por qué vino en 1812, quién le pagó el pasaje, bajo qué contexto filosófico-ideológico llegó, antes que preguntar si era negro y pobre, o si la batalla de San Lorenzo fue una pequeña reyerta. Esa historia es para gente que trabaja 16 horas en un banco y después cuenta en familia: ‘¿Viste que San Martín era negro? Y lo que en realidad tendría que preguntarle ese tipo a su mujer es: ¿Qué nos pasa que cojemos una vez al mes?”).
Hizo la maestría, cursó el doctorado, pero seguía sin emitir palabras. “En la facultad me decían El mudo. Me hablaban y yo decía, ‘sí, no’, nada más. Ni escuchaba música. Había vendido mi guitarra, mi famoso micrófono inalámbrico, regalé discos. Sepulté las cosas de Porco en un cuartito y estudiaba. Sólo estudiaba.”
Seis años después, el ahora verborrágico Gabo explica de un tirón por qué, en su divorcio con la palabra, se quedó con la tenencia del silencio: “Porco nació maduro, fue como haber parido a un nene de dos años. El primer disco fue conceptual, y es algo que las bandas no estaban acostumbradas a hacer. Dijimos: ‘Hagamos un disco sobre escatologías’. Tenía que ver con nosotros que éramos pibes de veintipico de años y muchos amigos se nos habían muerto. Queríamos mezclar el sexo y la muerte. Las letras eran espantosas, y esa era la intención. Lo que pasa es que el concepto tiñó al grupo, entonces todo el mundo decía: ‘Es una banda asquerosa, suena fuerte, no se puede tararear una canción’. La prensa no nos trataba tan bien. Nos costó entrar en el Sí. Me acuerdo que yo estaba en un grupo de poetas, Los verbonautas, y un periodista nos vino a hacer una nota para ese suplemento. Yo le pedía una nota para Porco y a él no le gustaba nada lo que hacíamos. Y me acuerdo que le grité: ‘Si yo te dijera que tengo sida seguramente correrías a hacerme una entrevista’. Él me miró despavorido. Yo tenía la camiseta puesta de Porco, ensayábamos mucho. Pero se hablaba demasiado y la gente no apoyaba. Cuando volví en 2004, cerca de 150 personas me dijeron que habían visto cómo me quedé mudo. Pero nadie nos vino a ver a nosotros, todos fueron a escuchar a Jaime Sin Tierra. Sólo la esposa del guitarrista de Porco nos fue a ver esa noche”.
La banda llegó a grabar un segundo disco que no salió editado, pero que Gabo tiene en su poder y que le graba a los amigos. También anda dando vuelta una edición pirata que lanzó el sello Ultrapop. “Cuando tenga para un abogado le haré juicio a esa compañía porque ganaron plata por ese cedé, y yo pagué la parte que me correspondía de esa grabación”, dice indignado.

HACIENDO LA AMÉRICA
Parece un cuento de hadas, pero no lo es. A fines del año pasado, un conocido le compró cinco copias de su primer disco y las llevó a Estados Unidos. Los temas acústicos hicieron el ruido suficiente como para que se armara una movida entre las universidades, que juntaron el dinero del pasaje para que Gabo hiciera su primera gira en el exterior: La pobre pero honrada tour. “Fueron dos meses de tocar casi todos los días. A veces hasta hacía dos funciones en el mismo día. También canté mucho en la calle. La onda era no recibir dinero, si alguien se copaba me compraba el disco. Y me di el gusto de tocar de todo: canciones de Pez, Flopa, Porco. Hasta versioné un tema de David Bowie, Space Oddity (risas).”
Gabo, que puede llegar a defender sus creencias al punto tal de bajarse de un festival importante por estar patrocinado por una gaseosa, volvió encantado de la experiencia de estar en la tierra del Tío Sam. “Si Estados Unidos tiene esa parte horrible que todos conocen es porque hay un sustrato de una gran generosidad en mucha gente. Todos me invitaron a sus casas, se emocionaban mucho, se acercaban. Me escribían cosas. Los músicos son increíbles. Cuando escribí una canción anti Bush y dije que era anti guerra, ¡querían participar todos! Y yo les decía que no podían porque era una canción chiquita. Valoran mucho al cantautor compositor.” De aquellos conciertos memorables en los que Gabo (que habla inglés a la perfección) anunciaba con voz de niño travieso “this is a song about a gay father”, quedó registrado un pirata del que Gabo copió personalmente 300 copias -y las autografió- para vender en sus shows a sólo cinco pesos. “Ese disco es un regalo para los amigos que me siguen, no lo voy a reeditar”, comenta.

LOS DÍAS POR LLEGAR
Para este año Gabo tenía pensado editar un disco triple. Uno de los cedés iba a tener un sonido bien crudo, parecido al de Porco, con Pez como banda de apoyo. El segundo, que ya está grabado, los hizo con músicos de Estados Unidos. Y la trilogía se iba a completar con un cedé sólo con el registro de Gabo y su guitarra acústica. Este último pensaba grabarlo al aire libre con un programa informático que se trajo de La pobre pero honrada tour. El concepto global del triple era jugar con las tríadas Sexo, Drogas, Rock and roll, y Padre, Hijo y Espíritu Santo. Pero por el momento Gabo no pudo concretar su proyecto. “Es muy difícil conseguir el dinero para sacar ese disco triple por más que tenga todo el apoyo de mis amigos. Hay una oferta de un sello español para editarlo en España, pero tengo que hablarlo bien.”
Por lo pronto, mientras se decide a sellar un acuerdo con la compañía en cuestión, Gabo adelanta que “antes de la primavera” sacará un disco nuevo. “Tengo como 100 canciones, si no las edito voy a estallar”, dice sonriendo. Será mejor que cumpla su promesa, no es bueno que un hombre ande con tantas canciones que no debería cantar.

Fernanda Iglesias

2006-06-06T08:57:00.000-03:00

Por Ariel Jonte

Crítica de cuanto famoso le inspiraba una nota en las redacciones de Clarín, la periodista hace un repaso de sus años en el diario que, por una de esas casualidades, la llevó a ser panelista del programa ‘Duro de domar’.

1) ¿Por qué renunciaste a Clarín?
- Me pareció que haber trabajado 12 años en ese lugar ya era un tiempo razonable.

2) ¿Te costó tomar la decisión?
- Sí, porque el medio es muy importante y te da seguridad económica. Te pagan hasta cuando te enfermás.

3) ¿Dejaste todo de lado sólo porque te pareció que 12 años era un tiempo razonable?
- Me sentía aburrida de lo que estaba haciendo. Era todo lo mismo.

4) ¿Por qué decís que hacías siempre lo mismo en una profesión que tiene tanta diversidad?
- Hay que tener mucho talento para entrevistar a famosos porque desde el medio se te pide siempre lo mismo. Le hice tres notas a Carlos Calvo y fueron prácticamente iguales: ¿Cambió tu vida? ¿Sos un hombre nuevo?, esas cosas me aburrieron.

5) Entonces, ¿cuál fue tu mejor laburo en Clarín?
- Las columnas. Sentía que me arriesgaba a que el medio me dejara publicar esas notas en las que hablaba mal de todo el mundo. Después hice algunos reportajes que me gustaron, pero en realidad fueron muy pocos.

6) ¿Nunca te bajaron una nota?
- Dos veces. Una fue sobre Julieta Ortega, ella no me quiso dar una entrevista pero escribí algo igual. Si bien no estaba relacionada al hecho en sí, estaba muy pegada a lo que había pasado y me sugirieron no hacerlo porque iba a quedar vengativa. Me pareció bien.

7) ¿Y la otra?
- Era sobre uno de los dueños de Telefe. Muy fuerte. No salió por un llamado que hizo esa persona para pedir que no se publicara nada.

8) ¿Pensaste que alguna vez te fuiste al carajo con alguna nota que escribiste?
- Nunca pude verlas el mismo día porque prefería tener el diario lejos. Pero me impactaban mucho, eran muy fuertes. Hace poco releí una sobre Pampita y me dije: ¡Qué bestia! En general me chocaron todas.

9) ¿Te arrepentiste de alguna?
- Sí, una sobre Natalia Oreiro y Melina Petrella. Ellas se habían peleado porque Natalia le había prestado plata y Melina no se la había devuelto. Y me arrepentí porque me puse del lado del acreedor, y por haber mandado al frente a alguien en una época de crisis.

10) ¿Tuviste muchos problemas con la gente sobre la que escribiste o entrevistaste?
- Con las entrevistas, no. Sí tuve problemas cuando escribía sobre lo que veía y, en general, eso molestó porque di en la tecla. Yo tengo la teoría de que si se enojan es cierto.

11) ¿La verdad no ofende?
- Si me dicen que soy una sex symbol no me voy a enojar. Ahora si me dicen que soy una gordita que no tengo levante, ahí me va a agarrar un ataque y voy a decir: ¡Sí, guacho de mierda! ¡La pegaste! Siento que doy en el talón de Aquiles.

12) ¿Cómo es tu relación con aquellos a los que les diste en el talón?
- Algunos se la bancaron porque sabían que era verdad. A Flavia Palmiero la critiqué porque siempre decía que tenía proyectos para volver a la televisión y nunca lo hacía. Un día me llamó por teléfono y me dijo que tenía razón, pero que me iba a cagar porque iba a volver. Cuando lo hizo me invitó a su programa.

13) ¿Y con los que no se la bancaron?
- Son muchos...

14) ¿El famoso no soporta el palo?
- Quiere que siempre lo elogien. A mí me dijeron que a Fabián Gianola lo traicioné, pero yo no soy su amiga. La traición periodística no existe. Nunca hice un pacto para hablar bien de nadie, al contrario, la empresa a mí me pagaba y no lo hacía para que yo ocultara sus amoríos con rubias, morenas y pelirrojas.

15) Pero fuiste dura, el tipo está casado...
- Estuve jodida, pero fue en tono de broma. No fue un voy a denunciar a Gianola porque se coje a todas las minas.

16) Él también trabajaba en la misma productora, ¿que pasó cuando te lo cruzaste en los pasillos de América?
- Me puteó de arriba a abajo. Me puse muy mal porque la situación fue fea. Los famosos se toman muy en serio a sí mismos.

17) ¿Cómo entraste a Indomables, ahora Duro de domar?
- Le hice una nota a Pettinato para Clarín y él consideró que debía formar parte del panel, y al mes siguiente me llamaron para formar parte del programa. Soy su creación.

18) Y ahora que tenés cierta popularidad, ¿cómo te tomás las críticas?
- Son bastantes. Quizás no son de alguien que me importe, sino que están en los foros. Ponen que no tengo carisma, que soy una gorda boluda, que era mejor cuando escribía. Eso es verdad, para expresarme soy mejor en la gráfica.

19) ¿Es cierto que vas a armar un blog?
- Todavía no lo voy a hacer porque no tengo en claro qué quiero decir. Me gustaría porque es un medio propio. Podés decir lo que quieras encarando la noticia del lado que más te guste.

20) En los años que llevás como periodista, ¿sentís que algo se perdió en la profesión?
- Todos están esperando que les lleguen propuestas de afuera para salir a buscar la noticia.

21) ¿Qué cosas te molestan en el ambiente?
- La invasión que hay de los jefes de prensa y la manipulación de la información desde afuera de la redacción. Si los jefes de prensa van a ser los jefes de redacción no quiero hacer más periodismo de espectáculos.

22) ¿Te ves como conductora de un programa de televisión?
- La conducción es mucha responsabilidad. Prefiero que la haga otro y que yo pueda estar aportando lo mío.

Dios salve al Británico

2006-06-06T08:54:00.000-03:00

Por Gabriel Pérez

En la esquina de Brasil y Defensa quieren cerrar el refugio de toda clase de personajes porteños, el Bar Británico. Atendido desde hace 45 años por sus dueños, tres gallegos tan notables como el lugar, los vecinos luchan para que no se convierta en un cibercafé.

El mismo suspiro de resignación que muchos sintieron ante la pequeñez del anfiteatro de Cosquín o la vulgaridad del cubano medio que ignora a Silvio Rodríguez y ofrece obsesionado putas y tabaco (¿Dónde está el festín que nos prometieron?, preguntaría un desconcertado Jim Morrison). Acá no hay genios dándole el toque final a la gran obra literaria que fomentará por los años la fama de este bar. O sí. El café viene con dos sobres de azúcar, para desgracia de golosos y diabéticos. Ni noticia del edulcorante. Las medialunas eran más ricas ayer, siempre ayer. La leche es fanática de Los Natas. Entrar a los baños es una misión para el grupo Halcón o el GEO (Sobre este tema, en internet circula una broma cruel en la que un cliente le pregunta al mozo: ¿Y el baño jefe? Y este le responde: Bien gracias.).
¿Lugares comunes? Todos: una bohemia le muestra a un pibe de la calle sus dibujos en un cuaderno. Ella, vaso de whisky nacional en mano, se divierte. Él quisiera estar en compañía de un especial de jamón, pero finge cara de interés. Dos chicas comparten una cerveza y muchos secretos. Se toman de la mano, se les iluminan la cara, parece que se están por besar pero arrugan. Parten en silencio. Con los brazos cruzados y los codos anclados en la mesa, un taxista le susurra promesas a una rubia con rulos y raíces oscuras. Por supuesto que también está el solitario de nariz roja, siempre en compañía de un tinto a medio terminar. Por la puerta de la esquina, un linyera es invitado -típica cortesía inglesa- a no cruzar el umbral. Los goles de la fecha en el televisor, electrodoméstico omnipresente que se cargó la nostalgia de todos los bares de la ciudad.
Y las anécdotas famosas, claro: que en esa mesa Ernesto Sabato escribió Sobre héroes y tumbas, que Enrique Symms se daba cita con todos sus demonios internos en ese rincón, que el presidente Néstor Kirchner llamó al teléfono público para ofrecerle la conducción de la Biblioteca Nacional al escritor Horacio González, que en tiempos de colorados y azules casi se arma una gresca entre oficiales de ambos bandos, que La Negra Poli partió una botella y lo quiso cortar al mánager de Los Piojos.

HISTORIA OFICIAL
En 1926, en la esquina de Defensa y Brasil funcionaba una pulpería, La Cosechera, que era el refugio de los ingleses ex combatientes de la Primera Guerra Mundial que paraban, en su gran mayoría, en una pensión de la calle Garay, hoy conocida como Hotel Savalía. Ellos fueron los que le inspiraron el nombre a los gallegos Pepe Miñones, José Trillo y Manolo Pose, que desde hace 45 años poseen el fondo de comercio del Británico.
En épocas en las que la sociedad se sumerge en una peste irracional, como durante la Guerra de Malvinas, los gallegos, temerosos o irracionales también, borraron el Bri y el bar pasó a llamarse Tánico. Luego de la guerra, el bar recobró el nombre cuando un turista griego contó que en su lengua tánico significaba muerte.
Desde 2000 el Británico figura dentro de la categoría de bar notable. El beneficio que trae la mención, entre otros, es una ayuda del Gobierno porteño para preservar el edificio, restaurarlo, y promocionarlo como una actividad cultural y turística más de la Ciudad de Buenos Aires.
Sin embargo, ser notable no significa ser inmune. Y desde hace varios meses, la palabra -o el fantasma- cibercafé sobrevuela por la cabeza de los bohemios, artistas, tacheros, putas, giles, escritores y vecinos que temen que su querido bar se transforme en el refugio de otra forma de perder el tiempo. El miedo al cierre de un bar que vive abierto las 24 horas motivó a una movida que llegó a su apogeo con la junta de 14 mil firmas que impidieron que Juan Pablo Benvenuto (heredero del Británico) le pusiera candado a la nostalgia el 31 de marzo pasado. También hubo gestos demagogos como cuando el vicepresidente Daniel Scioli se dio un baño de popularidad en la mesa de ajedrez, o inclasificables, como la visita de Joaquín Sabina.

¿SE CIERRA?
Según Benvenuto, los nuevos locatarios del bar tienen que respetar la tradición del Británico. Entonces, ¿por qué no seguir alquilándoselo a los gallegos que, como buenos gallegos, pagan religiosamente todos los meses los 1250 euros de alquiler? “Eso fue lo que le planteamos a Benvenuto”, dice Renata, una vecina que forma parte de las reuniones donde se piensan los pasos a seguir. Pero él respondió que salvo Manolo, todos los demás empleados y dueños se quieren ir del bar, sólo que no lo hacen porque no se llega a un acuerdo monetario. “Pero Benvenuto se lo quiere dar en forma de pago a un tal Agustín de Souza, quien habría sido un empleado suyo en un garage que tenía”, revela Renata. Además, hay otras cuestiones de fondo, pintadas de verde dólar. “Los gallegos –continúa- le pidieron al dueño 50 mil dólares en concepto de indemnización para pagarle a los empleados. Benvenuto ofreció 20 mil pesos. Ahora está todo en manos de los abogados y me parece que se cierra, que van a arreglar, está muy sucio todo.” Otro inconveniente es la sucesión del fondo de comercio que los gallegos tendrían con Carlos Encina, un mozo que trabaja en el bar desde hace 23 años, y con un hijo de otro mozo. El contrato de alquiler venció en diciembre de 2004. El 31 de marzo de este fue la fecha de desalojo. Pero cuando Benvenuto pisó la vereda, un montón de llaveros se le agitaron peligrosamente en la cabeza. “Llevate las llave de mi casa, las del Británico no”, fue la consigna.
El partido anti cierre también se juega en internet, donde en la página barbritanico.com.ar y en algunos blogs se cuelgan mensajes apoyando a los vecinos desde distintas partes del globo, algunos de rigor académico: Quisiera hacer un llamado desde Norteamérica para salvar al Bar Británico. Soy un científico y puedo decirles con gran certeza que el peso de apenas una computadora en ese lugar va a alterar la rotación de la Tierra, causar el derretimiento de los casquetes de hielo, inundar las orillas del Río de la Plata para cubrir la mayor parte de Buenos Aires con agua. Tendrán que trepar a la cima del Parque Lezama por seguridad y café y cerveza pero no encontrarán nada porque en ese lugar habrán puesto un cibercafé. Hagan lo que quieran, pero desde un punto de vista científico están coqueteando con el desastre.

TRISTE Y SOLITARIO
“Sí, es verdad, lo baños son un desastre -admite Renata-. Pero ahora es otra la disputa: es necesario que el bar sigua siendo de los gallegos y que se haga una correcta lectura de la Ley de Patrimonio Cultural, porque hay un subsidio para refaccionar el edificio parado. Acá no hay discriminación, no hay vip, uno puede venir a la hora que quiera y alguno de los gallegos te va a atender de primera.” La lucha de Renata y de los vecinos de San Telmo es la de una generación que a través de los años acumuló derrota tras derrota, fue diezmada por la dictadura, y presenció en primera fila cómo los sucesivos gobiernos democráticos, en especial el menemismo, remataron el patrimonio nacional. Por eso no quieren perder (en) el barrio la esencia de pasar las horas en compañía de las mesas que se quejan de dolor, el café con natas, las medialunas de ayer o el baño en ruinas. Para ellos el paraíso queda en Defensa y Brasil, más allá de las tramoyas y turistas. Y no van a permitir que nadie les gane de local. ¡Dios salve al Británico!

El Cabildo. Cerca de la revolución

2006-06-06T08:51:00.000-03:00

Por Graciana Castelli

La gesta de mayo de 1810 derrocó a las autoridades españolas y creó la Primera Junta integrada por criollos. El Cabildo, hoy figurita decorativa del paisaje porteño, fue el escenario imprescindible para concretar la hazaña. A tan sólo cuatro años del Bicentenario de la Patria, la idea es recuperarlo como parte de la memoria histórica del pueblo argentino.

El 24 de mayo por la noche, el coronel Saavedra y el doctor Castelli atraviesan la Plaza de la Victoria bajo la lluvia, cubiertos con capotes militares. Van a jugarse el destino de medio continente después de tres siglos de dominación española. Uno quiere la independencia, el otro la revolución, pero ninguna de las dos palabras será pronunciada esa noche. Luego de seis días de negociación van a exigir la renuncia del español Cisneros. Hasta entonces Cornelio Saavedra, jefe del Regimiento de Patricios, ha sido cauto: ‘Dejen que las brevas maduren y luego las comeremos’, aconsejaba a los más exaltados jacobinos.
En Sin paraguas ni escarapelas, el periodista y escritor Osvaldo Soriano describió así la noche previa al 25 de mayo de 1810. Y lo cierto es que Cisneros, debilitado por la caída del rey Fernando VII de España en manos de Napoleón, finalmente renunció. Parece que Saavedra y su –todavía- compañero Castelli lo visitaron la noche del 24 y le hicieron entender que el pueblo no estaba a gusto con que lo nombraran Presidente de la Junta que reemplazaría su propia destitución como Virrey consensuada en el Cabildo Abierto del 22 de mayo. Al otro día juró el Primer Gobierno Patrio. Los protagonistas, hoy vestidos de calle, son más que conocidos: Saavedra, Paso, Moreno, Azcuénaga, Matheu, Castelli, Belgrano, Alberti y Larrea, entre los más renombrados.
El escenario revolucionario tuvo sede en el edificio del Cabildo -cuyo nombre deriva de capitulum, que significa a la cabeza-, y que no era otra cosa que una institución española que establecía el fundamento jurídico de toda ciudad, de acuerdo a las Leyes de Indias. Por eso Juan de Garay lo designa en 1580, al tiempo que suscribe el acta fundacional de la Ciudad de la Santísima Trinidad y del Puerto de Santa María de los Buenos Aires. “Era un cuerpo vecinal que solucionaba los problemas de las personas, pero a la vez también tenía el Poder de Justicia, de Policía (y la cárcel) y el Administrativo. Obviamente los que ocupaban los cargos eran españoles y por eso las consecuencias de 1810”, explica María Teresa Margaretic, museóloga del Cabildo.

SE VISTIERON PARA LA LÁMINA
La leyenda escolar dice que en aquella jornada lluviosa del 25 la Plaza de la Victoria -hoy Plaza de Mayo- estaba repleta de gente con paraguas. Hombres con galeras y mujeres con aparatosos atuendos retratan la historia. Pero difícilmente haya sido así: sólo los hombres ricos usaban paraguas -el resto se cubría con capotes-, y la moda femenina seguía un estilo que no marcaba la cintura y que imitaba a las romanas antiguas.
Una de los legados más significativos que actualmente guarda el Museo del Cabildo son los cuadros de los próceres. “Hay uno muy importante del 22 de mayo en el que están representados los patriotas en el Cabildo Abierto. El pintor hizo lo que iba leyendo en los documentos de la época, y entonces ubica a los personajes como figuraban en las actas. Ahí aparecen orando Castelli y Paso, y eso está hecho a propósito porque ellos son los teóricos que fundamentaron la toma de conciencia que fue la Revolución. La pintura muestra cuando están sesionando en la galería, y se ven telas en las dos puntas porque, según dicen los testimonios, hacía mucho frío”, describe Margaretic.

EDIFICIO MUTANTE
Tampoco el Cabildo de 1810 era el mismo que ahora. Por entonces tenía 11 arcadas que fueron desapareciendo con la capitalización de Buenos Aires hasta quedar reducidas a cinco. Las primeras tres fueron derribadas en 1890 cuando se hizo la Avenida de Mayo, y el resto en 1932 con la llegada de la Diagonal Sur. Si bien los cimientos son los originales, fue hecho y deshecho incontable cantidad de veces.
Cuando Garay crea la institución, sus funciones se cumplían en las casas de los propios cabildantes. Recién para 1608 comienza la construcción del primer Cabildo, con paredes de adobe y techo de paja. En 1720 surge un proyecto para hacerlo en ladrillo y termina de construirse en 1752. “Se tardó mucho porque existía el mismo problema que ahora: el Estado, que era la corona española, no era muy buen pagador y todo se demoraba”, cuenta Margaretic.
Su inicial estilo español con techos de tejas y barandas de hierro fue modificado durante la presidencia de Julio Argentino Roca que, luego de convertirlo Tribunales Nacionales, ordena su remodelación. Ahí se lo reviste de una arquitectura ecléctica, un poco francesa y un poco italiana.
En 1933 se lo quiere demoler porque estaba deteriorado y sus funciones habían sido trasladadas a otros edificios. “Los que lo salvan son los diarios La Prensa y La Nación porque dicen que tiene que ver con nuestras raíces y nuestra identidad española. Así fue como quedó en pié, y entre 1938 y 1940 comienza su restauración y se le devuelve el espíritu de 1810”, dice Margaretic.

EL BICENTENARIO
A poco de cumplirse 200 años de la Revolución de Mayo, el Cabildo nuevamente está siendo remodelado para la gran fiesta. En él juró el Primer Gobierno Patrio que, todavía lejos de la independizarse (los miembros de la Primera Junta le juraron lealtad al rey español), marcó el inicio de la vida política del pueblo argentino. El Cabildo, hoy monumento histórico, fue el artífice necesario para que aquella gesta revolucionaria –y no tanto- abriera el camino, seis años más tarde, al Congreso de Tucumán.
“Ahora estamos tratando de hacer hincapié en que si bien el Cabildo era una institución española, también fue la cuna de nuestra identidad y formación política. Acá juró el Gobierno Patrio, y a partir de 1810 empezaron a salir todos los ejércitos emancipadores –rescata Margaretic-. Con este mensaje deseamos llegar al Bicentenario, queremos que el Cabildo esté presente en las fiestas. En 1910 estuvo muy ausente, se hicieron regatas, vino la reina de España, la llevaron al Teatro Colón y al Parque Japonés pero no se hizo nada en el Cabildo. Entonces lo que queremos es recuperar esa parte de nuestra memoria histórica.”

Claudio Lozano, el ojo crítico

2006-06-06T08:48:00.000-03:00

Por Federico Amigo

El Diputado Nacional no concibe su vida por fuera de la política. Mientras deja abierta las puertas a una posible candidatura como Jefe porteño, analiza los tres años de conducción K. Cree ‘que algunas definiciones del Gobierno, si no se revisan, son mortales’. Además, piensa en la construcción de un frente ‘en torno al proyecto de país que hay que hacer’.

En el aire revoloteaba una saludable sensación de cambio. Un auspicioso discurso de asunción, una encendida crítica a la vieja política y a los organismos internacionales cómplices de la estrangulación del país, y una coherente preocupación por ponerle punto final a los crímenes de lesa humanidad cometidos por el terrorismo de Estado marcaron la apertura de un camino, al menos, distinto. Seis meses después del desembarco kirchnerista en la Casa Rosada, Claudio Raúl Lozano asumió como diputado nacional el 10 de diciembre de 2003. Miembro desde la primera hora de la Central de Trabajadores Argentinos (CTA) consiguió su escaño bajo la lista Fuerza Porteña, encabezada por el destituido Aníbal Ibarra. “No me arrepiento de cómo llegue. La coyuntura en la que entré tuvo una peculiaridad importante: se conformó un arco político muy grande que confrontaba con lo que era la opción de Macri. Se gestó una confluencia amplia que me permitió intervenir sin tener que adscribir a ninguna de las experiencias político-partidarias.”
En los albores del tercer aniversario de la administración K, el economista de la CTA se presta gustoso a una introspección del mundo kirchnerista, y aventura una construcción política “capaz de confluir en torno a algunas definiciones sobre el proyecto de país que hay que hacer”.

PRIMEROS PASOS
El 25 de mayo de 2003 Néstor Kirchner recibió la banda y el bastón de mando de las manos del ex vicepresidente de Carlos Menem, ex aliado y principal propulsor de la llegada del santacruceño al sillón de Rivadavia, Eduardo Duhalde. Sobre Balcarce 50 soplaban promisorios vientos del sur. “El Gobierno ha tenido un periplo complejo. Tuvo un momento inaugural auspicioso en lo planteado respecto a los Derechos Humanos, la renovación de La Corte, la nulidad de las leyes de Obediencia Debida y Punto Final. Pero a partir de allí comenzaron un conjunto de definiciones que son preocupantes”, arguye Lozano.

- ¿Qué posturas mantiene esta conducción desde que asumió?
- Tiene coherencia básicamente en la problemática de los Derechos Humanos. Pero está mostrando complicaciones serias en el diseño de la construcción política para adelante y, fundamentalmente, en la capacidad de trazar soluciones diferentes al problema de la desigualdad en la Argentina. No creo que sea factible pensar en ninguna estrategia de inserción de la Nación en el mundo o la región, sino es sobre la base de replantear las condiciones bajo las cuales se distribuyen el poder, las riquezas y los ingresos en el país. Entonces vemos un Gobierno que hace gala de una suerte de culto desarrollista y que cree que con una tasa de crecimiento se van a resolver mágicamente nuestros problemas. Desde nuestra perspectiva no sólo no alcanza sino que, además, van en una dirección diferente a la que hay que pensar.

- ¿Existe una real recuperación económica?
- Volvimos a la actividad que se tuvo hasta 1998, pero la tasa de desocupación es más alta que la de aquel momento: 12,7 por ciento contra 12,4. El ingreso promedio es un 25 por ciento inferior. Hay casi 3 millones de hambrientos más de los que había. Esto indica que hay una recuperación que no ha tocado en absoluto los cimientos de la desigualdad que el neoliberalismo instaló en nuestro país. En todo caso, lo que aparece como mejoría relativa es el impacto lógico y natural que se produce cuando se sale de una profunda crisis, sin siquiera volver a los promedios del nivel de vida anteriores.

AL CONTADO
Tras más de dos años de acérrimas críticas hacía el FMI y sus titulares de turno, la administración kirchnerista decidió cancelar la deuda con ese organismo. Bajo la consigna de romper lazos con un modelo de dominación, como el del Fondo, Argentina pagó por anticipado 9.810 millones de dólares. Para Lozano se perdió la oportunidad de una discusión dura y fortalecida en torno al trasfondo de la génesis de la deuda: “Se la tomó como un todo. Se descargó la quita sobre quienes eran más débiles y no sobre quienes eran más responsables, y se hipotecó en parte las condiciones de la política nacional. No es lo mismo decir ‘voy a discutir la corresponsabilidad de los organismos de crédito y de los acreedores’, que pagar todo”.

- ¿En algún momento existió la convicción de seguir otro camino?
- No me preocupa juzgar convicciones. Estoy de acuerdo con la idea de la investigación sobre la deuda, de la corresponsabilidad, con la idea de atar los pagos a la fuga de capitales al exterior, y lo que se pagó habría que haberlo hecho descansar en una reforma impositiva que les cobrara a aquellos que fueron responsables del endeudamiento a nivel local. Pero todos esos pasos son los que no se hicieron. En consecuencia la que paga es la sociedad argentina, y los de siempre. Es visiblemente distinto al enunciado: lo que era toda una hojarasca discursiva de confrontación con el Fondo se cayó a pedazos cuando, en lugar de mantener una actitud de dureza, se pagó hasta el último centavo en nombre de una supuesta liberación nacional.

- Amén de acordar o no con la cancelación, ¿se tomó distancia del FMI?
- Si después de pagar tienen que hacer un culto de maximizar el superávit, en la práctica se paga pero se aplica la misma receta ortodoxa que el organismo demanda. Si hay que establecer un fondo anticíclico, como se forma ahora, en lugar de atender las problemáticas sociales más urgentes o las necesidades productivas se están reaplicando las recetas del FMI, a pesar de que ya no nos monitoreé.

Con miras al 2007, la mayor parte de los analistas políticos dan por sentado un aplastante triunfo del actual Gobierno. Sólo resta definir, según auguran, quién calentará el sillón de Rivadavia. Sin embargo, un informe del Instituto de Formación y Estadísticas -perteneciente a la CTA y dirigido por Lozano- acerca de las elecciones legislativas de 2005 muestra que no toda la población convalida ese camino. Los guarismos reflejan que, en los últimos comicios, hubo más impugnaciones y ausentismo que apoyo al oficialismo: el 35,4 por ciento del padrón electoral no fue a votar (29 por ciento) o lo hizo en blanco (9 por ciento). De hecho, las cifras superaron las estadísticas del famoso voto bronca de octubre de 2001.
“El trabajo indica una mirada lejana respecto al proceso político, y cierto desencanto sobre la capacidad de respuesta que el sistema institucional tiene respecto a la vida cotidiana de la población. Creo que algunas definiciones del Gobierno, si no se revisan, son mortales. Mi preocupación es que, en estos momentos donde hay una recuperación de la actividad económica desde el fondo del pozo, y que cualquier comparación con el pasado suele ser positiva, se crea que las cosas están andando bárbaras”, sostiene Lozano.
Hoy el diputado descansa sobre la buena reputación que la CTA se ha ganado en los últimos años, aunque sabe que el esfuerzo será en vano si no se sigue profundizando sobre un proceso de construcción diferente: “Para nosotros la política es de carácter integral y hay que desplegarla en todos los campos de la vida y la sociedad, porque es la única manera de modificar las cosas”.

Fundación PH 15. Fotografía en Ciudad Oculta

2006-06-06T08:41:00.000-03:00

Por Lucía Turco

En Ciudad Oculta funciona un taller de fotografía que busca dar a los chicos un modo de expresión a través del arte. Sus obras se vendieron en Estados Unidos y recorren el mundo. Sus directores prevén extender el proyecto a otros barrios.
Fundación PH15 es el nombre del taller de fotografía que desde el 2000 funciona en uno de los barrios de emergencia más violentos de la Ciudad de Buenos Aires, conocido como Villa 15 o Ciudad Oculta.
Todo empezó cuando Martín Rosenthal, director del proyecto junto a Moira Rubio, estaba haciendo un trabajo como fotógrafo en el barrio y un grupo de adolescentes se acercó. Él tenía un tiempo libre y la idea de hacer algún taller de ese tipo, y los chicos le contaron que querían aprender fotografía pero que era algo imposible. “Fue una cosa mutua”, dice Rosenthal. Les encargó que buscaran el espacio físico para hacerlo y a los 15 días de ese primer encuentro arrancaron con algunas máquinas viejas y películas vencidas, que sirven igual.

HABLAR CON IMÁGENES
Al principio eran diez. Hoy son alrededor de 30. Hasta 2005, el programa del taller era de dos años y ahora se implementó el tercero, en el que se enseña fotografía digital y está dedicado a chicos de entre 13 y 20 años.
Los primeros materiales los consiguieron golpeando puertas de amigos, colegas fotógrafos y negocios. “La cámara que usan al principio es una muy elemental y económica que, en este momento, estamos consiguiendo a seis pesos en Estados Unidos, más barata que en Argentina”, cuenta Rosenthal. Un par de años después consiguieron donaciones de cámaras profesionales, entonces empezaron a estudiar técnica fotográfica y manejo de cámara, incluyendo laboratorio blanco y negro. “Pero no perdemos de vista la esencia del taller, que es la expresión fotográfica, en contraposición a lo que sería un taller de técnica fotográfica”, explica. Y en este sentido, el taller funciona al revés que cualquier escuela de fotografía donde primero te enseñan el manejo de la cámara y la técnica. “Lo que se le plantea a los chicos es que van a tener un nuevo lenguaje, que van a aprender a decir lo que quieran a través de imágenes, y por eso se parte del análisis de la foto, cómo hacer que funcione, que transmita lo que cada uno quiere decir, ese es el corazón del taller.”

FOTOS DE TODOS LADOS
Las fotos del grupo que integra PH15 no son fotos de la villa, son de todos lados. Rosenthal cuenta que otro de sus objetivos es que los chicos se conviertan en artistas y se los respete como tales. “Ponemos sus fotos en pie de igualdad con las de cualquier otro fotógrafo. No importa el contexto, nosotros lo mencionamos porque nos parece importante mostrar en lo que creemos: la educación a través del arte.”
A diferencia de otros talleres que funcionan en Ciudad Oculta, que están orientados a una salida laboral, el de PH15 apunta a encontrar otra manera de comunicarse. “Conseguir un trabajo como fotógrafo en Argentina es casi imposible, por lo que decirle a los chicos que van a tener una salida laboral sería casi mentirles.” Aunque, como dice Moira Rubio: “A la larga si también le enseñás a un chico a comunicarse con el resto de la comunidad con la que no interactúa en lo más mínimo, le estás dando una herramienta para que salga del barrio y pueda conseguir laburo”.
El taller funciona los sábados en Conviven, Centro de Convivencia para la Familia, en la villa 15. Allí disponen de tres aulas, un espacio donde funciona el laboratorio y un salón de usos múltiples donde suelen convocar a fotógrafos profesionales para que dialoguen con los chicos.

LENGUAJE MUNDIAL
La mayoría de las fotos son en blanco y negro y están reunidas en un libro. Además, sus obras han viajado a muestras fuera del país. Expusieron en Madrid y cuatro veces en Estados Unidos, donde un museo compró una foto de cada uno de los chicos para su colección permanente. En la última inauguración en ese país se hizo una videoconferencia a través de Internet y los alumnos de PH15 pudieron ver sus fotos expuestas y hablar sobre sus obras con los visitantes. “Eso es fascinante, se cierra la brecha cultural de una manera impresionante”, dice Rosenthal. “Una cosa es que te cuenten que hay mucha gente y otra cosa es verlo y hablar con la gente”, comenta Nanci Alfonso, que cursa actualmente el tercer año del taller. Mitad de la venta de las fotos va para los chicos y la otra mitad para seguir manteniendo la fundación.
“A mí me enseñan más ellos de lo que yo les enseño”, asegura Rubio. “Trabajar con los chicos, te desprejuicia, ellos tienen imágenes muy viscerales y te llevan a sacar imágenes de ese estilo y a usar menos la cabeza.”
La fundación no cuenta con ningún financiamiento permanente. Se reciben donaciones puntuales de empresas y de particulares, pero ningún aporte fijo de organismos públicos ni privados. PH es la sigla internacional que identifica a la fotografía y 15 es el número que el Gobierno le asigna al barrio de emergencia donde funciona el taller. La idea de Rosenthal y su equipo es extender el proyecto a otros barrios de emergencia, por lo que surgirían nuevos PH, con distintos números o denominaciones.
Hay otros talleres en el mundo como PH15, por ejemplo en África, cuyas fotos Rosenthal encontró parecidas a las de sus alumnos, “es como que hablasen el mismo idioma”, dice.

El auge de la Kabbalah

2006-06-06T08:37:00.000-03:00

Por Liliana Arguiz

Pese a ser una enseñanza de cuatro mil años, la kabbalah comenzó a popularizarse en los últimos 30 y alcanzó su máximo apogeo cuando astros de Hollywood como Madonna declararon ser sus seguidores. Incluso en nuestro país se realizó el año pasado una maratón que contó con un alto índice de concurrencia.

La enseñanza de la kabbalah, una derivación mística del judaísmo, llevada a cabo por el Kabbalah Centre, ha pasado de ser una escuela con una sola habitación en Jerusalén a transformarse en una organización sin fines de lucro, líder en el mundo, y con millones de estudiantes distribuidos en más de 30 países.
En sus comienzos, el aprendizaje de la kabbalah fue secreto y reservado para selectos individuos. Pero luego pasó por disputas internas, especialmente cuando un grupo intentó abrirlo al público y hacerlo popular. Incluso durante miles de años los kabbahlistas han sido perseguidos por atreverse a enseñar algunos de sus secretos a las masas. En la actualidad, alcanzó notoriedad en los medios desde que Madonna reconoció que era una practicante. Pero la lista de famosos que volcaron sus creencias religiosas a este fenómeno no termina con La reina del pop: Britney Spears, Missy Elliot, Winona Ryder, Courtney Love, Demi Moore, Elizabeth Taylor y hasta Mick Jagger, son algunas de las celebridades habitúes al Kabbalah Centre de Beverly Hills .
Los seguidores de la organización fundada hace 83 años por el rabino estadounidense Philip Berg, sostienen que la kabbalah –derivada de la palabra hebrea lekabel: recibir- no es una religión, sino un sistema filosófico que brinda la tecnología o las herramientas no sólo para el desarrollo personal, sino también para el mejoramiento del mundo.
Bajo el lema: La kabbalah es a la espiritualidad, lo que la dieta y el ejercicio para el cuerpo físico, sus practicantes proponen trabajar en dos niveles distintos: el individual, directamente relacionado con el compromiso de transformación propia, y un segundo nivel global que tiende a construir un cambio colectivo de conciencia.

KABBALAH Y JUDAÍSMO
Si bien muchos de sus eruditos fueron judíos, también hubo muchos estudiosos del tema no judíos. Tal vez el apogeo de estas enseñanzas se deba al hecho de que el judaísmo se haya vuelto hot, a punto tal que en Estados Unidos bautizaron a esta nueva tendencia como jewcy, término que emparenta a lo judío con lo jugoso. Esta movida está muy ligada a la cultura pop y parece estar convirtiéndose en un fenómeno de moda, y hasta existen algunos rabinos que la califican de esotérica.
Del otro lado de la balanza están quienes –judíos o no- consideran que la kabbalah no fue creada por una secta específica, sino que nació para ser utilizada por la humanidad con el fin de unificar al mundo.

EL PROYECTO ZÓHAR
Otro de sus objetivos es la eliminación del caos y el sufrimiento. Esta misión se lleva a cabo haciendo llegar el Zóhar a aquellas personas y lugares que necesitan esta sabiduría transformadora. Zóhar es una palabra hebrea que significa esplendor, y se trata de un texto de hace aproximadamente dos mil años que, según los kabbalahlistas, revela los secretos del mundo físico y espiritual. Es básicamente un comentario de la Biblia, pero para ellos no se parece a ningún libro que haya existido, ni que vaya a existir.
El Proyecto Zóhar incluye, además, diversas fundaciones entre la que se distingue el llamado Proyecto Asia que se encarga de arbitrar los medios para que las víctimas del tsunami consuman agua potable.

EL HILO ROJO
¿Quién no se ha puesto alguna vez una cinta roja para la envidia o ha pasado por lo que las abuelas llaman ‘el mal de ojo’? Para la kabbalah también existe la teoría de que personas malintencionadas o envidiosas pueden causar un daño fatal con la mirada, y entonces proponen como antídoto al archiconocido hilo rojo.
Este amuleto está hecho de hebras de una lana especial y es bendecido en la misma tumba de la matriarca Raquel, la protectora de las personas. El hilo rojo debe usarse en la muñeca izquierda, que es el costado que simboliza el acto de recibir del cuerpo y del alma.
Existe bibliografía y hasta merchandising de este sistema de protección, como por ejemplo, inciensos, velas aromatizadas y hasta el pinjacito -un pequeño Zóhar de bolsillo- que repele la influencia de la poderosa fuerza negativa de miradas hostiles.

LOS 72 NOMBRES DE DIOS
Cuando los kabbahlistas hablan de Dios no aluden a una forma humana sino a la luz que emana el Creador, y a la que se puede acceder a través de visualizaciones específicas del alfabeto arameo.
Los 72 nombres son secuencias de tres letras que actúan como índice de distintas frecuencias espirituales. Esta herramienta es considerada como el arma metafísica más poderosa que permanece escondida y codificada en la conocida historia de Moisés y el Mar Rojo.
Los seguidores promocionan esta Teoría de los 72 nombres de Dios como la llave para desprenderse de la depresión, el estrés, la falta de creatividad, el enojo, las enfermedades, y otros problemas físicos y emocionales.
En un principio podían acceder al poder de la kabbalah sólo un grupo reducido de personas, pero el objetivo del Kabbalah Centre es propagar esta sabiduría a la mayor cantidad de gente.
Hoy por hoy, millones de mujeres y hombres de todo el mundo la estudian, ya sea en las aulas, por internet, mediante un instructor, vía telefónica, o con libros acompañados de casetes.

Elecciones en la UBA

2006-06-06T08:33:00.000-03:00

Por Malena Higashi
Ilustración: Natanael

Acusaciones cruzadas, un candidato -Atilio Alterini- repudiado por haber sido funcionario durante la dictadura y cuatro votaciones frustradas. Esos son algunos de los elementos que componen el drama en la elección del rector de la Universidad de Buenos Aires.

Santiago Gima, presidente de la FUBA
"El objetivo no es la toma en sí, yo lucho por democratizar la universidad"

"El Consejo Superior con mayoría alterinista asume, pero extremadamente debilitado. La patotera en la Facultad de Medicina (en referencia a las agresiones que el martes 2 de mayo sufrió un estudiante cuando se dispuso el cuarto y último intento de votación) produjo un revés en la opinión pública, antes prevalecía la campaña mediática que nos colocaba a nosotros como los violentos. Nuestro objetivo no fue impedir que se votara, tampoco la toma en sí, yo lucho por democratizar la universidad, y las tomas, las marchas, los cortes de calle son medios de lucha. La gestión actual es antidemocrática: el 52 por ciento de los miembros de la asamblea representa a menos del 2 por ciento de la totalidad de los docentes. Se ha polarizado la universidad entre esa pequeña minoría privatizadora y la mayoría, que son los docentes y estudiantes. ¿Es preferible tener un rector privatizador o que por un mes no haya rector pero que se resuelva el conflicto?
Otro gran problema es la burocracia sindical formada por Oscar Shuberoff (el antecesor de Jaim Etcheverry) para tener dócil al movimiento no docente. Porque si el sindicato de no docentes (APUBA) cierra las facultades por 24 horas, que es lo que hizo un día después de los incidentes en la Facultad de Medicina, es porque ha formado una burocracia llena de prebendas y clientelismo: es el primer paro de 24 horas en una década hecho para no defender nada sino para vaciar la facultad.
Se habló en los medios de una fractura de la FUBA con la creación de una FUBA de los estudiantes, a la que adherían los centros de Económicas, Farmacia y Bioquímica, Derecho y Odontología. Pero esa división duró solamente 48 horas y se trató de un operativo mediático para restarle legitimidad a nuestro reclamo. Antes del cuarto llamado a asamblea lanzamos un plebiscito entre docentes, no docentes, graduados y estudiantes de la facultad. Votaron 33 mil personas. No tengo números exactos pero la mayoría de la gente estaba a favor de la democratización de la universidad, la incorporación de los no docentes con voz y voto y, además, consideraban que la reforma al estatuto debe ser antes que la asamblea. Se está constituyendo un movimiento que está haciendo que se vuelva a encender la llama de la Reforma Universitaria en Argentina, en todo el país se va a elegir rector y por eso está este choque entre las camarillas privatizadoras y las organizaciones estudiantiles docentes y no docentes."

Emiliano Yacobetti, ex presidente de la FUA
“No puedo decir que defiendo la democratización si voy con palos para que no se vote”

“Seguramente se va a poder hacer en el futuro una asamblea en condiciones, el Consejo Superior anterior, el que comandaba Guillermo Jaim Etcheverry, en ningún momento llamó a una asamblea con la verdadera intención de que se realice porque sabía que los estudiantes de la FUBA iban a ser funcionales a sus métodos violentos. Pueden tomar un colegio o una facultad, puede haber gente que quiera tomar las cosas por medio de la violencia, pero si la fuerza pública que se tiene que ocupar de esas cosas lo permite, es inevitable. Si no podemos sesionar en una facultad nos iremos a otra, pero esta vez el Consejo Superior va a reconocer la elección.
Se van buscando excusas. Primero fue Alterini, se le cuestionaba un cargo de empleado público en la Municipalidad de 1981. La verdad es que nadie puede probar que haya tenido un grado de participación en la dictadura. Cuando lo apoyaron Ernesto Sábato y Adolfo Pérez Esquivel, el problema pasó a ser la asamblea. La realidad es que no quieren perder un rector que hasta ahora les venía dejando hacer lo que querían, que les permite tener los locales de la FUBA, que les da fondos de manera discrecional. Ninguno de estos estudiantes le cuestionó los 120 millones que gastó este rector. Sin dudas es una estrategia funcional.
No es ético que la FUBA hable de la democratización de la facultad cuando hace tres años que no llaman a Congreso porque saben que van a perderlo, y así están en forma ilegítima desde hace más de dos años. Con respecto a la asamblea, es cierto que podría tener más representación y todo el tiempo tenemos que plantear reformar los estatutos para corregir errores o actualizarlos, pero para poder cambiar cualquier cosa tenemos que permitir que una asamblea funcione. Si yo la rompo permanentemente no se puede. No puedo decir que defiendo la democratización si voy con palos para que no se vote. Si en la asamblea pasada, hace cuatro años Jaim Etcheverry pedía que hubiera un control policial para que pudieran entrar sólo los asambleístas y hoy él mismo dice que es imposible llamar a la policía, evidentemente hay una maniobra política, no quiere que haya asamblea.
Esta claro que la universidad tiene que ser autónoma y que la policía no tiene nada que hacer adentro. Pero afuera es la fuerza pública la que se tiene que ocupar de controlar. Una cosa es hacer una protesta y otra cosa es romper una facultad, un edificio público.”

Número SEIS - abril 2006

2006-06-06T00:45:00.000-03:00

Qué duro ha de ser para el poeta

El mes de abril le fue robado a un hombre que imploró 11 noches en Buenos Aires, Rosario, Córdoba y Mar del Plata que cómo pudo sucederle a él. Ese señor protagonizó uno de los episodios más extraños de los últimos tiempos en materia de fanatismo musical: Joaquín Sabina pasó por la Argentina, y no pasó inadvertido. El valor de la palabra contada con ingenio y talento pareciera ser lo que mueve tanta pasión alrededor del andaluz de Jaén. Juan Gelman también estuvo por esta patria espantada de falta de amor y fue homenajeado tanto por la ciudad de Buenos Aires como por el club Atlanta; la poesía del tablón, otro reconocimiento inédito para el mayor poeta vivo de nuestro continente. A Francisco Paco Urondo, que ya tuvo a principios de año una película que rastreó su memoria, le editan con lujo su impostergable antología poética. Entre tanto, Luis Alberto Spinetta saca del horno su Pan caserito con esas palabritas de escudriñador y deforme tan suyas. Nosotros editamos al ángel izquierdo de la poesía, Haroldo de Campos, directamente de Eloísa Cartonera a sus manos, porque pensamos que es muy necesario que entre tantas tragedias sucesivas recordadas en 17 días (Embajada de Israel, Golpe de Estado, Guerra de Malvinas) se rescate el valor de la palabra, empeñada con coraje y sabiduría.

El actor de las cosas sencillas Daniel Hendler nos cuenta cómo fue volver a protagonizar la nueva película de Daniel Burman, Derecho de familia, y sobre su carrera que de tan corta no deja de ser relevantísima, en nuestra Entrevista. En Tucumán iba a tocar Callejeros pero una inhabilitación se los impidió a último momento, buscamos a un familiar y a un sobreviviente que están a favor y en contra de su vuelta a los escenarios y les dimos voz en La tragedia. Y si de tragedias se trata, no podemos dejar de recordar Malvinas, nuestro Héroe es Jorge Tedesco, ex combatiente de esas islas demasiado famosas que cuenta Jorge Luis Borges sobre un tiempo que no podemos entender. Dos periodistas deportivos, bien distintos, fueron perseguidos hasta ser abordados por nuestros redactores: El Ruso Verea y Marcelo Benedetto, Vermouth y Bipolar del mes, respectivamente. Uno bien crítico con los dueños de la pelota, el otro, bien cómodo con su lado histriónico ganado por llevarse de mil maravillas con los futbolistas. El brit pop local tiene a los Super Ratones como abanderados. En el Bonustrack Fernando Blanco cuentan cómo fue el camino entre ser emuladores y encontrar un sonido autóctono desde el legado de los fab four. Para ponerlo en un cuadrito, previo paso por el Bar Palacio, un rincón temático de fotografías y cámaras antiquísimas de Chacarita que retratamos en Bicolor. Nos tomamos una montaña rusa al pasado junto a nuestro Ejército de salvación y rescatamos del olvido un mojón de la nuestras vidas: el Italpark, recordando autitos chocadores y tazas centrífugas. La Investigación aborda un tema complicado: exiliados chinos en la Argentina que dicen haber sido perseguidos y torturados en su país por ser tildados de secta satánica.

En 1968 Silvio Rodríguez se interrogaba sobre qué duro debía ser para el poeta haber hablado de los ríos cuando ya las cosas del poeta no sean jamás poesía. Es bueno que aún en medio de tanta barbarie y cosa infeliz siga siempre prevaleciendo la palabra.

Daniel Hendler

2006-06-06T00:41:00.000-03:00

Por Graciana Castelli

A poco de haberse estrenado su última película, ‘Derecho de familia’, el actor cuenta su relación con el director Daniel Burman y confiesa que le da un poco de temor no haber trabajado en televisión hasta el momento. Además, lejos de caer en la incertidumbre de sus personajes, asegura: ‘Nosotros los actores tenemos que ayudar a que la historia sea lo más vívida y humana posible’.

Uruguayo, 30 años, el actor de las cosas sencillas, y no tanto. El álter ego del director de cine argentino Daniel Burman, para la crítica. El antihéroe que cuando habla en la pantalla grande parece trabarse, hace pausas, ironiza a media sonrisa, intenta conocerse, reposa en la duda. El joven de la mirada lunar que narra historias y dispara preguntas: ¿No te sentís burbuja?, concluye en Esperando al mesías.
Multipremiado en cuanto festival de cine independiente –y dependiente- anda dando vueltas, Daniel Hendler, el muchacho ojos de papel acaba de estrenar su última película –también burmaniana-, Derecho de familia, en donde interpreta al del Dr. A(riel). Perelman hijo, un abogado que se descubre padre y redescubre a su padre para finalmente descubrirse a sí mismo. Su compañera en el ruedo es Julieta Díaz, la mujer orquesta que, si de actuación se trata, parece no tenerle miedo a nada. Hendler dirá sobre ella: “Burman estaba buscando a una actriz y Adriana Aizenberg la propuso, a él se le ocurrió, y a mí me gustó. Es una tipa abierta y su observación sobre mi personaje me ayudó mucho porque hubo muy buena comunicación”. Esta última película es una historia contada desde la sensibilidad de los detalles que marca la maduración de una dupla (Burman-Hendler) que no aburre y funciona.

UNA APUESTA RIESGOSA
La historia comienza así: Burman –por entonces productor ejecutivo de la película Garage Olimpo (1999)- viaja a Montevideo para ver a Walter Reyno, un actor uruguayo que trabajaba junto Hendler en una obra de teatro. Ahí descubre –sin saberlo- a su futuro actor fetiche y le hace un casting improvisado. Un año más tarde, el director comienza a buscar al protagonista de Esperando al mesías (2000) y decide llamarlo. “Se acordó de mí y se la jugó porque le quedaba poco tiempo para el rodaje. Después me contó que se dio cuenta de que yo era buen actor –según él, aclara- durante el montaje, recién ahí se fue alegrando. Él me había visto sólo en una obra de teatro en la que hacía a un personaje bastante grotesco y agresivo que no tenía nada que ver con el registro que él buscaba, entonces era medio una apuesta riesgosa.”
La jugada fue un éxito, Esperando al mesías (2000) no sólo sería bien recibida por el público y la crítica sino que, además, abriría las puertas de lo que luego terminó siendo una inesperada trilogía de Arieles en permanente búsqueda introspectiva (Ver La trilogía de…). Le sucedió El abrazo partido (2003), premiada en 2004 con el Oso de Plata como mejor película en el Festival Internacional de Cine de Berlín, y con otro oso igual que sorprendió al joven uruguayo como mejor actor. Una anécdota cuenta que cuando lo pasó por los rayos X del aeropuerto de Berlín, los guardias lo reconocían y lo saludaban.

- Luego de tres trabajos junto a Burman en donde tus personajes son el eje de las historias, ¿hasta donde llega tu rol participativo en las películas?
Mi participación es un poco la de acompañar el proceso desde el inicio de la escritura del guión. En esta última, y en El abrazo partido también, me propuso hacer la película antes de escribirla. Después me mandó el primer cuentito, el primer armado, la primera versión, y yo acompaño un poco desde mi rol de actor, un poco también como amigo –cada vez más-, y después en el rodaje. Burman es muy inteligente en el casting y yo participo como partenaire de algunos actores que él quiere probar.

- Muchos te llaman el actor que se representa a sí mismo, sin embargo en tu última película hacés de papá, algo totalmente ajeno a tu realidad...
Estuvo bueno porque no soy padre y no lo voy a ser inmediatamente. Hay otras cosas a las que uno no les tiene tanto respeto porque de alguna manera las siente o no le pesa tanto la experiencia. Es más fácil observar a un loco que tener la vivencia de ser padre. Pero me ayudó mucho Burman en la relación con el chico (hijo del director en la vida real). También me pasó que con mi novia adopté una perra las semanas previas al rodaje –no fue intencional-, y si bien un padre se ofendería con esta comparación, para mí fue lo más cercano a sentirme responsable por una criatura. Así que si resulto creíble como padre, entonces será que soy muy paternal con mi perra (bromea…).

- Tus personajes son muy porteños y funcionan dentro de esa dinámica, ¿sentís que te aporteñaste?
Cuando llego a Montevideo se me acusa un poco de eso. Pero es natural, al principio de estar acá para que los taxis no me pasearan tenía que evitar decir algunos términos uruguayos. Y lo mismo para actuar, a veces se cortaban tomas porque se me escapaba un “contigo” o un “tá”. De a poco vas neutralizándote que no es lo mismo que aporteñándote. Si tuviera que elegir una ciudad cosmopolita sin duda elijo Buenos Aires porque me parece la más interesante, es una ciudad viva en la que hay diversidad. Y si bien hay cada vez más contrastes por estos lardes, todavía conserva algo de clase media y sobre todo de cultura. Pero me costó mucho vivir en una ciudad grande como esta.

MUCHO CINE Y POCA TELE
Lejos de ser solo un chico Burman, la carrera de Hendler, silenciosamente, se engrosa: hizo desde el inolvidable y ochentoso personaje de Walter para la publicidad de Telefónica en donde en pleno menemato era descongelado y llegaba de visita –al ritmo del Wadu wadu y con un par de australes en el bolsillo- a la casa de sus padres que caían desmayados al verlo; hasta películas con directores como: Juan Villegas, Sábado (2001) y Los suicidas (2005), Damián Szifrón, En el fondo del mar (2003), Juan Pablo Rebella y Pablo Stoll, Whisky (2003), sólo por nombrar a algunos. Además tiene una basta experiencia sobre las tablas –y admite tener ganas de volver a pisarlas- que, entre otras cosas, consolidó en un grupo de teatro que formó a los 19 años en Montevideo, Acapara el 522, con el que dice que “hace dos años que no hacemos nada porque yo estoy medio instalado acá, pero sigue ahí latente”.
Algo que sorprendió fue su inesperada aparición en la pantalla chica cuando el año pasado interpretó a un villano en Sin código, la tira que protagonizaban Adrián Suar y Nicolás Cabré por Canal 13. “Para mí fue un poco patear el tablero. Durante un tiempo creí en eso del perfil bajo y creo que fue bueno no exponerme para darle más credibilidad a los personajes. Pero me cansé de cuidar tanto qué proyectos o personajes van o no. Me da un poco de temor no haber hecho televisión porque eso tal vez hace que te dejen de llamar, y quizá en algún momento lo necesite o me den ganas, y no tenga tantas oportunidades”.
Hendler habla pausado al igual que en la mayoría de sus películas. Escucha atento y responde, no improvisa. Interrumpe la charla para atender su celular y dice: “Sino mandame un mail a ...@montevideo.uy”, es cierto, no llegó a aporteñarse. Es un tipo simple en sus formas, con una vocación y un estilo definidos que para nada recuerdan a sus personajes ahogados de preguntas: “Un actor es un tipo que se sube a un escenario o se pone frente a una cámara para ser observado o explorado desde una mirada voyeurística, y tiene que trabajar la generosidad para poder regalar algo de vida y no provocar sólo admiración. Por ejemplo, (Philip Seymour) Hoffman, el que ahora ganó el Oscar y que es un capo absoluto; tal como lo imaginaba, el último personaje que hizo (Truman Capote) es de los que menos me gustan de él porque es una composición finísima y deleitante en donde uno no puede dejar de admirar al actor que está componiendo. Pero a mí no me queda ningún recuerdo vívido de eso que me pasó viendo la película, veo pura observación y exquisita técnica, pero no veo a un tipo al que le están pasando cosas. Y creo que nosotros, los actores, tenemos que ayudar a que la historia sea lo más vívida y humana posible”.